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martes, 4 de agosto de 2020

Tyrannosaurus Rex - My People Were Fair and Had Sky in Their Hair... But Now They're Content to Wear Stars on Their Brows (1968 UK)


La figura central de Tyrannosaurus Rex es Marc Bolan, nacido cerca de Londres en 1947, admirador en su adolescencia de los grandes del rock 'n' roll, como Chuck Berry o Eddie Cochran. Posteriormente tiene influencias folk (Donovan o Dylan), grabando algunos singles con el nombre de Toby Tyler, sin repercusión, pero ingresando finalmente en una banda mod/protopunk con una gran puesta en escena, buenas críticas, algún trabajo publicado... pero pocas ventas: John's Children. Su permanencia en la banda fue breve y en julio de 1967, Marc Bolan crea Tyrannosaurus Rex, su propia banda de rock junto con el guitarrista Ben Cartland, el baterista Steve Peregrin Took y un bajista desconocido. Simon Napier-Bell (que era el manager de John's Children y posteriormente de Bolan, así como de Yardbirds y luego de gente como Boney M., Wham!...) recordó a Bolan: "Obtuvo un concierto en el Electric Garden y luego puso un anuncio en Melody Maker para conseguir a los músicos. El periódico salió el miércoles, el día del concierto. A las tres en punto estaba entrevistando a músicos, a las cinco se estaba preparando para subir al escenario... fue un desastre. Simplemente los abuchearon". Después de este concierto, Bolan redujo la banda a él y Took, y continuaron como un dúo acústico de rock folk psicodélico, con las canciones de Bolan y Took tocando una variedad de percusiones de mano y kit y bajos ocasionales con las guitarras acústicas y la voz de Bolan. Napier-Bell dijo de Bolan que después del primer concierto eléctrico desastroso: "No tuvo el coraje de intentarlo de nuevo; realmente había sido un duro golpe para su ego ... Más tarde les dijo a todos que se había visto obligado a hacer música acústica porque Track Records (compañía con la que había seguido John's Children) se había llevado todo el equipo. Pero la verdad es se había visto obligado a hacerlo así porque tenía miedo de hacer cualquier otra cosa". 


My People Were Fair se grabó en Advision Studios en Londres a principios de 1968 y fue producido por Tony Visconti. Las sesiones de demos preparatorios del álbum se llevaron a cabo en el piso de Visconti en Londres, así como sesiones de estudio con el productor Joe Boyd. Advision fue el primer estudio en el Reino Unido con equipo de grabación de ocho canales. Esta máquina Advision de ocho canales era un modelo 280 fabricado por Scully Recording Instruments, que permitía una flexibilidad de grabación mucho mayor que las grabadoras estándar de 4 pistas de la época. Dos de las canciones, "Mustang Ford" (retitulado de "Go Go Girl") y "Hot Rod Mama" (una sesión de radio en vivo de la BBC) habían sido grabadas anteriormente por John's Children. Las primeras versiones de algunas de las pistas también aparecieron en The Beginning of Doves, una colección de demos y pistas iniciales lanzadas en 1974. El disco contó con Bolan en voz y guitarra, y Steve Peregrin Took en coros, batería, pixiphone y percusión. También contó con el disc jockey John Peel, que leyó un cuento para niños escrito por Bolan para la canción de cierre del álbum, "Frowning Atahuallpa (My Inca Love)", que también incluía un largo canto Hare Krishna. Para Bolan, la música del álbum representaba un rechazo a la música impulsada por la guitarra eléctrica que había estado tocando con su banda anterior, John's Children. La portada (de George Underwood) y el tema de muchas de las canciones trataban sobre temas de fantasía que impregnarían gran parte del catálogo posterior de Tyrannosaurus Rex.


Los cuatro primeros álbumes de la banda aparecen bajo el nombre de Tyrannosaurus Rex. En los 3 primeros aparece Took junto a Bolan, pero se fue del grupo tras negarse Bolan a incluir temas suyos en el siguiente trabajo. A partir del quinto disco (titulado T. Rex), Bolan acorta el nombre de la banda, aunque en las Galletas de María pondremos una única etiqueta para todos.


Side A
1. "Hot Rod Mama" 3:09
2. "Scenescof" 1:41
3. "Child Star" 2:52
4. "Strange Orchestras" 1:47
5. "Chateau in Virginia Waters" 2:38
6. "Dwarfish Trumpet Blues" 2:47

Side B
1. "Mustang Ford" 2:56
2. "Afghan Woman" 1:59
3. "Knight" 2:38
4. "Graceful Fat Sheba" 1:28
5. "Wielder of Words" 3:19
6. "Frowning Atahuallpa (My Inca Love)" 5:55

2004 Expanded Edition
1. "Hot Rod Mama (Mono Mix)" 3:11
2. "Scenescof (Mono Mix)" 1:04
3. "Child Star (Mono Mix)" 2:51
4. "Strange Orchestras (Mono Mix)" 1:48
5. "Chateau in Virginia Waters (Mono Mix)" 2:40
6. "Dwarfish Trumpet Blues (Mono Mix)" 2:46
7. "Mustang Ford (Mono Mix)" 3:01
8. "Afghan Woman (Mono Mix)" 3:01
9. "Knight (Mono Mix)" 2:41
10. "Graceful Fat Sheba (Mono Mix)" 1:29
11. "Wielder of Words (Mono Mix)" 3:19
12. "Frowning Atahualpa (My Inca Love) (Mono Mix)" 5:55
13. "Debora" (single track) 3:07
14. "Hot Rod Mama (Stereo Mix)" 3:10
15. "Scenescof (Stereo Mix)" 1:39
16. "Child Star (Stereo Mix)" 2:19
17. "Strange Orchestras (Stereo Mix)" 1:45
18. "Chateau in Virginia Waters (Stereo Mix)" 2:37
19. "Dwarfish Trumpet Blues (Stereo Mix)" 2:46
20. "Mustang Ford (Stereo Mix)" 2:57
21. "Afghan Woman (Stereo Mix)" 1:56
22. "Knight (Stereo Mix)" 2:36
23. "Graceful Fat Sheba (Stereo Mix)" 1:27
24. "Wielder of Words (Stereo Mix)" 3:18
25. "Frowning Atahualpa (My Inca Love) (Stereo Mix)" 5:54
26. "Child Star (Take 2)" 2:40
27. "Chateau in Virginia Waters (Take 2)" 2:54
28. "Debora (Take 2)" 3:09


Disponible en Nuestra Fábrica:

1970 - T. Rex
1973 - Tanx

Y disponible en 1PocodMusica:

1969 - Prophets, Seers & Sages: The Angels Of The Ages
1971 - Electric Warrior


CD en mp3 (320 Kbps) y FLAC, vinilo en FLAC, ed 2004 en mp3 (320 Kbps)


LOOK FOR: FRENTE, FRENTEF1-4, FRENTEV1-4 Y FRENTE04

martes, 28 de julio de 2020

Bob Dylan - Another Side Of Bob Dylan (1964 US)


Another Side Of Bob Dylan se desvía de la crítica social que Dylan había desarrollado con su LP anterior, The Times They Are A-Changin' y esto provocó críticas de algunas figuras influyentes en la comunidad popular: El editor de Sing Out!, Irwin Silber, se quejó de que Dylan había "perdido de alguna manera el contacto con la gente" y estaba atrapado en "la parafernalia de la fama". Musicalmente, sin embargo, Dylan interpretó la totalidad de Another Side of Bob Dylan como los discos anteriores: solo, con su guitarra acústica y armónica habituales, excepto el piano que aparece en "Black Crow Blues". El álbum alcanzó el #43 US (aunque finalmente se convirtió en oro), y el # 8 UK en 1965.


En febrero de 1964, Dylan se embarcó en un viaje de veinte días a través de los Estados Unidos. Montando en una camioneta con algunos amigos (Paul Clayton, Victor Maymudes y Pete Karman), Dylan comenzó el viaje en Nueva York, tomando numerosos desvíos a través de muchos estados antes de terminar el viaje en California. Según Clinton Heylin, biógrafo de Dylan, "la motivación principal para este viaje fue encontrar suficiente inspiración para ir más allá de la forma de la canción popular, si no en los bares, o de los mineros, y luego escudriñando profundamente en sí mismo". "Hablamos con gente en bares, mineros", diría Dylan más tarde. "Hablar con la gente, ahí es donde está, hombre". Dylan pasó mucho tiempo en la parte trasera de la camioneta, trabajando en canciones y posiblemente poesía en una máquina de escribir. Fue durante este viaje que Dylan compuso "Chimes of Freedom", terminando a tiempo para estrenarse en un concierto de Denver el día 15. "Mr. Tambourine Man" también fue compuesto durante este viaje. También fue durante este viaje que los Beatles llegaron a América. Su primera visita a los Estados Unidos sigue siendo una piedra de toque en la cultura estadounidense. Maymudes recordó cómo Dylan "casi saltó del auto" cuando "I Wanna Hold Your Hand" apareció en la radio y sus comentarios: "¿Escuchaste eso? ... ¡fue genial!" y cómo Dylan parecía perdido en sus pensamientos repitiendo el disco en su cabeza. Sin embargo, Dylan ya había estado siguiendo a los Beatles desde 1963. Ha habido diferentes informes sobre la actitud de Dylan hacia los Beatles en este momento, pero se sabe que Suze Rotolo (su novia hasta esas fechas) y Al Aronowitz pusieron sus canciones inmediatamente y defendieron su música. Aronowitz luego afirmó que Dylan los descartó como "chicle", pero en una entrevista en 1971, Dylan recuerda haber quedado impresionado por su música. "Estábamos conduciendo por Colorado, teníamos la radio encendida, y ocho de las 10 canciones principales eran canciones de los Beatles ... "I Wanna Hold Your Hand", todas esas primeras. Hacían cosas que nadie hacía. Sus acordes eran escandalosos, simplemente escandaloso, y sus armonías lo hicieron todo válido ... Sabía que estaban señalando la dirección de dónde tenía que ir la música ". En enero, mientras los Beatles estaban en Francia, George Harrison compró el lanzamiento francés de The Freewheelin 'Bob Dylan, titulado En Roue Libre, que oyeron repetidamente, impresionados por las letras y "¡solo la actitud!". A medida que los Beatles comenzaron a influir en Dylan y viceversa, la vida personal de Dylan estaba experimentando una serie de cambios significativos. Cuando Dylan regresó a Nueva York en marzo, alquiló una guitarra eléctrica. Continuó su romance con el cantante de folk Joan Baez, aunque sus apariciones en el escenario comenzaron a disminuir. Suze Rotolo, aparentemente había tenido conocimiento del asunto. Poco después de que Dylan regresó a Nueva York, los dos tuvieron una discusión. En ese momento, Suze se estaba quedando con su hermana Carla, y cuando Carla intervino, Dylan comenzó a gritar a Carla. Carla le ordenó a Dylan que se fuera, pero él se negó a irse. Empezaron a empujarse y pronto estaban prácticamente peleando. Acudió gente y Dylan tuvo que ser maniatado por la fuerza, terminando efectivamente su relación con Suze Rotolo. En una entrevista de 1966, Dylan admitió que después de que su relación terminó, "me sentí muy, muy nervioso por un tiempo. Quiero decir, realmente, muy nervioso".


Como Dylan le dijo a Nat Hentoff en The New Yorker, "no hay canciones para señalar con el dedo" en Another Side of Bob Dylan, lo que fue un paso significativo en una nueva dirección. 
El crítico musical Tim Riley escribe sobre varios temas: Como conjunto, las canciones constituyen un acto decisivo de no comprometerse a protestas vinculadas a temas, a la música folklórica vinculada a la tradición o a los lazos posesivos de su audiencia. Las canciones de amor se abren en forma indeterminada declaraciones sobre las órbitas emocionales que toman los amantes, y los temas de actualidad traspasan los límites morales artificiales y saltan a una amplia observación social. La compasión que une todas las quejas en "All I Really Want To Do" y "It Ain't Me, Babe" es redonda con idealismo y humor y ambas canciones funcionan con un puro yodel (el estilo de canto tirolés) a lo Jimmie Rodgers que hace que sus lazos con el optimismo estadounidense sean mucho más atractivos. "Spanish Harlem Incident" es un nuevo romance que pretende ser breve y dulce, pero es un ejemplo de cómo Dylan comienza a usar acoplamientos de palabras poco comunes para evocar los misterios de la intimidad: her 'rattling drums' play off his 'restless palms' o her 'pearly eyes' and 'flashing diamond teeth' off his 'pale face'. Riley describe "My Back Pages" como una radiografía exhaustiva del antiguo proselitismo social de Dylan ... Dylan renuncia a su anterior perca mesiánica demasiado seria y rechaza las falsas ideas ("era mucho mayor entonces / ahora soy más joven que eso"). Descrito por Riley como "el aguijón sin aleación de una perfidia romántica", "I Don't Believe You (She Acts Like We Never Have Met)" se reorganizaría dramáticamente para una banda de rock totalmente eléctrico durante la famosa gira de Dylan en 1966 junto con The Hawks. Sobre "To Ramona", Riley la describe como un vals suave y tierno, que extiende el romance desde los ideales de honestidad emocional hasta los problemas de conformidad condicionada ('De accesorios y fuerzas y amigos / Que tienes que ser como ellos') ... en "Spanish Harlem Incident", Dylan usa la adulación como un frente para la débil autoimagen del cantante; en "To Ramona", está tratando de salvar a su amante de sí misma solo porque sabe que pronto necesitará la misma comodidad que le está dando.


Clinton Heylin nos valora otros temas del álbum: "Chimes of Freedom" puede rastrearse hasta "Lay Down Your Weary Tune", tema grabado en las sesiones de The Times They Are A-Changin' que no apareció en ese álbum. Su sentido del poder de la naturaleza refleja fielmente 'Lay Down Your Weary Tune". Descaradamente apocalíptico ... la composición de "Chimes of Freedom" representó un salto de forma que permitió que surgieran canciones aún más intensamente poéticas: los colores del viernes eran aburridos / como las campanas de la catedral se quemaban suavemente / golpeaban para los gentiles / golpeaban para los amables / golpeaban para los lisiados / un golpe para los ciegos. Con este triste estribillo, escrito sobre el asesinato de JF Kennedy, Dylan pasaría de trovador tópico a poeta del camino. "Motorpsycho Nitemare" y "I Shall Be Free No. 10" se podrían considerar como blues de conversación surrealista. Descrita por Heylin como la canción más realizada en Another Side, "To Ramona" es una de las canciones más famosas del álbum. "Motorpsycho Nitemare", basado en parte en la película Psycho de Alfred Hitchcock, satiriza tanto el surgimiento de la contracultura estadounidense de los años 60 como las reacciones paranoicas de la corriente principal hacia ella. Según Heylin, "Ballad in Plain D" toma su melodía y estribillo ("mis amigos me dicen ...") de la canción popular escocesa, "I Once Loved A Lass (The False Bride)". La canción detalla gráficamente la noche de su ruptura con Suze. La representación de Dylan de Carla como la 'hermana del parásito' sigue siendo un retrato cruel e inexacto de una mujer que comenzó como una de sus más grandes fanáticas, y cambió solo cuando llegó a ver los grados de chantaje emocional que él sometió a su hermana menor. Cuando se le preguntó en 1985 si había alguna canción de la que se arrepintiera de haber escrito, Dylan señaló "Ballad in Plain D" y dijo: "Miro hacia atrás a esa en particular y digo ... tal vez podría haber dejado aquello solo". "It Ain't Me, Babe" también vuelve a trabajar el mismo arreglo de "Scarborough Fair" que fue escrito en las composiciones anteriores de Dylan, "Girl from the North Country" y "Boots of Spanish Leather". Johnny Cash grabaría su propia versión exitosa de esta canción poco después del lanzamiento de Another Side of Bob Dylan, mientras que la versión de The Turtles llegaría a un nivel de éxito aún mayor. The Byrds grabaron cuatro canciones de Another Side of Bob Dylan: "Chimes of Freedom", "My Back Pages", "Spanish Harlem Incident" y "All I Really Want to Do". Además, se les presentó su exitoso sencillo "Mr. Tambourine Man" a través de una copia de la grabación inédita de Dylan de la sesión del álbum del 9 de junio de 1964. 


Cara 1
1. "All I Really Want to Do" 4:04
2. "Black Crow Blues" 3:14
3. "Spanish Harlem Incident" 2:24
4. "Chimes of Freedom" 7:10
5. "I Shall Be Free No. 10" 4:47
6. "To Ramona" 3:52

Cara 2
1. "Motorpsycho Nitemare" 4:33
2. "My Back Pages" 4:22
3. "I Don't Believe You (She Acts Like We Never Have Met)" 4:22
4. "Ballad in Plain D" 8:16
5. "It Ain't Me Babe" 3:33


Disponible en Nuestra Fábrica:

1962 - Bob Dylan
1975 - Desire
1978 - At Budokan


Y disponible en 1PocodMusica:

1963 - The Freewheelin' Bob Dylan
1965 - Highway 61 Revisited
1965 - Bringing It All Back Home
1966 - Blonde On Blonde
1973 - Dylan
1975 - Blood On The Tracks
1978 - Masterpieces
1997 - Never Mind The Bollocks (Here's Bob Dylan) (bootleg)
2001 - Love And Theft
2006 - Modern Times
2009 - Together Through Life


CD en mp3 (320 Kbps), CD ed. 2003 SACD en FLAC, vinilo en FLAC


LOOK FOR: OTRA, OTRAF1-4 y OTRAV1-3

martes, 21 de julio de 2020

Shawn Phillips - Second Contribution (1970 US)


Se puede pensar que es un crimen que este genio de la música haya pasado desapercibido desde los últimos años 60 y la década siguiente (sin menospreciar el resto de su obra). Pero como dijo él mismo: "No estoy tan interesado en la fama y la popularidad, pero me gustaría tener el dinero que conlleva. Supongo que los dos tienen que ir de la mano. Mi "secreto" es simplemente porque ninguna de las compañías con las que he estado afiliado se ha preocupado lo suficiente como para contratar una empresa nacional de relaciones públicas anualmente como parte de la máquina que crea fama y popularidad. Además, si usas una palabra como xenofobia en una canción, o cualquier palabra que el público en general tenga que buscar, tienden a rehuir cualquier apariencia de inteligencia en la música popular". Para mí este es uno de sus mejores trabajos, a veces criticado por inconexo, pero casi sin desperdicio. La cálida voz de Phillips junto con su música relajada y acústica crean una atmósfera casi mágica que podréis apreciar desde los primeros compases del álbum.


Allmusic: En este paisaje musical sorprendente, siempre cambiante, Shawn Phillips lleva a los oyentes a través del folk ("The Ballad of Casey Deiss") y varios estilos de rock, con una fuerte sensación de R&B a veces ("Song for Mr. C"), acompañado por una banda y las orquestaciones moderadas de Paul Buckmaster. Las primeras cuatro canciones se desarrollan sin pausas, como un género cruzado de Sgt. Pepper's, y el álbum nunca se detiene, impulsado por las guitarras de Phillips y su canto inocente. Algunos de los títulos, como "Song for Sagittarians", parecen anticuados, pero incluso ese tema tiene algunos buenos ganchos y un coro pegadizo. Curiosamente, la promesa de la portada del álbum, que representa el solo de Phillips con un acústico Gibson de 12 cuerdas, se cumple en la canción final, "Steel Eyes", en la que suena como un sucesor más conmovedor de su antiguo colaborador Donovan.


1. She Was Waitin' For Her Mother At The Station In Torino And You Know I Love You Baby But It's Getting Too Heavy To Laugh (SWWFHMATSITAYKILYBBIGTH)-4:54
2. Keep On-3:21
3. Sleepwalker-1:32
4. Song For Mr. C-3:49
5. The Ballad Of Casey Deiss-6:12
6. Song For Sagittarians-3:43
7. Lookin' Up Lookin' Down-3:55
8. Remedial Interruption-1:56
9. Whaz' Zat-1:56
10. Schmaltz Waltz-1:44
11. F Sharp Splendor (P. Buckmaster)-0:36
12. Steel Eyes-4:18
(S. Phillips, excepto indicada)


Disponible en Nuestra Fábrica:

1973 - Faces 

Y disponible en 1PocodMusica:

2009 - Contribution + Second Contribution


CD en mp3 (320 Kbps) y FLAC


LOOK FOR: SEGUNDA y SEGUNDF

martes, 14 de julio de 2020

Judas Priest - British Steel (1980 UK)


Pues en absoluto es este un tipo de rock que me apasione (aunque con los años, va ganando terreno). Lo que pasa es que llevo un tiempo con bastantes problemas (además de los sanitarios por todos compartidos) que me han hecho apartarme un poco del blog. Y el otro día, ojeando por internet vi esta portada. Y pensé que había que cortar con todo eso. Así que aquí tenéis el sexto álbum de Judas Priest, uno de sus trabajos más reconocidos: British Steel.


British Steel fue grabado en diciembre de 1979 en Tittenhurst Park, hogar de Ringo Starr, después de un comienzo en falso en Startling Studios, ubicado también en los terrenos de Tittenhurst Park. El muestreo digital aún no estaba ampliamente disponible al momento de la grabación, por lo que la banda usó la grabación analógica de romper botellas de leche para incluirlas en "Breaking the Law", así como varios sonidos en "Metal Gods" producidos por tacos de billar y bandejas de cuchillería. Es el primer álbum de Judas Priest en el que aparece el baterista Dave Holland, y fue lanzado en el Reino Unido a un precio de descuento de £3.99, con los anuncios en la prensa musical con la leyenda "British Steal" (robo en vez de acero). Las canciones "Breaking The Law", "United" y "Living After Midnight" fueron lanzados como singles.


Muchas reediciones para este álbum. Hemos traido tres, todas de 2010-2011 (30 Aniversario). Esta portada de arriba es la edición 30th Anniversary, con CD+2 bonus (que ya aparecían en la edición de 2001), CD live y DVD. También hay un vinilo 30th Anniversary con esos 2 bonus y al año siguiente una edición japonesa con los mismos 2 bonus, pero sin el CD live ni el DVD. La edición americana original cambia el orden de los tres primeros temas, anteponiendo el tercero ("Breaking The Law") a los 2 primeros de la edición UK ("Rapid Fire" y "Metal Gods") y también el orden de los dos primeros temas de la segunda cara (temas 6 y 7)... les gusta a ellos.


1. Rapid Fire-4:08
2. Metal Gods-4:00
3. Breaking the Law-2:35
4. Grinder-3:58
5. United-3:35
6. You Don't Have to Be Old to Be Wise-5:04
7. Living After Midnight-3:31
8. The Rage-4:44
9. Steeler-4:30

Bonus Ed. 2001
10. Red, White & Blue" (Recorded during the 1985 Turbo sessions)-3:49
11. Grinder" (Live at Long Beach Arena, Long Beach, California; 5 May 1984)-4:49

CD/DVD Bonus 30th Anniversary (Live) 
1. Rapid Fire-4:18
2. Metal Gods-4:34
3. Breaking the Law-2:43
4. Grinder-4:06
5. United-3:45
6. You Don't Have to Be Old to Be Wise-5:24
7. Living After Midnight-4:53
8. The Rage-5:04
9. Steeler-5:23
10. The Ripper (Tipton)-3:09
11. Prophecy-6:12
12. Hell Patrol-3:57
13. Victim of Changes (Al Atkins, Downing, Halford, Tipton)-9:29
14. Freewheel Burning-5:49
15. Diamonds & Rust (Joan Baez)-4:07
16. You've Got Another Thing Coming-8:58
(G. Tipton, R. Halford, K.K. Downing excepto indicadas)


CD (versión americana) en mp3 (320 Kbps), vinilo en FLAC, CD 30th Anniversary Ed en FLAC, vinilo 30th Anniversary en FLAC, CD ed 2011 (Jap) en mp3 (320 Kbps)


LOOK FOR: STEEL, STEELV1-4, STEEL30A1-5, STEELV30A1-5 y STEEL11

martes, 23 de junio de 2020

Leonard Cohen - Live Songs (1973 CAN)


No fue hasta después de Songs From a Room, de 1969, que Leonard Cohen aceptó a regañadientes hacer una gira. Como se relata en la biografía de Ira Nadel (Various Positions, 1996), la primera aparición importante de Cohen en un mitin en el ayuntamiento en la ciudad de Nueva York para el Comité Nacional para una Política Nuclear Sana en abril de 1967 no había salido bien: tocó algunos compases de " Suzanne " y se alejó, asustado por el miedo escénico, solo para ser llevado de vuelta al escenario para terminar la canción por una audiencia comprensiva. Cohen finalmente se inclinó ante la presión de viajar en 1970, pero se limitó a Europa , donde su popularidad era mucho mayor que en los Estados Unidos. Cohen volvería a Europa nuevamente en 1972 y 1974. Según el libro de Anthony Reynolds, Leonard Cohen: A Remarkable Life, Cohen le pidió a Bob Johnston, que había producido Songs From a Room, para formar la banda y tocar teclados en la gira: "Terminé en la gira casi por accidente", relata Johnston. "Me pidió que lo supervisara; luego me pidió que reuniera a su banda. Preparándome, le dije a Cohen: 'Te conseguiré el mejor pianista del mundo'. "No, te quiero a ti", dijo Leonard. Protesté: "No puedo tocar el piano. Puedo estar a tu alrededor, pero no puedo tocar, y aquí tienes grandes músicos. Es gente maravillosa". "O vienes y tocas, o no voy", fue la respuesta de Cohen. Pensé: "Demonios, no voy a extrañar esto". Así que empezamos. Simplemente tocaba el piano, la guitarra y el órgano, lo que sea. No podía tocar muy bien, pero tampoco él podía cantar muy bien".


Cohen está respaldado (en la gira de 1970) por un grupo con influencias country llamado The Army, que incluye al guitarrista Ron Cornelius , Elkin Fowler al bajo, Bob Johnston (guitarra y armónica), el guitarrista/violinista Charlie Daniels y las vocalistas Aileen Fowler y Corlynn Hanney. En 1972 siguen Cornelius y Johnston (aunque éste a los teclados), junto a David O'Connor (guitarra acústica), Peter Marshal (bajo) y las vocalistas Donna Washburn y Jennifer Warren, que posteriormente se haría famosa como Jennifer Warnes (dos premios Grammy, en 1983 por el dúo con Joe Cocker "Up Where We Belong" y en 1988 por el dúo con Bill Medley "(I've Had) The Time of My Life"). En referencia a las vocalistas que lo han apoyado en conciertos, Cohen comentó en 2001 en la revista Mojo: "Las necesito. Creo que mi voz suena mejor cuando esta algo oscurecida con los sonidos de las personas que realmente pueden cantar. Nunca he sido muy competente cantando. Personalmente cuando escucho mis canciones, siempre me siento más cómodo cuando mi voz está rodeada de armonías, lo que para mí sugeriría naturalmente la voz femenina. Necesito escuchar armonías para poder encontrar el tono". En 2009, Cohen explicó durante una entrevista en el Show Q de la radio CBC: "Estaba muy influenciado por las voces de fondo de las mujeres... Me gustan las canciones con esa sensación. Esas son las canciones de los años cincuenta. Así que esos eran los sonidos que quería intentar reproducir. Además, mi propia voz suena tan desagradable para mí cuando la escucho que realmente necesitaba el endulzamiento de las voces de las mujeres detrás de mí". La portada incluye los nombres de los temas, lugares y fechas, así como detalles de producción y músicos de acompañamiento, que fueron eliminados en las versiones en CD.


Allmusic: Difícil de encontrar y aparentemente ensamblado a partir de piezas de repuesto, Live Songs es el huérfano en mal estado del catálogo de Leonard Cohen . También es uno de sus lanzamientos más emocionantes. Extraído de una serie de conciertos de 1972 (excepto "Tonight Will Be Fine" del festival Isle of Wight), el álbum consta de composiciones de Songs From a Room de 1969 y un puñado de material que de otro modo no estaría disponible. Aquellos familiarizados con Songs From A Room encontrarán que las versiones en vivo mejoran sobre sus contrapartes de estudio, que suenan como si estuvieran grabadas en un pozo. La enérgica interpretación de "Tonight Will Be Fine" incluye dos versos adicionales, y la encantadora y moderada interpretación de "Bird on the Wire" puede ser definitiva. En cuanto a las rarezas, la viva alegoría política de Dick Blakeslee, "Pasando a través", se adapta a la entrega seca de Cohen , y la hipnótica "Improvisación" instrumental revela un lado raramente visto de su personalidad musical. Curiosamente, el prólogo inquietante y el poema como "Reina Victoria" no parecen haber sido grabados en vivo. Sin embargo, la pieza central del álbum es "Please Don't Pass Me By", una monstruosa diatriba de 12 minutos, escandalosa y mortalmente grave. Cohen dedica la canción a una gran cantidad de marginados, incluidos "los lisiados, los mutilados, los monstruos ... los quemados, los ardientes ... los judíos y los gitanos" asesinados en el Holocausto, "los niños de Inglaterra", y "un salvador sin nadie a quien salvar", luego le ruega a un destinatario no especificado (¿el oyente?) que se desnude para él. Antes de que termine la canción, declara que no puede sostenerse y ordena a los miembros de la audiencia que "se vayan a casa con alguien más". Solo un artista temerario podría enloquecer tan total y articuladamente ante una multitud de clientes que pagan. Los fanáticos de Cohen sabrán que han ganado el premio gordo cuando escuchen Live Songs.


1. "Minute Prologue" – 1:12 (London, 1972)
2. "Passing Through" – 4:05 (London, 1972)
3. "You Know Who I Am" – 5:22 (Brussels, 1972)
4. "Bird on the Wire" – 4:27 (Paris, 1972)
5. "Nancy" – 3:48 (London, 1972)
6. "Improvisation" – 3:17 (Paris, 1972)
7. "Story of Isaac" – 3:56 (Berlin, 1972)
8. "Please Don't Pass Me By (A Disgrace)" – 13:00 (London, 1970)
9. "Tonight Will Be Fine" – 6:06 (Isle of Wight, 1970)
10. "Queen Victoria" – 3:28 (Tennessee, 1972)


Disponible en Nuestra Fábrica:



CD en mp3 (320 Kbps) y FLAC, vinilo en FLAC


LOOK FOR: LIVE, LIVEF y LIVEV1-5

sábado, 6 de junio de 2020

Día del Refresco


"Gimme A Pigfoot (And A Bottle Of Beer)(Nina Simone)

Up in Harlem on a SATURDAY night
Where the highbrows get together, it's just too tight
We all gather at the Harlem Strut
And what we do is tut tut tut

Ol' Hannah Brown, from way cross town
Keeps drinking her liquor and she brings them down
Just at the break of day
You could hear old Hannah say

I wanna pigfoot and a bottle of beer
Send me daddy, 'cause I don't care
I feel just like I wanna clown
Give the piano player a drink
'Cause he brought me down

He's got rhythm when he stomps his feet
He just send me right off to sleep
Check all your razors and your guns
I'm gonna be arrested when the wagon comes

I wanna pigfoot and a bottle of beer
Send me 'cause I don't care oh no
Send me 'cause I don't care

I wanna pigfoot and a bottle of beer
Send me daddy, 'cause I don't care
I feel just like I wanna clown
Give the piano player a drink
Cause he brought me down

He's got rhythm when he stomps his feet
He just send me right off to sleep
Check all your razors, check your guns
I'm gonna be arrested when the wagon comes

I wanna pigfoot and a bottle of beer
Send me 'cause I don't care oh no
Send me 'cause I don't care


Seguimos con enero de 2008


jueves, 28 de mayo de 2020

Love - Da Capo (1966 US)


Pues anteriormente a esa maravilla llamada Forever Changes, Love sacó este magnífico álbum en noviembre de 1966 (en muchos sitios aparece como 1967, pero no) y grabado en 6 días a finales de septiembre y principios de octubre de ese año (en la sala B del estudio de grabación, porque The Doors estaba en la A), excepto "Seven And Seven Is", que había aparecido como single en julio. Tras la edición de este sencillo, Love se amplió para incluir a Michael Stuart-Ware en la batería y Tjay Cantrelli en el saxofón y la flauta, pasando Alban "Snoopy" Pfisterer (batería original), pianista de formación clásica, al clavecín y al órgano. Los guitarristas Johnny Echols y Bryan MacLean, el bajista Ken Forssi y el vocalista y líder Arthur Lee conservaron sus respectivas posiciones. Da Capo abarca rock psicodélico y pop barroco, siendo la primera mitad del álbum una desviación del debut del grupo, o anticipando de alguna manera, Forever Changes, con sus arreglos detallados y delicados típicos de Lee. "Revelation" se encuentra entre las primeras canciones de rock en ocupar una cara del LP al completo ("Sad Eyed Lady of the Lowlands" en Blonde On Blonde de Dylan y la suite "The Return of the Son of Monster Magnet", en el Freak Out! de The Mother Of Invention) la precedieron por poco.


"Stephanie Knows Who" abre el álbum con clavicordio y guitarra en duelo antes de que las poderosas voces de Lee atraviesen la escena. A pesar de que se realiza en 3/4 vals, la canción es bastante sencilla hasta la mitad, cuando un suena el solo de saxo con toques de jazz (The Doors , emplearía un enfoque similar un par de años más tarde en The Soft Parade). Bryan MacLean contribuye con "Orange Skies", pop alegre y jazz que muestra otro lado de la banda, un poco más suave. Otras influencias derivan a lo largo del álbum, como el pop al estilo de Burt Bacharach (el sencillo debut de Love, "My Little Red Book", fue co-escrito por Bacharach y Hal David) y la bossa nova, que se fusionan en "Que Vida!". Mientras tanto, siniestros barriles de rock 'n' roll a través de "7 and 7 Is", su single más vendedor en toda su trayectoria. Las ampollas, las guitarras de trémolo y los tambores rodantes hacen una declaración desafiante y proto-punk que logró ascender en el Top 40. Luego está "The Castle", una canción acústica que nos acerca a Forever Changes. Y la cara termina con "She Comes In Colors", y aunque los críticos modernos han elogiado la canción como "sublime", o como "una joya eterna" o como posiblemente la mejor canción que Lee haya escrito, en el momento de su lanzamiento como single no logró hacer el Billboard Hot 100. Para el segundo lado, "Revelation" de 19 minutos, riff de blues abierto y cargado que presenta a Lee despotricando sobre todo y con críticas dispares.


Allmusic: "Love amplió su alcance a la psicodelia en su esfuerzo de segundo año, los regalos de composición de canciones dolorosamente melódicas de Arthur Lee alcanzaron su punto máximo. Las seis canciones que compusieron el primer lado de este álbum son un cuerpo de trabajo verdaderamente clásico, resaltado por la explosión atómica del pre-punk rock "Seven & Seven Is" (su único sencillo exitoso), los tempos maniacos de jazz de "Stephanie Knows Who" y el encantador "She Comes in Colors", quizás la mejor composición de Lee (y, según los informes, la inspiración para "She's a Rainbow" de los Rolling Stones). Sin embargo, es solo la mitad de un gran álbum; la séptima y última canción que ocupa toda la cara B, "Revelation", es un tedioso jam de 19 minutos que evita que Da Capo alcance un estatus verdaderamente clásico"Robert Christgau, para Esquire: "Su primer lado suena confuso y sin fuerza, posiblemente porque la voz de Lee es más a menudo demasiado dulce para su material, aunque considero a "7 & 7 Is" un rock perfecto. "Revelation" incluye un excelente trabajo de guitarra y armónica y grandes gritos... También incluye un medio saxo alto mediocre y (me estremezco) un solo de batería prolongado. Una puñalada valiente a un objetivo en alguna parte entre el rock y el jazz, creo que falla, pero puede resultar profético". Como podéis ver, opiniones dispares. O sea, que lo mejor oírlo, que merece la pena. Aquí tenéis una gran revisión sobre el disco (El Barco de Cristal).


Cara A
1. "Stephanie Knows Who" – 2:33
2. "Orange Skies" (Bryan MacLean) – 2:49
3. "¡Que Vida!" – 3:37
4. "7 and 7 Is" – 2:15
5. "The Castle" – 3:00
6. "She Comes in Colors" – 2:43
Cara B
1. "Revelation" (Lee, Bryan MacLean, Johnny Echols, Ken Forssi) – 18:57

Ed 2001
1-7 - Mono Mix
8-14 - Stereo Mix
15 - Seven & Seven Is (Tracking Session) – 3:13
(Todos los temas por A. Lee, excepto indicados)

Arthur Lee - voz principal, armónica, guitarra, batería, percusión
Bryan MacLean - guitarra rítmica, vocal
Johnny Echols - guitarra solista
Ken Forssi - bajo
Alban "Snoopy" Pfisterer - órgano, clavecín, batería en "7 and 7 Is"
Michael Stuart - batería, percusión
Tjay Cantrelli - saxofón, flauta, percusión


Disponible en Nuestra Fábrica:

1966 - Love

Y disponibles en 1PocodMusica:

1967 - Forever Changes. Ed 2008
1969 - Four Sail
1969 - Out There
1995 - Love Story 1966-1972
2001 - Electrically Speaking. Live in Concert 1991


CD en mp3 (320 Kbps), CD ed 2002 en mp3 (320 Kbps), vinilo en FLAC


LOOK FOR: CAPO, CAPO02 y CAPOV1-7