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sábado, 3 de diciembre de 2016

Día del Refresco


Rip It Up

'Cause it's SATURDAY nite and I just got paid
Fool about my money don't try to save
My heart says go, go
Have a time 'cause it's SATURDAY nite
And I'm feelin' fine

I'm gonna rip it up
I'm gonna rock it up
I'm gonna shake it up
I'm gonna ball it up
I'm gonna rip it up
And ball tonite

Along about 10 I'll be flying high
Rocking on out into the sky
I don't care if I spend my gold
'Cause tonite I'm gonna be one happy soul




Pues seguimos ahondando en el mes de las flores de 2009, esta vez solo 5 discos, pero casi todos con diversos ripeos.

martes, 29 de noviembre de 2016

Sly & The Family Stone - A Whole New Thing (1967 US)


Llagados desde San Francisco, aterrizan (o despegan) Sly & The Family Stone en 1967 para dejarnos este debut: A Whole New Thing. Es la primera banda de rock americana (de entidad) con una formación inter-racial y con una base funk/soul evidente, se manejan también en registros rock, R&B o psicodélicos, todo ello definido por alguien como "psychedelic soul sound". El alma mater de la formación es el vocalista, compositor, productor y multiinstrumentista Sly Stone (de nombre real Sylvester Stewart) junto a su hermano Freddie (guitarra/voz), su hermana Rose (teclados/voz), Cynthia Robinson (trompeta),  Gregg Errico (batería), Jerry Martini (saxofón), Larry Graham (bajo/voz) y Little Sister (coro femenino formado por Vet Stone, Mary McCreary, Elva Mouton). En este primer trabajo, Rose Stone no pertenecía todavía al grupo.


Después de un concierto en el Winchester Cathedral, un club nocturno en Redwood City, California, el ejecutivo de CBS Records, David Kapralik, contrató al grupo para el sello Epic Records de CBS. En 1967 aparece este primer álbum con críticas variables, pero las ventas del álbum no fueron las esperadas y eso restringió sus actuaciones a pequeños clubs por lo que Clive Davis al frente de la CBS intervino para crear un segundo álbum más comercial: Dance To The Music. A diferencia de otros álbumes de Sly y Family Stone, A Whole New Thing fue grabado en vivo en el estudio, sin agregar sonidos lo que da menos sensación de pop que los lanzamientos posteriores como Dance to the Music y Stand!. Las voces principales son compartidas entre Sly Stone, Freddie Stone y Larry Graham; Rose Stone no se uniría a la banda hasta que comenzaron a trabajar en Dance to the Music.


El disco comienza con las notas del Frère Jacques (pero en absoluto es un disco infantil o sencillo) para dar entrada (y final) a "Underdog", tema con fuerza elegido para el single (con "Bad Risk" como cara B, una de las canciones que recuerdan más a los discos venideros, junto quizá a "Dog"). "Underdog" repitió en single al año siguiente, esta vez como cara B de uno de sus mayores éxitos "Dance To The Music". "Let Me Hear It From You", "That Kind Of Person", típicas baladas soul, "If This Room Could Talk" y "I Hate To Love Her" son quizá los temas más a la usanza soul de todo el disco... y "Turn Me Loose" muy en la onda de James Brown. "Run, Run, Run", "I Cannot Make It" y, sobre todo, "Advice" o "Trip To Your Heart" nos muestran lo que es el "psych/soul". 



La  reedición de 1970 cambió la portada del LP, usando fotografías similares a las del álbum Greatest Hits, y con Rose Stone, que no era miembro de la banda en el momento de este LP, como comentamos previamente. Esta portada fue la utilizada para la primera edición en CD, que no llegó hasta 1995 y en la que se añadió un tema: "What Would I Do", tema cantado por  Larry Graham que resulta increíble que no fuera incluido en el álbum original debido a su buen nivel y al cuestionable en cambio de otros temas del disco. Una nueva reedición aparece en 2007, con la portada original y 5 bonus: "Underdog" y "Let Me Hear It From You" (versión en single de ambas, en mono), la inédita "Only One Way Out Of This Mess", la antes mencionada "What Would I Do" y la instrumental "You Better Help Yourself".


Os dejo un interesante artículo sobre Sly Stone de Historias del Rock

Ripeo del vinilo en FLAC, edición de 1995 con un bonus en mp3 a 320 Kbps y FLAC y edición de 2007 con 5 bonus en mp3 (320 Kbps)

LOOK FOR: NUEVOV1-4, NUEVO, NUEVOF1-2 y NUEVO07

sábado, 26 de noviembre de 2016

Día del Refresco


Main Street SATURDAY Night

See them drivin' by, look at them fancy wheels
Headlights winkin' checkin' each other out
The Great American Pastime is still the automobile
Cruisin' on the white line
Is the only way to make time

Down on Main Street SATURDAY night
Everybody thinks they're so cool
On Main Street SATURDAY night
Don't you mess with him, Daddy, he's nobody's fool

Look at the blonde haired beauties, givin' it all they got
Maybe if you hit on one, you might luck out
Some of them are foxy, some of them are not
but all of them will get down
If the right thing comes around

Down on Main Street SATURDAY night
Everybody thinks they're so cool
On Main Street SATURDAY night
Don't you mess with her, Daddy, she's nobody's fool

Here comes Little Willie, higher than a kite
He's been doin' some heavy duty hangin' out
If Willie's got a line on some of the best, it's got to be dynamite
You know you can trust him
If the Law don't bust him

Down on Main Street SATURDAY night
Everybody thinks they're so cool
On Main Street SATURDAY night
Don't you mess with him, Daddy, he's nobody's fool


Pues lo mismo que la semana pasada: sigamos con mayo, con otro Día de la Galleta completo y algo más...

martes, 22 de noviembre de 2016

Gravy Train - Second Birth (1973 UK)


No tenía muy claro qué podíamos recordar hoy, y acabo de ver que de este fundamental grupo de Hard/Prog/Rock nos falta este buen disco en nuestras vitrinas, así que aquí va. Os pongo una pequeña historia del inicio del grupo, contada por el propio JD Hughes, en su web 



En 1973, Gravy Train cambió de compañía (de Vertigo a Dawn Records), la rama progresiva del sello PYE Records de Don Kirshner. Y en el nuevo sello apareció este tercer trabajo de la banda, Second Birth: ocho pistas, dos de los cuales ("Strength of a Dream" y "Tolpuddle Episode") se lanzaron como singles. Una vez más el grupo falló a la hora de los charts. Durante su grabación, Barry Davenport, el batería original de la formación fue sustituido por Russ Caldwell.


Al igual que con todos los discos de Gravy Train, las guitarras están en la vanguardia con una excelente combinación de flauta, bajo, teclados y batería, pero sobresaliendo sobre todo la voz y la guitarra de Norman Barrett. Probablemente Second Birth no alcanza el nivel de (A Ballad Of) A Peaceful Man, pero es un trabajo muy aceptable que aunque no fue bien recepcionado por su público cuando fue editado, el tiempo no lo ha hecho envejecer.

- Norman Barrett: guitarra, voz solista 
- Barry Davenport: batería, percusión (temas 1,5,7)
- George Lynon: guitarra
- J.D. Hughes: teclado, voz, flauta, saxo
- Les Williams: bajo, voz
- Russ Caldwell: Batería (temas 2,3,4,6,8,9)




Disponible en Nuestra Fábrica:

1970 - Gravy Train


Archivos en mp3 (320 Kbps) y FLAC

LOOK FOR: TERCERO, TERCEROF1-2

sábado, 19 de noviembre de 2016

Día del Refresco


After All These Years

We didn't have the time to think things over,
We had a lot of fun, we had some tears.
Stepping out of loneliness,
Now the road don't seem so long,
After all these years.

Rock and roll has got a reputation,
Bad boys cause a lot of fear.
But i never meant to really hurt you, oh no, no,
After all these years.

Travelling the world in a rock and roll band,
It's in my blood, it's in my blood.
Ooh, but you know, it's good to be back home.
Dancing with your sister on a SATURDAY night,
It's understood, it's understood.
When ev'ry boy and girl,
Ooh, was rocking all over the world.

After all these years.

Travelling the world in a rock and roll band,
It's in my blood, it's in my blood.
Ooh, but you know, it's good to be back home.
Dancing with your sister on a SATURDAY night,
It's understood, it's understood.
When ev'ry boy and girl,
Ooh, was rocking all over the world.

We didn't have the time to think things over,
We had a lot of fun, we had some tears.
Stepping out of loneliness,
Now the road don't seem so long, long, long, long, long,
After all these years,
After all these years,
After all these years,
After all these years.



Sigamos con mayo, con otro Día de la Galleta completo y algo más...

jueves, 17 de noviembre de 2016

Día P - Van der Graaf Generator - Still Life (1976 UK)


DÍA P - DÍA DEL PROGRESIVO

Quizá uno de los más tranquilitos de la banda de Peter Hammill, muy apropiado para esta fábrica nuestra.

Van der Graff Generator (con dos efes) era unos de los nombres que tenía Chris Judge Smith en una lista para denominar al nuevo grupo que pensaba crear. El generador de Van der Graff podía hacer esto:


y quizá estaba de moda por ese 1967 porque su inventor acababa de fallecer. Chris Judge Smith conoció a Peter Hammill en la Universidad de Manchester y quedó impresionado por las composiciones que éste ya tenía en esa época. Junto al teclista Nick Pearne forman Van der Graaf Generator en 1967. Tras algunos cambios en los inicios, la banda se estabiliza como cuarteto -Hammill, Hugh Banton, Guy Evans, David Jackson- a partir de H To He, Who Am The Only One (1970), (aunque en el trabajo previo la única diferencia había sido la presencia de Nic Potter en el bajo y guitarra eléctrica). Tras su, quizá, obra cumbre, Pawn Hearts al año siguiente, el grupo se disuelve de manera amistosa para dar paso a una serie de trabajos en solitario de Hammill. En 1975, Peter Hammill siente añoranza de Van der Graaf y toca arrebato, apareciendo el primer disco tras la reunificación: Godbluff. Este Still Life que hoy traemos, es el siguiente LP tras la reunificación.


VERSIÓN ORIGINAL (1976)
Cara 1
"Pilgrims" (Hammill, David Jackson) – 7:12
"Still Life" (Hammill) – 7:24
"La Rossa" (Hammill) – 9:52

Cara 2
"My Room (Waiting for Wonderland)" (Hammill) – 8:02
"Childlike Faith in Childhood's End" (Hammill) – 12:24

Remaster 2005
1. "Pilgrims" – 7:12
2. "Still Life" – 7:24
3. "La Rossa" – 9:52
4. "My Room (Waiting for Wonderland)" – 8:02
5. "Childlike Faith in Childhood's End" – 12:24
Bonus
6. "Gog" – 10:29 
(grabado en directo en el Theatre Gwynedd, Bangor, Gales el 10 May 1975)


Peter Hammill – voz, guitarra, piano
David Jackson – saxofón, flauta
Hugh Banton – teclados, bajo, mellotron, piano
Guy Evans – batería, percusión

Dirección, mezclas - Pat Moran


A continuación, un muy acertado análisis del álbum de Nicolas Pichersky, de la revista Ñ. Clarín:

Still life , una de las obras maestras del grupo, cumple en estos días 40 años.

Descarga eléctrica, arboleda, rayo, la tapa conduce toda la tensión de un disco de cinco canciones, agresivo y pleno de una belleza resplandeciente y equilibrada que nunca satura. Desde el comienzo con “Pilgrims” hasta el final con “Childlike Faith in Childhood’s End” (Hammill, lector de ciencia ficción, cita aquí el clásico de Arthur E. Clarke El fin de la infancia ) hay un camino y un todo coherentes. De formación jesuita –en su infancia fue parte de un coro de esa orden en su Londres natal–, Hammill está interesado en una hermandad que ilumine el oscurantismo existencial de sus días. La enajenación es evidente desde el primer párrafo de la primera canción: “A veces te sentís tan lejano, distanciado de la acción y el juego”. La voz de Hammill es un torniquete de tonalidades camaleónicas: vibra del barítono al sollozo o relampaguea de la carcajada obscena al grito más primario. Se eleva caliente y grave cuando dice “ I rise ” o frasea ambigua y amanerada cuando habla de una relación humana, “ any relation ”.

La canción que da título al disco, vocifera la neurosis de la vida cotidiana a través de una aliteración de gerundios, (“ breathing, eating, defecating, screwing, drinking, sinking ”). Pero su propósito es menos retórico que el orwelliano Animals , de Pink Floyd, que saldría un año después con su descripción –esencialmente en “Dogs”– de la burguesía. Más modesto pero más cínico, Hammill elucubra sobre la “naturaleza muerta” que significa el compromiso con la pareja, sentencia el anillo de “falsa liberación”. Entre la resignación y la ironía, con su pronunciado acento británico, canta al final, ya rendido: “Suya para siempre… como en una naturaleza muerta”.


En el libro Los trabajos y los días de Peter Hammill , de Marcelo Gobello –acaso de lo poco que pueda conseguirse en castellano sobre el grupo y su líder–, el entrevistado recuenta dos influencias reveladoras de su estilo vocal: el ataque de John Coltrane en el saxo y de Hendrix en la guitarra. Si hay un elemento que separa a VDGG de la crítica a los gigantismos del progresivo/sinfónico, de cierto escarnio kitsch a una época de tapas con paisajes exóticos, es la gracia y festividad del grupo, su swing : no como estilo, sino en su esencia de la improvisación y la diversión que entregan, incluso en sus temas más sombríos.

“La Rossa” es ejemplar de la calidad de sus músicos y la performance en conjunto. David Jackson, que tocaba un saxo eléctrico, gracias a un dispositivo que él mismo desarrolló, o dos a la vez (como su admirado Roland Kirk), pasa de la flauta al tenor, en una canción donde la percusión del baterista Guy Evans es la protagonista. Los teclados de Hugh Banton terminan de reconciliar una música secular, celestial y desenfrenada al mismo tiempo. Y la voz de Hammill… aullada, doliente y sardónica. Viva. La tangueril “My room (waiting for wonderland)” con su ambiente melancólico, nocturno –no a su barrio, sino a la habitación de la infancia del enunciador– sorprende cuando al final confiesa –como en el hoy ya conocido eslogan spinettiano de que no todo tiempo por pasado fue mejor– estar esperando “que se destruyan todos los sueños, esperanzas y promesas” de su infancia.

Los retratos movidos de los músicos en la contratapa reflejan una belleza futurista en la carretera perdida del presente. Como en un film de David Lynch o un cuadro de Bacon hay en Still life velocidad cinética y alienación. Y lo que perpetúa en este disco es el oxígeno sónico embotellado que lo habita, resplandeciente y opaco al mismo tiempo. Una puesta en escena que, al oírse, puede verse.

Como cierta vanguardia –la de John Lydon de Sex Pistols (declarado fan de Hammill), Syd Barrett, Joy Division, Sumo (Luca fue también un seguidor de VDGG), Los Redondos (estos dos últimos, al igual que VDGG, grupos de rock con saxos de sonido a “mugre” y protagonismo)– VDGG está construido del material con el que el viejo y moderno under tramaba la música. Y Still life sigue sonando urbano, noctámbulo y contemporáneo.


VERSIONES:
- CD 1976, mp3 320 Kbps (VIDA)
- CD remaster 2005, mp3 320 Kbps (VIDAR)
- Vinilo 1976, FLAC (VIDAF)

LOOK FOR: VIDA, VIDAR, VIDAV1-3

martes, 15 de noviembre de 2016

John Lennon/Plastic Ono Band - Alternates And Demos (Bootleg) (2006 UK)


Y como postre un bootleg con tomas altenativas y demos del magnífico álbum previo. Tiene un sonido bastante aceptable, y aunque creo que con 320 Kbps podríamos tener bastante, pues también en FLAC.


mp3 a 320 Kbps y FLAC

LOOK FOR: PLASTLEG y PLASTLEF1-2

John Lennon/Plastic Ono Band - John Lennon/Plastic Ono Band (1970 UK)


Entre 1968 y 1969, John Lennon (junto a Yoko Ono) había publicado tres álbumes experimentales (los dos Unfinished Music y el Wedding Album) y un directo con un nuevo grupo, sin estar oficialmente disueltos The Beatles (The Plastic Ono Band). En diciembre de 1970 aparece el primer álbum en solitario de estudio de John Lennon, aunque lo de solitario habría que matizarlo, pues el disco se acredita a John Lennon / Plastic Ono Band, con nombre homónimo para el trabajo. Paralelamente se graba y aparece otro LP acreditado a Yoko Ono / Plastic Ono Band, de portada muy similar (las posiciones de John y Yoko están cambiadas, siendo John el que está apoyado en el árbol en este último).


¿Y tiene alguna canción mala este disco? Pues la opinión casi unánime en toda la crítica musical es que es un disco 5-estrellas, situado en el nº 22 de los 500 Greatest Albums Of All Time de la revista Rolling Stone. Así dicho puede quedar un poco frío, pero solo hay que oír la desgarradora "Mother" que abre el LP para meterse en ambiente. Unas campanas (a morts?) de inicio, que, aunque bastante distintas, luego volvería a utilizar en... (pensadlo).

Mother, you had me, but I never had you 
I wanted you, you didn't want me 
So I, I just got to tell you 
Goodbye, goodbye
Father, you left me, but I never left you 
I needed you, you didn't need me 
So I, I just got to tell you 
Goodbye, goodbye
Children, don't do what I have done 
I couldn't walk, and I tried to run 
So I, I just got to tell you 
Goodbye, goodbye
Mama, don't go, daddy, come home 
Mama, don't go, daddy, come home 
Mama, don't go, daddy, come home 
Mama, don't go, daddy, come home

Tras ella, la relajante "Hold On" y "Found Out", o la eterna búsqueda de Lennon de la canción con un solo acorde. Uno de los temas más conocidos-característicos-polémicos del disco es sin duda "Working Class Hero", en la que solo participa Lennon, con su crítica a las diferencias entre clases sociales, con su clara influencia dylaniana y con la censura en varios medios: en 1973, Harley Orrin Staggers, que presidía el poderoso Comité de la Cámara de Comercio Exterior y Interestatal de Energía y Comercio (y, por lo visto, salvador de Occidente también), escuchó la canción que incluye los versos "Til you're so fucking crazy you can't follow their rules (hasta que estás tan jodidamente loco que no puedes seguir sus reglas)" y "But you're still fucking peasants as far as I can see (pero seguis siendo jodidamente brutos hasta donde puedo ver)" en la WGTB, una emisora ​​de radio estudiantil en la Georgetown University de Washington, D.C. y presentó una queja ante la Comisión Federal de Comunicaciones (FCC). El gerente de la estación, Ken Sleeman se enfrentó a un año de prisión y una multa de 10.000 dólares, pero defendió su decisión de tocar la canción diciendo: "El pueblo de Washington es lo suficientemente sofisticado como para aceptar la palabra ocasional de cuatro letras en su contexto y no ser sexualmente excitado, ofendido o molesto ". Los cargos fueron desestimados. Otras emisoras americanas, como la WBCN de Boston, vetó la canción por usar esa palabra; en Australia el álbum se editó eliminando la "palabrota" y las letras censuradas en el interior del disco. P


La cara A termina con la multiversionada "Isolation" (Joe Cocker, Harry Nilsson, Mercury Rev, Marianne Faithfull, Snow Patrol o Ian Hunter, entre otros).



Abrimos la segunda cara con el inquietante piano en stacatto de "Remember" y con Ringo siguiendo a John (¡qué bueno es conocerse!). La canción fue influenciada por las sesiones de terapia de Lennon con el Dr. Arthur Janov, y las letras reflejan cosas típicamente recordadas en dicha terapia. Los recuerdos descritos son desagradables, de conflicto con la familia, la autoridad y los compañeros. Al final de la canción, Lennon canta un extracto del poema "Remember, Remember, The Fifth of November", terminando la canción en una explosión. Esto es una referencia a la Guy Fawkes Night (La Noche de las Hogueras), fiesta británica celebrada con fuegos artificiales la noche del 5 de noviembre para conmemorar el fracaso del atentado de ese día de 1605, conocido como la conspiración de la pólvora, con el que una facción de católicos, entre los que se encontraba Guy Fawkes, intentaron destruir el palacio de Westminster, la sede del parlamento en Londres. En una entrevista con Jann Wenner, Lennon dijo que esto era parte de un ad-lib largo y que más tarde decidió que esta línea debería ser la culminación de la canción. Este ad-lib puede referirse a la canción infantil "Remember Remember", también vinculada a la Guy Fawkes Night:

Remember, remember!
The fifth of November,
The gunpowder, treason and plot;
I know of no reason why the gunpowder treason
Should ever be forgot!

Y después de esta maravilla, otra mayor: "Love"

Love is real,
real is love
love is feeling,
feeling love
love is wanting
to be loved.

Love is touch,
touch is love
love is reaching,
reaching love
love is asking
to be loved.

Love is you
you and me
love is knowing
we can be.

Love is free,
free is love
love is living,
living love
love is needing
to be loved.


"Well Well Well" habla de la vida cotidiana, sin más a mi entender (los críticos y estudiosos desmenuzan todas las frases de cada una de las canciones, dilucidando si "she looked so beautiful I could eat her" se refiere a indicios de canibalismo o a sexo oral... en fin). "Look At Me" vuelve al ambiente tranquilo de "Love" o de "Hold On". Escrita en las sesiones del Álbum Blanco, lo que se aprecia en la manera de tocar la guitarra ("Julia", "Dear Prudence" o "Happiness Is A Warm Gun") según le enseñó Donovan durante su viaje a la India, como cuentan las crónicas. Y qué decir de "God". En ella, John se rodea de Ringo (batería), Klaus Voormann (bajo) y Billy Preston (piano). Dios es un concepto con el que medimos nuestro dolor. No creo en la magia, ni en el I-ching, ni en la Biblia, ni en el Tarot, ni en Hitler, ni en Jesús, ni en Kennedy, ni en Buda, ni en el Mantra, ni en el Gita, ni en el Yoga, ni en reyes, ni en Elvis, ni en Zimmerman... ni en Beatles, solo creo en mí, en Yoko y en mí. El sueño se acabó, ¿qué puedo decir? Ayer yo era el tejedor de sueños pero vuelvo a nacer, yo era la morsa pero ahora soy John. Y así, queridos amigos, tendréis que continuar. El sueño se acabó. Y 48 segundos más de "My Mummy's Dead".


John Lennon/Plastic Ono Band fue lanzado en UK y US el 11 de diciembre de 1970 (a la vez que el Yoko Ono/Plastic Ono Band, como dijimos antes). "Mother", con la canción de Ono "Why" como cara B, fue lanzado como single en US. Tras la muerte de Lennon, el álbum, junto con otros siete de sus álbumes, fue reeditado por EMI como parte de un box set en junio de 1981. En 2000, Ono supervisó una remezcla de John Lennon/Plastic Ono Band, incluyendo dos pistas extra: el hit de 1971 "Power to the People" y "Do the Oz", que había aparecido en la caja de 1998 John Lennon Anthology. En 2010, se remasterizó digitalmente toda la discografía de Lennon y fue lanzado, usando mezclas y portadas originales.


CD original en FLAC, reedición de 2000 con dos bonus, a 320 Kbps, reedición de vinilo en FLAC


LOOK FOR: PLASTICF1-2, PLASTIC2000 y PLASTICV1-3