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jueves, 28 de mayo de 2020

Love - Da Capo (1966 US)


Pues anteriormente a esa maravilla llamada Forever Changes, Love sacó este magnífico álbum en noviembre de 1966 (en muchos sitios aparece como 1967, pero no) y grabado en 6 días a finales de septiembre y principios de octubre de ese año (en la sala B del estudio de grabación, porque The Doors estaba en la A), excepto "Seven And Seven Is", que había aparecido como single en julio. Tras la edición de este sencillo, Love se amplió para incluir a Michael Stuart-Ware en la batería y Tjay Cantrelli en el saxofón y la flauta, pasando Alban "Snoopy" Pfisterer (batería original), pianista de formación clásica, al clavecín y al órgano. Los guitarristas Johnny Echols y Bryan MacLean, el bajista Ken Forssi y el vocalista y líder Arthur Lee conservaron sus respectivas posiciones. Da Capo abarca rock psicodélico y pop barroco, siendo la primera mitad del álbum una desviación del debut del grupo, o anticipando de alguna manera, Forever Changes, con sus arreglos detallados y delicados típicos de Lee. "Revelation" se encuentra entre las primeras canciones de rock en ocupar una cara del LP al completo ("Sad Eyed Lady of the Lowlands" en Blonde On Blonde de Dylan y la suite "The Return of the Son of Monster Magnet", en el Freak Out! de The Mother Of Invention) la precedieron por poco.


"Stephanie Knows Who" abre el álbum con clavicordio y guitarra en duelo antes de que las poderosas voces de Lee atraviesen la escena. A pesar de que se realiza en 3/4 vals, la canción es bastante sencilla hasta la mitad, cuando un suena el solo de saxo con toques de jazz (The Doors , emplearía un enfoque similar un par de años más tarde en The Soft Parade). Bryan MacLean contribuye con "Orange Skies", pop alegre y jazz que muestra otro lado de la banda, un poco más suave. Otras influencias derivan a lo largo del álbum, como el pop al estilo de Burt Bacharach (el sencillo debut de Love, "My Little Red Book", fue co-escrito por Bacharach y Hal David) y la bossa nova, que se fusionan en "Que Vida!". Mientras tanto, siniestros barriles de rock 'n' roll a través de "7 and 7 Is", su single más vendedor en toda su trayectoria. Las ampollas, las guitarras de trémolo y los tambores rodantes hacen una declaración desafiante y proto-punk que logró ascender en el Top 40. Luego está "The Castle", una canción acústica que nos acerca a Forever Changes. Y la cara termina con "She Comes In Colors", y aunque los críticos modernos han elogiado la canción como "sublime", o como "una joya eterna" o como posiblemente la mejor canción que Lee haya escrito, en el momento de su lanzamiento como single no logró hacer el Billboard Hot 100. Para el segundo lado, "Revelation" de 19 minutos, riff de blues abierto y cargado que presenta a Lee despotricando sobre todo y con críticas dispares.


Allmusic: "Love amplió su alcance a la psicodelia en su esfuerzo de segundo año, los regalos de composición de canciones dolorosamente melódicas de Arthur Lee alcanzaron su punto máximo. Las seis canciones que compusieron el primer lado de este álbum son un cuerpo de trabajo verdaderamente clásico, resaltado por la explosión atómica del pre-punk rock "Seven & Seven Is" (su único sencillo exitoso), los tempos maniacos de jazz de "Stephanie Knows Who" y el encantador "She Comes in Colors", quizás la mejor composición de Lee (y, según los informes, la inspiración para "She's a Rainbow" de los Rolling Stones). Sin embargo, es solo la mitad de un gran álbum; la séptima y última canción que ocupa toda la cara B, "Revelation", es un tedioso jam de 19 minutos que evita que Da Capo alcance un estatus verdaderamente clásico"Robert Christgau, para Esquire: "su primer lado suena confuso y sin fuerza, posiblemente porque la voz de Lee es más a menudo demasiado dulce para su material, aunque consideró que "7 & 7 Is" un rock perfecto. "Revelation" incluye un excelente trabajo de guitarra y armónica y grandes gritos... También incluye un medio saxo alto mediocre y (me estremezco) un solo de batería prolongado. Una puñalada valiente a un objetivo en alguna parte entre el rock y el jazz, creo que falla, pero puede resultar profético". Como podéis ver, opiniones dispares. O sea, que lo mejor oírlo, que merece la pena. Aquí tenéis una gran revisión sobre el disco (El Barco de Cristal).


Cara A
1. "Stephanie Knows Who" – 2:33
2. "Orange Skies" (Bryan MacLean) – 2:49
3. "¡Que Vida!" – 3:37
4. "7 and 7 Is" – 2:15
5. "The Castle" – 3:00
6. "She Comes in Colors" – 2:43
Cara B
1. "Revelation" (Lee, Bryan MacLean, Johnny Echols, Ken Forssi) – 18:57

Ed 2001
1-7 - Mono Mix
8-14 - Stereo Mix
15 - Seven & Seven Is (Tracking Session) – 3:13
(Todos los temas por A. Lee, excepto indicados)

Arthur Lee - voz principal, armónica, guitarra, batería, percusión
Bryan MacLean - guitarra rítmica, vocal
Johnny Echols - guitarra solista
Ken Forssi - bajo
Alban "Snoopy" Pfisterer - órgano, clavecín, batería en "7 and 7 Is"
Michael Stuart - batería, percusión
Tjay Cantrelli - saxofón, flauta, percusión


Disponible en Nuestra Fábrica:

1966 - Love

Y disponibles en 1PocodMusica:

1967 - Forever Changes. Ed 2008
1969 - Four Sail
1969 - Out There
1995 - Love Story 1966-1972
2001 - Electrically Speaking. Live in Concert 1991


CD en mp3 (320 Kbps), CD ed 2002 en mp3 (320 Kbps), vinilo en FLAC


LOOK FOR: CAPO, CAPO02 y CAPOV1-7

sábado, 16 de mayo de 2020

Día del Refresco


"This Time(Ruthie Foster)

Why do the days go by so fast?
If only time was built to last
If it could learn to take it slow
Then maybe time at last would know

That if Monday, Tuesday
Should go away
It'll be Wednesday, Thursday
Feel like SATURDAY
When Sunday comes
It's just too late
It's gotta be this time

How come the days do what they do?
Maybe if time, time only knew
Could be that time don't really know
May it should try, try to take it slow

Maybe Monday, Tuesday
Should go away
Maybe Thursday, Friday
Feel like SATURDAY
When Sunday comes
(It's never too late)
It's never too late
It'll be this time
It's gotta be this time

Why do the days do what they do?
Maybe if time, time only knew

That if Monday, Tuesday
Should go away
It'll be Wednesday, Thursday
Then SATURDAY
Maybe Monday, Tuesday
Won't go away
Maybe Thursday, Friday
Will be like Saturday
When Sunday comes
(Never too late)
It's never too late
It'll be this time
It's gotta be this time
It's gotta be this time, this time
(Never too late)

Gotta be this time
(Never too late)
Oh, this time, this time, this time, this time
(Never too late)
Gotta be this time, this time, this time


Cambiamos de año, enero de 2008


martes, 12 de mayo de 2020

Little Richard - Here's Little Richard (1957 US)

Muere Little Richard, uno de los grandes del Rock 'N' Roll 
(5 Diciembre 1932 – 9 Mayo 2020)


Little Richard nace Richard Wayne Penniman en Macon (Georgia). El tercero de los doce hijos de una estricta familia que le introdujo temprano a la música a través de las fuertes conexiones con la iglesia. Aprendió a tocar el piano y cantó con su familia en concursos de música gospel. Ya de niño su familia le apodó "Lil' Richard" debido a su cuerpo pequeño y delgado. Además de nacimiento tenía una pierna más corta lo que le hizo tener una marcha inusual que a menudo era asociada a afeminada. En la escuela de Macon aprendió a tocar el saxo alto, uniéndose a la banda de música de su escuela en quinto grado. En octubre de 1947, Sister Rosetta Tharpe (a menudo mencionada por Richard como su cantante favorita) escuchó a Penniman, de 14 años, cantando sus canciones antes de un espectáculo en el Auditorio de Macon City y lo invitó a abrir su próximo evento. Después del espectáculo, Tharpe le pagó, inspirándolo a convertirse en un artista profesional. Penniman conoció a Esquerita (Eskew Reeder Jr.), un compañero gay, cantante y pianista negro, cuya personalidad extravagante en el escenario y la interpretación dinámica del piano también influirían en el enfoque de las posteriores actuaciones de Richard. Penniman dejó la casa de su familia y se unió al Dr. Hudson's Medicine Show in 1949, interpretando "Caldonia" de Louis Jordan, que recordó como la primera  canción de R&B que aprendió, ya que su familia tenía reglas estrictas en contra de tocar ese tipo de música, que consideraban "música del diablo". En 1950 se unió a su primera banda musical, la Buster Brown's Orchestra, donde Brown le dio el nombre de Little Richard. Más tarde aprendió a tocar el piano (declaró que se inspiró para tocarlo tras escuchar la introducción del piano de Ike Turner en "Rocket 88", canción de 1951).


Tras establecerse en Atlanta, Richard comenzó a escuchar R&B y frecuentaba los clubes de esa ciudad, incluido el Harlem Theatre y el Royal Peacock, donde veía artistas como Roy Brown y Billy Wright. Penniman fue influenciado aún más por el llamativo estilo de espectáculo de Brown y Wright y fue aún más influenciado por la personalidad y el talento extravagante de Wright. Inspirado por Brown y Wright, Penniman decidió convertirse en un cantante de R&B y después de hacerse amigo de Wright, comenzó a aprender cómo ser un artista de él y comenzó a adaptar un peinado de copete similar al de Wright, con su típico bigote y vistiendo ropa más llamativa. Impresionado por su voz, Wright lo puso en contacto con Zenas Sears, un DJ local que lo grabó para su radio, respaldado por la banda de Wright. Las grabaciones llevaron a un contrato ese año con RCA Victor . Penniman grabó un total de ocho temas para RCA Victor, incluida la balada de blues, "Every Hour", que se convirtió en su primer sencillo y un éxito en Georgia en 1951. Dejó RCA Victor en febrero de 1952 al no conseguir éxitos nacionales y poco después marchó a Houston, liderando una banda (Tempo Toppers) y firmó con Peacock Records en febrero del 53, grabando otros 8 temas, que tampoco tuvieron éxito (ni siquiera vieron la luz en ese momento). Tras una pelea con el dueño de Peacock Records, decide volver a Macon, disolver los Tempo Toppers y formar una banda de duro R&B, los Upsetters, que incluía al baterista Charles Connor y al saxofonista Wilbert "Lee Diamond" Smith y realizó una gira bajo la dirección de Clint Brantley (conocido de la época de Macon y que se había convertido un par de años antes en su manager). La banda apoyó a la cantante de R&B Christine Kittrell en algunas grabaciones, luego comenzó a hacer una gira exitosa, lo que les lleva a firmar un contrato para hacer una gira con el cantante de R&B Little Johnny Taylor. A sugerencia de Lloyd Price , Penniman envió una demo al sello de Price, Specialty Records, en febrero de 1955 y en septiembre de ese año, el propietario de la especialidad, Art Rupe, le prestó dinero a Penniman para comprar su contrato de Peacock y lo puso a trabajar con el productor Robert "Bumps" Blackwell. Blackwell sintió que Penniman era la respuesta de Specialty a Ray Charles, sin embargo, Penniman le dijo que prefería el sonido de Fats Domino. Blackwell lo envió a New Orleans donde grabó en J&M Studios con varios de los músicos de sesión de Domino, incluido el baterista Earl Palmer y el saxofonista Lee Allen. Inicialmente, las grabaciones de Penniman ese mes no produjeron mucha inspiración o interés. Frustrados, Blackwell y Penniman fueron a relajarse al club nocturno Dew Drop Inn. Según Blackwell, Penniman se lanzó entonces a tocar un blues sucio y subido de tono que tituló "Tutti Frutti". Blackwell dijo que sentía que la canción tenía un gran potencial y contrató a la compositora Dorothy LaBostrie para reemplazar algunas de las letras sexuales de Penniman con palabras menos controvertidas. Grabado en tres tomas en septiembre de 1955, "Tutti Frutti" fue lanzado como single en noviembre.


"Tutti Frutti" se convirtió en un éxito instantáneo, alcanzando el #2 de R&B de la revista Billboard y cruzando al Reino Unido. Alcanzó el número 21 en el Billboard Top 100 en Estados Unidos y el número 29 en la lista de singles británicos, y finalmente vendió un millón de copias. El siguiente sencillo de éxito, "Long Tall Sally" (1956), alcanzó el #1 de R&B y el número 13 en el Top 100 mientras alcanzaba el top ten en Gran Bretaña. Al igual que "Tutti Frutti", vendió más de un millón de copias. Después de su éxito, Penniman formó su banda de respaldo, The Upsetters, con la incorporación de los saxofonistas Clifford "Gene" Burks y Grady Gaines, el bajista Olsie "Baysee" Robinson y el guitarrista Nathaniel "Buster" Douglas. El primer álbum de Penniman, Here's Little Richard , fue lanzado por Speciality en mayo de 1957 y alcanzó el #13 en la lista Billboard Top LPs . Similar a la mayoría de los álbumes lanzados durante esa época, el álbum presentaba 6 temas que ya habían aparecido en 4 de los singles lanzados y otros 6 temas más.


1. Tutti-Frutti
2. True, Fine Mama
3. Can't Believe You Wanna Leave
4. Ready Teddy
5. Baby
6. Slippin' And Slidin'
7. Long Tall Sally
8. Miss Ann
9. Oh Why?
10. Rip It Up
11. Jenny, Jenny
12. She's Got It


CD en mp3 (320 Kbps)


LOOK FOR: LIL

jueves, 7 de mayo de 2020

Kraftwerk - Radio-Aktivität / Radio-Activity (1975 GER)

En Memoria de Florian Schneider-Esleben (7 Abril 1947 – 21 Abril 2020)


Había ya preparado el post que iba a poner, cuando me he encontrado con la noticia del fallecimiento de Florian Schneider, de Kraftwerk (el de la cara distinta), alma mater del grupo y fundador del mismo junto a Ralf Hütter. Sucedió el pasado 21 de abril (aunque se dio la noticia días más tarde). No es mi estilo de música preferido, todo hay que decirlo, pero es indudable la influencia de Kraftwerk en la música de los años posteriores. Radio-Activity fue el primer álbum que oí de ellos cuando salió  en el 75 (me perdí el aclamado Autobahn del año previo) y luego también me llegó el Trans-Europe Express. Hasta ahí. Creo que no volví a escuchar nada de ellos (al margen de "The Model" de The Man Machine que posiblemente ha sido escuchada por todo el mundo y más a los 18 años).


Florian Schneider (flautas, sintetizadores, violín) y Ralf Hütter (órgano, sintetizadores) se conocieron como estudiantes en la Robert Schumann Hochschule en Düsseldorf a fines de la década de 1960, participando en la escena musical y artística experimental alemana de la época, que la revista Melody Maker (o John Peel) apodó en broma "krautrock". Se unieron a un quinteto conocido como Organisation , que lanzó un álbum, Tone Float en 1969 y se separó poco después. Schneider se interesó por los sintetizadores, y decidió adquirir uno en 1970. Mientras visitaba una exposición en su ciudad natal sobre los artistas visuales Gilbert y George , vieron "dos hombres vestidos con trajes y corbatas, que pretendían llevar el arte a la vida cotidiana. El mismo año, Hütter y Schneider comenzó a llevar la vida cotidiana al arte y a formar Kraftwerk ". Las primeras alineaciones de Kraftwerk de 1970 a 1974 fluctuaron, ya que Hütter y Schneider trabajaron con alrededor de media docena de otros músicos durante los preparativos y la grabación de su primer álbum (Kraftwerk, 1970) y apariciones esporádicas en vivo, incluido el guitarrista Michael Rother y el baterista Klaus Dinger , que se fueron para formar Neu!, Andreas Hohmman. Los dos siguientes trabajos (Kraftwerk 2, 1971, y Ralf & Florian, 1973) solo aparecen ellos dos en los créditos. Su siguiente álbum es el espaldarazo definitivo, Autobahn (dedicado a la red de autopistas alemana, Bundesautobahn). El dúo pasa a ser cuarteto, con Klaus Röder (violín, guitarra) y Wolfgang Flür (percusión electrónica). Röder dejó el grupo tras este álbum, entrando Karl Bartos, también a la percusión. Este cuarteto se mantiene hasta 1987. Actualmente Kraftwerk sigue en activo, únicamente con Hütter como superviviente de este cuarteto.


Wolfgang Flür: “Ávidamente se tomaba todo lo que no fuera alemán y creíamos que todo lo que venía de Gran Bretaña o Estados Unidos era bueno, moderno, honesto. Nuestros padres eran incapaces de facilitarnos lo que queríamos, así que consumíamos productos de otros países. En medio de ese vacío sin identidad cultural, la experimentación musical de Kraftwerk apareció y lo hizo todo completamente de otra manera. Nos presentamos a nosotros mismos como alemanes y modernos, cantábamos letras en alemán y de modo desafiante le dimos a nuestro grupo un nombre alemán. Tocábamos canciones que sonaban tan técnicas y ‘calculadamente frías’ que parecía que las habían escrito científicos para fórmulas químicas o para el formato estándar DIN de la industria alemana”. Radio-Activity recibió críticas mixtas. Rolling Stone : "...  ningún corte en el álbum se acerca al sentido melódico / armónico que impregnaba Autobahn o el uso creativo de la electrónica en el álbum mucho más antiguo Ralf & Florian". En una revisión retrospectiva, Jason Ankeny de AllMusic calificó el álbum como "un registro fundamental en el desarrollo continuo del grupo" y afirmó que "marcó el regreso de Kraftwerk a un territorio más obtuso, utilizando ampliamente estáticos, osciladores e incluso momentos de silencio similares a los de Cage" (en referencia a John Milton Cage Jr. Chris Power de Drowned in Sound lo elogió por la sensación experimental en 2009: "Un puente entre el experimentalismo electrónico y la poderosa e innovadora unificación de la forma vanguardista y la función comercial y pegadiza que estaba a la vuelta de la esquina, Radio-Activityes el sonido de Kraftwerk encontrando su camino en un extraño y nuevo paisaje que estaban en el proceso de creación".


Radio-Activity (en inglés) o Radio-Aktivität (en alemán) es el primer álbum completamente electrónico de la banda, es un álbum conceptual organizado en torno al tema de la comunicación por radio (juego de palabras entre Radioactividad y Actividad por radio), con otras muestras de doble sentido, como "Radio Stars", que realmente habla de las estrellas del universo y no de las estrellas de la radio. Hubo dos ediciones, en inglés y alemán. Por lo que yo sé, las grabaciones son iguales, con los temas vocales utilizando ambos idiomas. Lo que varía de una edición a otra es el nombre del disco, algunos títulos de temas y las portadas. El LP fue #1 en Francia y produjo un único single "Radioactivity". El primer tema es un contador Geiger que simula la proximidad a la radioactividad conforme avanza el tema con la aceleración de un pulso, que se mezcla con "Radioactivity", segundo tema. "Radioland" se vincula con un pulso que se va fundiendo con el siguiente tema,  "Airwaves", segundo tema vocal que es una canción sobre una comunicación moderna. "Airwaves" se convierte en "Intermission" de 38 segundos de duración. "News" presenta grabaciones de radio simuladas de noticias en alemán sobre la radioactividad. Voces hay, pero no podemos decir que sea un tema vocal. El lado dos se abre con "The Voice Of Energy", que se basa en "Stimme der Energie" de Werner Meyer-Eppler. "Antenna" es una canción optimista sobre antenas y transmisores, y apareció en el lado B del sencillo "Radioactivity". "Radio Stars" es una canción sobre púlsares y quásares, que se convierte en "Uranium", una composición sobre la desintegración radiactiva. Cuenta con un teclado coral en el fondo, que luego fue muestreado por el grupo pop británico New Order en su aclamada canción de 1983 "Blue Monday". La penúltima canción, la breve "Transistor", eliminada junto a "Intermission" de la primera cara en algunas ediciones posteriores en vinilo. Radio-Activity cierra con "Ohm Sweet Ohm", que comienza con una voz de Votrax (Vocal division of Federal Screw Works) que canta la frase titular. La canción continúa con una melodía de sintetizador a medida que entran los otros instrumentos. Se acelera lentamente con el tiempo antes de desvanecerse. El dúo británico The Chemical Brothers utilizó la introducción de "Ohm Sweet Ohm" en su canción "Leave Home". 


Radio-Activity
A1 - Geiger Counter 1:04
A2 - Radioactivity 6:44
A3 - Radioland 5:53
A4 - Airwaves 4:53
A5 - Intermission 0:15
A6 - News 1:31
B1 - The Voice Of Energy 0:54
B2 - Antenna 3:45
B3 - Radio Stars 3:38
B4 - Uranium 1:24
B5 - Transistor 2:15
B6 - Ohm Sweet Ohm 5:40

Radio-Aktivität
A1 - Geigerzähler 1:04
A2 - Radioaktivität 6:44
A3 - Radioland 5:53
A4 - Ätherwellen 4:53
A5 - Sendepause 0:15
A6 - Nachrichten 1:31
B1 - Die Stimme Der Energie 0:54
B2 - Antenne 3:45
B3 - Radio Sterne 3:38
B4 - Uran 1:24
B5 - Transistor 2:15
B6 - Ohm Sweet Ohm 5:40

Maxi Radioaktivität (1991)
01 - Radioaktivitat (Francois Kevorkian Remix) 4:09
02 - Radioactivity (Francois Kevorkian Remix) 7:28
03 - Radioactivity (William Orbit Remix) 7:26


CD en mp3 (320 Kbps) (Eng y Ger), vinilo en mp3 (320 Kbps) (Eng y Ger), vinilo ed 1993 (Eng) en FLAC, maxi 1991 en FLAC


LOOK FOR: CURIEUK, CURIEGER, CURIEVUK, CURIEVGER, CURIEV93F1-6, CURIEMAX

sábado, 2 de mayo de 2020

David Bowie - Conversation Piece (2019 UK)


Los miles de seguidores del blog habréis notado el retraso, incluso la aparición de un post incompleto de Space Oddity. Indagando (y cuando estaba a punto de publicar el referido album del 69) encontré este pedazo de box. Con unas carátulas regulares, que he intentado mejorar, Conversation Piece es una caja lanzada en noviembre de 2019, que contiene cinco CD con grabaciones realizadas en 1968-1969. El conjunto de la caja incluye demos caseros y sesiones de la BBC, así como dos mezclas del álbum de 1969 Space Oddity , una de las cuales fue producida por Tony Visconti específicamente para el set. La mayoría de los demos se lanzaron a principios de 2019 en los sets de cajas de vinilo Spying Through a Keyhole , Clareville Grove Demos y The 'Mercury' Demos.


CD 1 - Home Demos
1. "April's Tooth of Gold" (previously unreleased)-2:29
2. "The Reverend Raymond Brown (Attends the Garden Fête on Thatchwick Green)" (previously unreleased)-2:15
3. "When I'm Five" (previously unreleased)-3:18
4. "Mother Grey"-3:00
5. "In the Heat of the Morning"-2:59
6. "Goodbye 3d (Threepenny) Joe"-3:19
7. "Love All Around"-2:49
8. "London Bye, Ta-Ta"-3:31
9. "Angel Angel Grubby Face" (version 1)-2:31
10. "Angel Angel Grubby Face" (version 2)-2:37
11. "Animal Farm" (previously unreleased)-2:21
12. "Space Oddity" (solo demo fragment)-2:39
13. "Space Oddity" (version 1, with John Hutchinson)-4:02
14. "Space Oddity" (version 2, with John Hutchinson) (previously unreleased)-5.00
15. "Space Oddity" (version 3, with John Hutchinson)-5:10
16. "Lover to the Dawn" (with John Hutchinson)-3:50
17. "Ching-a-Ling" (with John Hutchinson)-2:58
18. "An Occasional Dream" (with John Hutchinson)-2:49
19. "Let Me Sleep Beside You" (with John Hutchinson)-2:54
20. "Life Is a Circus" (Roger Bunn, with John Hutchinson)-4:50
21. "Conversation Piece" previously unreleased)-3:47
22. "Jerusalem" previously unreleased)-4:19
23. "Hole In The Ground" (with George Underwood) (previously unreleased)-3:29

CD2 - The 'Mercury' Demos
1. "Space Oddity"-5:29
2. "Janine"-3:54
3. "An Occasional Dream"-3:19
4. "Conversation Piece"-3:31
5. "Ching-a-Ling"-3:37
6. "I'm Not Quite"-4:01
7. "Lover to the Dawn"-5:02
8. "Love Song"-4:09
9. "When I'm Five"-3:20
10. "Life Is a Circus"-5:28

CD3 - Conversation Pieces (Mono)
1. "In the Heat of the Morning (Decca mono version)"-2:51
2. "London Bye, Ta-Ta (Decca alternative version)" (Previously unreleased)-2:36
3. "In the Heat of the Morning"-3:01
4. "London Bye, Ta-Ta"-2:39
5. "Karma Man"-3:07
6. "When I'm Five"-3:14
7. "Silly Boy Blue"-4:32
8. "Ching-a-Ling"-2:51
9. "Space Oddity (Morgan Studios version – alternative take)" (with John ‘Hutch’ Hutchinson) (Previously unreleased)-4:22
10. "Space Oddity (U.K. single edit)"-4:42
11. "Wild Eyed Boy from Freecloud (mono mix)"-4:54
12. "Janine (mono mix)"-3:23
13. "Conversation Piece"-3:06
14. "Let Me Sleep Beside You"-3:20
15. "Unwashed and Somewhat Slightly Dazed"-4:03
16. "Janine"-3:03

CD 4 - 1969 stereo mixes
1. "Space Oddity"-5:14
2. "Unwashed and Somewhat Slightly Dazed (inc. Don’t Sit Down)"-6:51
3. "Letter to Hermione"-2:32
4. "Cygnet Committee"-9:31
5. "Janine"-3:21
6. "An Occasional Dream"-2:54
7. "Wild Eyed Boy from Freecloud"-4:46
8. "God Knows I'm Good"-3:17
9. "Memory of a Free Festival"-7:09
10. "Wild Eyed Boy from Freecloud (single B-side stereo mix)"-4:56
11. "Letter to Hermione (early mix)" (Previously unreleased)-2:32
12. "Janine (early mix)" (Previously unreleased)-3:23
13. "An Occasional Dream (early mix)"-2:54
14. "Ragazzo Solo, Ragazza Sola (full length version)"-5:14

CD 5 - David Bowie (2019 Remix)
1. "Space Oddity"-5:20
2. "Unwashed and Somewhat Slightly Dazed"-6:18
3. "Letter to Hermione"-2:32
4. "Cygnet Committee"-9:28
5. "Janine"-3:21
6. "An Occasional Dream"-2:57
7. "Wild Eyed Boy from Freecloud"-4:50
8. "Conversation Piece"-3:11
9. "God Knows I'm Good"-3:16
10. "Memory of a Free Festival"-7:14
11. "Wild Eyed Boy from Freecloud (single version)"-4:59
12. "Ragazzo Solo, Ragazza Sola"-5:20


CD en mp3 (320 Kbps)


LOOK FOR: CONPI1-3

David Bowie - David Bowie (aka Space Oddity) (1969 UK)


Space Oddity es el segundo álbum del músico de rock británico David Bowie lanzado en 1969. Las versiones originales (UK, Europa, Oceanía, Sudáfrica) de 1969 se lanzaron en Philips y se titularon "David Bowie", mientras que los lanzamientos simultáneos de América del Norte (US y Canadá) en Mercury tenían como título Man of Words / Man of Music que aparecía en la parte superior del álbum. Tanto los lanzamientos de Philips como los de Mercury usan la misma foto de 1969 en la portada, pero la imagen americana es mayor y no se incluyó lo que rodea el retrato de la portada inglesa. 


UK


US

El lanzamiento de Mercury en América del Norte en 1969 elimina una pequeña pista oculta, entre las pistas 2 y 3. En la edición de Philips del Reino Unido, esta pieza musical era, como lo indican los surcos, al comienzo de la tercera pista "Letter to Hermione", pero fue cronometrado como parte de la segunda pista. En 1972, tras el avance comercial de Bowie, la versión norteamericana, sin la pista oculta, fue relanzada por RCA titulada tras el éxito del single, "Space Oddity", y con la foto que todos conocemos en la portada. La carátula trasera, donde aparecían los tiempos, incluía el de la pista oculta a pesar de que no estaba presente. En 1990, usando la misma portada que el número RCA de 1972, el álbum fue publicado por RYKO y posteriormente EMI con la pista oculta posteriormente restaurada y nombrada por primera vez ("Don't Sit Down"). Todas las ediciones oficiales posteriores contienen la música tal como se presentó en el álbum original de Philips del Reino Unido de 1969 (con "Don't Sit Down"), aunque después de 1997, no se la menciona. La primera versión en CD de 1984 reproduce el álbum tal y como aparecía en 1972 (sin "Don't Sit Down") y en la de 1990 "Don't Sit Down" se presenta como tema independiente (en su sitio) y el CD presenta 3 bonus ("Conversation Piece", de la que hablaremos ampliamente, y las dos partes en que fue cortado "Memory Of A Free Festival" para su salida en single en 1970), que son suprimidos en las versiones de 1999 y 2007. La Edición del 40 Aniversario tiene dos CDs, el primero como el vinilo original británico (con "Don't Sit Down" incluida en el 2º tema sin aparecer en créditos) y el segundo con bonus.


En 1999, EMI y Virgin relanzaron el álbum con la versión de 1969 con el título de 1972 (Space Oddity), pero con la portada original inglesa (añadiendo el título). En 2009, para la edición del 40 aniversario, EMI y Virgin lo relanzaron con el título y la portada exactamente como el lanzamiento original del Reino Unido (David Bowie). El álbum fue remezclado por Tony Visconti en 2019 para el set de caja del 50 aniversario David Bowie - Conversation Piece (aparecerá como post individual). La versión remezclada también se publicó como una edición independiente de vinilo y CD bajo el nombre de "Space Oddity". Esta edición restauró la canción "Conversation Piece" (tema inicialmente pensado para el LP, pero no editado en él, aunque sí aprovechado para cara B del single "The Prettiest Star", en 1973) al orden pensado originalmente en el álbum (8ª), pero eliminó 'Don't Sit Down'. Los músicos del álbum fueron contratados para las sesiones e incluyeron, entre otros, a Herbie Flowers, Rick Wakeman, Tony Visconti y miembros de la banda Junior's Eyes, quienes actuarían como la banda de Bowie promocionando el álbum. Si bien el álbum no entró en listas en 1969 y se consideró un fracaso comercial, el relanzamiento de 1972 se ubicó en #17 UK.


El gran single que le da el título al álbum “Space Oddity” fue lanzado el 2 de Febrero de 1969 (con "Wild Eyed Boy From Freecloud" como cara B) a través de un video promocional de Bowie titulado igual que un single de su primer LP “Love You Till Tuesday“. Este film fue dirigido por el manager de Bowie, Kenneth Pitt, y por Malcom J. Thompson en un intento de mostrar los talentos de David Jones a los sellos discográficos. Aquel video de 30 minutos no fue lanzado públicamente hasta 1984, justamente en la cúspide musical de Bowie e incluye la primera versión de “Space Oddity” acompañada de un vídeo musical. Sobre la idea de la canción, Bowie explicó a Performing Songwriter, en 2003: ”Fue escrita exactamente porque fui a ver el film “2001: A Space Odyssey”, el cual encontré increíble. Estaba fuera de mis sentidos en ese entonces, estaba muy drogando cuando la fui a verla, varias veces, y fue realmente una revelación para mi. Hizo que la canción surgiera”. La BBC musicalizó la hazaña de los astronautas del Apolo XI con el tema de Bowie, pero la idea original no fueron los Apolo, sino el film de Kubrick. “Estoy seguro de que no estaban escuchando la letra, para nada. No fue algo agradable, yuxtaponer el aterrizaje con la canción. Estaba sobrecargado de felicidad de que eligieran mi canción, claro. Alguien de la BBC debe haber dicho ‘Pongamos esa canción que se trata del espacio, sería genial’, pero claramente nadie tuvo el coraje de decirle que realmente Major Tom se quedaba atrapado en el espacio”. 






El tema "Space Oddity" data de febrero de 1969. Fue escrita para un video promocional llamado "Love You till Tuesday". La intención del video era vender a Bowie a un nuevo sello ya que había sido retirado de Deram Records en abril de 1968. Su manager Kenneth Pitt lo instó para grabar material nuevo y así nació "Space Oddity". Algunos comentaristas también han visto la canción como una metáfora del uso de heroína, citando la cuenta regresiva de apertura como análoga al paso de la droga por la aguja antes del eufórico 'golpe. En "Ashes to Ashes" declaró; "Sabemos que el Mayor Tom es un drogadicto". "Unwashed and Somewhat Slightly Dazed" reflejó una fuerte influencia de Bob Dylan , con su armónica, el sonido vanguardista de la guitarra y la voz gruñona. Comenzando con una introducción no diferente a la posterior 'All The Madmen', con la guitarra acústica de 12 cuerdas de Bowie en primer plano, la canción pronto se transforma en un frenético ritmo a lo Bo Diddley, un precursor del rock pesado de "The Man Who Sold The World". "Letter to Hermione" es una balada de despedida para su ex novia, Hermione Farthingale, quien también fue tema para "An Occasional Dream", una suave melodía folklórica que recuerda el álbum debut de la cantante en 1967. "God Knows I'm Good" es la historia sobre la difícil situación de un ladrón de tiendas que también recordó su estilo anterior. El "Cygnet Committee" ha sido llamado la primera verdadera obra maestra de Bowie. Comúnmente considerada como la pista del álbum más indicativa de la dirección futura del compositor, su personaje principal es una figura mesiánica que rompe las barreras para sus seguidores más jóvenes, pero descubre que solo les ha proporcionado los medios para rechazarlo y destruirlo. Bowie mismo lo describió en ese momento como una humillación de hippies que parecían listos para seguir a cualquier líder carismático. Otra canción citada como presagio de temas a los que Bowie regresaría en la década de 1970, en este caso la fractura de la personalidad, fue "Janine", uno de los pocos momentos optimistas del álbum, que fue escrito sobre la novia de su ex compañero de escuela y compañero de banda George Underwood. La canción también es notable por presentar el concepto de despersonalización, que Bowie exploraría con mayor profundidad en canciones como "The Man Who Sold The World": "Si me llevas un hacha / Matarás a otro hombre / No a mí en absoluto". "Wild Eyed Boy From Freecloud", influenciado por el budismo, se presentó en una forma muy expandida en comparación con la versión original de guitarra y violonchelo en el lado B del single "Space Oddity". La versión del álbum contó con una orquesta de 50 músicos. "Memory Of A Free Festival" fue la reminiscencia de Bowie de un festival de arte que había organizado en agosto de 1969. Su prolongado coro ("The Sun Machine is coming down / And we're gonna have a party") se comparó con "Hey Jude" de los Beatles. La canción también ha sido interpretada como un comentario burlón sobre la contracultura imperante. El coro final contó con Bob Harris, su esposa Sue, Tony Woollcott y Marc Bolan, entre otras personas. 


Vinilo Ed 1972 (Space Oddity)
A1. Space Oddity 5:15
A2. Unwashed And Somewhat Slightly Dazed 6:14
A3. Letter To Hermione 2:33
A4. Cygnet Committee 9:30
B1. Janine 3:23
B2. An Occasional Dream 2:58
B3. The Wild Eyed Boy From Freecloud 4:50
B4. God Knows I'm Good 3:19
B5. Memory Of A Free Festival 7:05

CD Ed 1990 (Space Oddity)
1. Space Oddity 5:13
2. Unwashed And Somewhat Slightly Dazed 6:09
3. Don't Sit Down 0:39
4. Letter To Hermione 2:30
5. Cygnet Committee 9:22
6. Janine 3:22
7. An Occasional Dream 2:54
8. The Wild Eyed Boy From Freecloud 4:46
9. God Knows I'm Good 3:17
10. Memory Of A Free Festival 7:06
11. Conversation Piece  3:07
12. Memory Of A Free Festival Part 1  4:01
13.  Memory Of A Free Festival Part 2  3:31

CD Ed 1999 (Space Oddity) y 2007 (David Bowie)
1. Space Oddity 5:13
2. Unwashed And Somewhat Slightly Dazed 6:09
3. Don't Sit Down 0:39
4. Letter To Hermione 2:30
5. Cygnet Committee 9:22
6. Janine 3:22
7. An Occasional Dream 2:54
8. The Wild Eyed Boy From Freecloud 4:46
9. God Knows I'm Good 3:17
10. Memory Of A Free Festival 7:06


CD Ed 2009 (David Bowie) - 40th Anniversary
CD 1 - Album
1. Space Oddity  5:14
2. Unwashed And Somewhat Slightly Dazed 6:51
3. Letter To Hermione  2:32
4. Cygnet Committee  9:31
5. Janine 3:21
6. An Occasional Dream 2:54
7. The Wild Eyed Boy From Freecloud 4:46
8. God Knows I'm Good 3:17
9. Memory Of A Free Festival 7:09

CD 2 - The Bonus Material
1. Space Oddity (Demo) 5:10
2. An Occasional Dream (Demo) 2:49
3. Wild Eyed Boy From Freecloud (Single B-Side) 4:56
4. Let Me Sleep Beside You (BBC Radio Session D.L.T. Show) 4:45
5. Unwashed And Somewhat Slightly Dazed (BBC Radio Session D.L.T. Show) 4:04
6. Janine (BBC Radio Session D.L.T. Show) 3:02
7. London, Bye, Ta-Ta (Stereo Version) 2:36
8. The Prettiest Star (Stereo Version) 3:12
9. Conversation Piece (Stereo Version) 3:06
10. Memory Of A Free Festival, Part 1 (Single A-Side) 4:01
11. Memory Of A Free Festival Part 2 (Single B-Side) 3:30
12. Wild Eyed Boy From Freecloud (Alternate Album Mix) 4:45
13. Memory Of A Free Festival (Alternate Album Mix) 9:22
14. London, Bye, Ta-Ta (Alternate Stereo Mix) 2:34
15. Ragazzo Solo, Ragazza Sola (Full Length Stereo Version) 5:15

David Bowie - Voz, Guitarra de doce cuerdas, Stylophone, Kalimba, Teclados 
Bajo – Herbie Flowers, Honk, Tony Visconti
Cello – Paul Buckmaster
Batería – John Cambridge, Terry Cox
Flauta, Flauta dulce – Tim Renwick, Tony Visconti
Guitarra – Keith Christmas, Mick Wayne, Tim Renwick
Armónica – Benny Marshall
Mellotron, Clavecín eléctrico – Rick Wakeman


Disponible en Nuestra Fábrica:

1967 - David Bowie
1971 - Hunky Dory
1974 - Diamond Dogs
1974 - Images

Y disponibles en 1PocodMusica:

1972 - The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars
1973 - El Rey Del Gay-Power
1974 - David Live
1980 - Scary Monsters
1991 - Early On
2000 - Bowie At The Beeb: The Best Of The BBC Radio Sessions 69-72
2008 - Live Santa Monica '72


CD (1990, 1999 y 40th Ann) en mp3 (320 Kbps), CD 40th Ann en FLAC, vinilo en FLAC


LOOK FOR: SPODD90, SPODD99, SPODD40, SPODD40F1-3 y SPODDV1-4