Evensong fue el segundo álbum lanzado por The Amazing Blondel, con un peculiar estilo de música que se describió como "música acústica pseudo-isabelina /clásica cantada con acentos británicos". En el momento del lanzamiento del LP, la banda estaba de gira por Gran Bretaña como parte de un grupo de artistas de apoyo a grandes bandas como Free, y su estilo totalmente contrapuesto a lo imperante en la época, junto con anécdotas obscenas entre canción y canción, consiguieron el favor del público rockero. La portada del álbum desplegado muestra a la banda en los claustros de la Catedral de Lincoln con instrumentos de la época, mientras que el interior enumera los créditos y las letras de las canciones que rodean una fotografía de la banda en una actuación.
1Pavan - 3:20
2St. Crispins Day - 2:18
3Spring Season - 3:38
4Willowood - 3:22
5Evensong - 3:10
6Queen Of Scots (E. Baird) - 1:40
7The Ploughman - 3:05
8Old Moot Hall - 2:38
9Lady Marion's Galliard - 3:44
10Under The Greenwood Tree - 3:15
11Anthem - 2:52
(Todos los temas escritos por J.D. Gladwin, excepto indicado)
John David Gladwin - voz principal, laúd, theorbo, cistro, contrabajo
Terence Alan Wincott - trompa, grabadores, órgano de tubos, coros (voz solista ocasional), tabor pipe, tabor, flauta, armonio, laúd, clavecín
Edward Baird - laúd, cistro, coros (voz solista ocasional)
Complaciendo una simpática petición. Gracias Alan, no conocía esta maravilla...
El segundo disco de Midlake aparece el 25 de julio de 2006 en el sello Bella Union, y es un alejamiento de su debut, influenciado por el pop psicodélico. The Trials of Van Occupanther salta con los dos pies en los años 70 con baladas de rock suave, convirtiéndose en uno de los mejores ejemplos del sonido y el estilo que jamás oirás, a pesar de la fecha de lanzamiento. Lo primero que notas en el álbum son las impresionantes armonías vocales: se podría pensar que tenemos en las manos un disco de América. Tim Smith tiene el tipo de voz que usted sabe que podría ser un instrumento rompe vidrios a la par de la de Buckley o Wainwright, pero lo mantiene marcado a una escala íntima, que es una sabia decisión. Sus voces sangran honestidad melancólica, y la forma en que se combina con la voz de Eric Pulido pondrá la piel de gallina. Los arreglos proporcionan una cama perfecta para las voces, con capas algodonosas de guitarras acústicas y cuerdas, cuernos suaves, percusiones restringidas y piano lírico que se combinan maravillosamente. Las sorpresas ocasionales son efectivas, especialmente cuando usan algunos de los sonidos de sintetizador, como en "We gather in spring" y "It Covers the Hillside". Todo esto es bueno, pero no valdría mucho sin canciones. Afortunadamente, Midlake escribe melodías infalibles y letras reflexivas sobre temas distintos al amor y la introspección, y establece muchos ganchos suaves. Cada canción entra sin problemas y se suman para hacer de The Trials of Van Occupanther una experiencia auditiva muy placentera, quizás incluso emocionante.
Tim Smith - voz, piano, teclado, guitarras acústica y eléctrica, flauta Eric Pulido - guitarras eléctrica, acústica y acústica de 12 cuerdas, teclados, coros Eric Nichelson - teclados, piano, guitarras acústica, acústica de 12 cuerdas y eléctrica Paul Alexander - bajo, contrabajo, guitarra eléctrica, teclados, piano, fagot McKenzie Smith - batería, percusión Músicos adicionales
Linda Salisbury - Cuerno francés en "Branches" y "Van Occupanther"
Josh Ello - violín en "Young Bride"
Además de la edición en CD americana, hubo otra europea con 4 bonus, que no tengo y otra para Australia y Asia con un CD extra con 5 temas. Todo eso en 2006. Y en 2016 se ha editado la 10th Anniversary Edition, con esa portada que pongo aquí arriba y dos bonus:
1."Roscoe"
2."Bandits"
3."Head Home"
4."Van Occupanther"
5."Young Bride"
6."Branches"
7."In This Camp"
8."We Gathered in Spring"
9."It Covers the Hillsides"
10."Chasing After Deer"
11."You Never Arrived"
EU edition bonus tracks
12."Mornings Will be Kind"
13."Marion"
14."It Covers The Hillsides" (alt version)
15."Paper Gown"
Australasian edition bonus CD
1."Mornings Will Be Kind" (2005)
2."Paper Gown" (2001)
3."It Covers The Hillsides" (alt version) (2006)
4."Excited But Not Enough" (2001)
5."Golden Hour" (2001)
10 year anniversary bonus tracks
12."The Fairest Way"
13."Festival"
CD USA 2006 en mp3 (320 Kbps) y FLAC, CD Ed. Australia/Asia en mp3 (320 Kbps) y Ed. 10th Anniversary 2016 en mp3 (320 Kbps)
LOOK FOR: PANTERA, PANTERAF, PANTERAUS y PANTERA16
COMO CIERRE DE FIESTA, HA APARECIDO POR AQUÍ EL DR. BELL OTUS Y HA DICHO: AHÍ QUEDA ESO
Oscuro grupo procedente de la antigua URSS, de lo que hoy en día es Armenia. El grupo Zartong se formó en la Unión Soviética a mediados de los 70, y se mudó a Francia al final de la década, donde lanzó su único y raro álbum.
Richard Tanelian(bateria)
Lorys Tildian (kemanka, vocal)
Franck Tildian (baixo, vocal)
Stepan Akian(santur, sintetizador, vocal)
.
El álbum homónimo está compuesto por 13 pistas cortas, aunque muchas de ellas mezcladas, todas muy singulares, elementos de mezcla progresiva de rock/fusión, algunos momentos sinfónicos, con música tradicional de la región de Anatolia. Hay instrumentación "habitual" (como guitarra fuzz, sintetizadores y violín), instrumentos típicos de la región ("kemanka" y "santur") y una percusión en general muy notable, dando al espectador un ambiente único para el sonido. Las letras también están en armenio, con hermosas canciones y coros. Énfasis en las canciones "Dzamone", "Prosopopee" y "Armenian Hore".
ESPERO QUE GOSTEM
WAV (como debe ser) e com capas completas de ripeo del LP. Añadimos también mp3 a 320 Kbps
Complaciendo una simpática petición.... No hay ningún álbum de Lluís Llach en el blog. Y la verdad es que es uno de mis músicos preferidos, a uno de los que he visto más veces en directo (o el que más?, no me apetece contar) y con amplia variedad en su música, desde su etapa de cantautor/nova cançó, sus toques de jazz o al blues (esta canción podríamos definirla como un blues pagés, contó una vez al tocar "Jo També He Dormit A L'Alba"), sus álbumes más progresivos, aunque mucha gente lo encuadraría como world music por sus continuas aproximaciones al folk mediterraneo, o sus época casi de superventas a principios de los 80, no porque su música fuera más comercial, sino porque se la vendieron mejor.
Lluís Llach, nacido en Gerona en mayo del 48, pasó su infancia en Verges, empezando a interesarse por la música gracias a su madre, tocando primero la guitarra y luego el piano y empezando a componer sus primeras melodías a los seis o siete años. A los nueve años se trasladó a Figueras y durante los veranos iba a Porrera, el pueblo de su madre, donde empezó a familiarizarse con la canción de autor francesa (Jacques Brel). Posteriormente se trasladó a Barcelona y a los 18 años se incorporó a Els Setze Jutges. Su primer concierto (en Tarrasa) es de 1967 y el año siguiente es el de su eclosión, con "L'Estaca".
En 1969 aparece su primer LP, Els Èxits De Lluís Llach y en ese mismo año se produce uno de sus conciertos más famosos en el Palacio de la Música Catalana, donde destaca la versión de "L'Estaca" cantada solamente por el público, ya que estaba censurada. El concierto queda plasmado en su segundo LP, Ara I Aquí, que en posteriores ediciones en vinilo y en CD fue sustituido por versones de estudio . Poco a poco, mientras va siendo más conocido, va siendo más censurado y tras un concierto en Madrid (integramente en catalán) solo se le permite durante 4 años las actuaciones en Cataluña. Decide en 1971 trasladarse a París y al año siguiente aparece su tercer álbum, Com Un Arbre Nu. En 1973 actúa en el Olympia, concierto que se graba para su siguiente LP. Su último disco de canciones es el magnífico I Si Canto Trist, del 74.
Matizo eso de su último disco de canciones: a partir de 1975 llegan una serie de trabajos con temas largos, que generalmente ocupan una cara del LP (en la otra siguen habiendo "canciones") y que comienzan por el famosísimo Viatge a Itaca, seguido del no menos conocido Campanades A Morts. El sujeto de este post, El Meu Amic El Mar, es el siguiente y luego Somniem, Verges 50 y Amb El Somriure, La Revolta que marca su paso a una serie de discos más comerciales y sobre todo con una mucho más amplia distribución en el resto del territorio español.
El meu amic el mar
té la calma d'un déu adormit,
quan la meva nau busca recer
a l'illa del seu pit.
El meu amic el mar
té el coratge d'un déu exaltat,
i quan s'omple d'aire el meu velam
seguim un joc incert.
I, tanmateix, potser
el gep de l'onada acabarà
amb tot el meu somni desitjós
d'anar a aquell port d'atzars.
El meu amic el mar
és l'immens bressol de tots els blaus,
i en el seu va-i-vé de so i color
aprenc el poc que tinc.
És per això que mai
no em podré allunyar del seu batec,
i fidel viuré amarinat
fins acabar el vent.
La edición que os presento (mi CD), es una muy poco cuidada edición donde no aparece la letra del primer tema, "Bressol De Tots Els Blaus", aunque sí su traducción al español, por lo que os la pongo en el post. Probablemente no aparece por una razón que se entiende viendo la foto del interior del LP y la funda con las canciones.
Como no estaba en la funda, pues no se pone.
El Meu Amic EL Mar supone probablemente una ruptura (o un descanso) del reivindicativo Llach, La primera cara, aunque la componen 4 temas, es en realidad un tema único, con partes instrumentales, mucho eco mediterráneo y sin desperdicio. La letra de la última parte, "Cançó De Rem I De Vela Nº XII", está compuesta por Josep Mª De Segarra. La temática de la segunda cara sigue siendo el mar, excepto quizá la canción final "Companys, No És Aixó", algo más en la onda reivindicativa de trabajos previos y de trabajos posteriores.
Comus es una banda británica formada por Roger Wootton (guitarra, voz), Glenn Goring (guitarras, bongos), Andy Hellaby (bajo), Colin Pearson (violín, viola), Bobbie Watson (voz, percusión) y Rob Young (flauta, oboe) con un estilo Progresivo/Psych/Folk/Rock procedente de Bromley, Kent. Debutan en 1970 con un trabajo titulado First Utterance, ya comentado en nuestra fábrica de galletas. Tras este primer disco, el grupo se separa y vuelve a reunirse en 1974, sacando este, su segundo LP que hoy os presentamos y en el que perduran la mitad de la formación original: Hellaby, Wootton y Watson. A ellos se han unido Lindsay Cooper (fagot), Phil Barry (bongos), Tim Kramer (chelo), Gordon Coxon (batería, percusión), Didier Malherbe (saxo tenor) y Keith Hale (piano, teclados, sintetizadores, marimba). Las composiciones son de tres de sus componentes, Hellaby ("Waves And Caves" y "Panophany"), Hale ("Get Yourself A Man") y Wootton, el resto.
Desde hace unos años (2011) se han vuelto a unir, con muchos de los antiguos miembros en la formación actual. Han aparecido un par de álbumes en directo e incluso un nuevo trabajo de estudio, Out Of The Coma, en 2012.
The Amazing Blondel And A Few Faces (o símplemente The Amazing Blondel) es el título del disco debut de esta banda de folk progresivo procedente de Scunthorpe, Lincolnshire, en el norte de Inglaterra y formado por John Gladwin, Terry Wyncott y Eddie Baird. Los dos primeros formaban parte de la banda de psych/rock Methuselah y tras su ruptura y viendo que el mayor éxito de sus concierto en vivo lo tenían con sus temas más acústicos, decidieron seguir como dúo más en la onda folk. La banda toma su nombre de Blondel de Nesle, un músico de la corte de Ricardo I que, según la leyenda, al caer prisionero el rey Ricardo, viajó por el centro de Europa, cantando en cada castillo para localizarlo y ayudarle a escapar. Se les aconsejó a continuación añadir un adjetivo (en línea, por ejemplo, con The Incredible String Band), por lo que se convirtieron en "The Amazing Blondel". A continuación se unió al dúo Eddie Baird, que ya conocía a los otros dos desde sus tiempos de escuela.
En el disco que os propongo, todas las composiciones del disco fueron escritas por John Gladwin, entre ellas “Saxon Lady”, tema cantado por Gladwin con flauta de Terry Wincott y guitarra acústica de doce cuerdas del propio Gladwin trasladando los sonidos renacentistas a la época hippie-lisérgica. Se grabó en 1969 y lo publicó Bell Records al año siguiente. A raíz de lo que Baird describió como «una firma de discos desastrosa desde el punto de vista del 'mundo del espectáculo'», los miembros de la banda Free pusieron en contacto al grupo con Chris Blackwell de Island Records. Blackwell les fichó para Island, con la que grabaron sus posteriores trabajos Evensong, Fantasia Lindum y England.
Los miembros de la banda eran todos músicos consumados: Gladwin, además de la voz, tocaba la guitarra de doce cuerdas, laúd, contrabajo, tiorba, cítara, tamboril y las campanas tubulares (las famosas tubular bells de Mike Oldfield). Wincott, que también cantaba y tocó guitarra de 6 cuerdas, armonio, recorder (un tipo de flauta), otras flautas, ocarina, congas, crumhorn, órgano, tabor (un tipo de tambor), clavecín, piano, mellotron, bongos y otros instrumentos de percusión. Baird también cantaba y tocaba laúd , glockenspiel (un tipo de xilofón), cítara, dulcimer, guitarra de doce cuerdas y percusión.
Tras reunirse a tocar en varios locales de jam sessions, Dave Mason, Jim Capaldi, Chris Wood y Steve Winwood deciden formar Traffic allá por 1967, para lo cual, este último tiene que dajar Spencer Davis Group. Tras tres álbumes de bastante éxito y calidad, Dave Mason decide abandonar la banda para quedarse a vivir en USA y Steve Winwood anuncia el desmantelamiento del grupo, formando el supergrupo Blind Faith junto con Eric Clapton, Ginger Baker y Rick (o Ric) Grech.
Blind Faith solo dura un año, tras el que Steve Winwood se dedica a un álbum en solitario. Pocos días antes de la publicación de John Barleycorn Must Die, se decide que el álbum lo firme Traffic en vez de Winwood en solitario, debido a las ayudas que había recibido de Capaldi y Wood, Se puede considerar que The Low Spark Of High Heeled Boys marca la cúspide comercial y artística de la segunda época de Traffic. De un álbum a otro, el grupo se había incrementado de tres componentes (Steve Winwood, Jim Capaldi y Chris Wood) a seis (Jim Gordon, Reebop Kwaku Baah y Rick Grech).
La flauta de Wood da un aire folk a ciertos pasajes del disco (oír "Hidden Treasure"), aires que ya sonaban en John Barleycorn, lo que incrementa los estilos de este trabajo, que van desde el rock (o rock and roll) hasta el jazz-rock o el prog-rock, categoría donde se suele incluir. "Rock 'n' Roll Stew", compuesta por Grech-Gordom, fue un considerable éxito en single y la canción que da título al LP, "The Low Spark Of High Heeled Boys" fue también un éxito en las emisoras de FM.
Jim Capaldi, que hasta ahora solo habñia sido solista en un tema de Traffic, canta en este álbum dos temas ("Light Up Or Leave Me Alone" y "Rock 'n' Roll Stew"). Las críticas retrospectivas al álbum son en general bastante positivas y la respuesta del público también lo fue, siendo Disco de Oro.
Banda británica de folk rock con construcción progresivo que tuvo una breve carrera en la década de 1970. Su primer álbum, First Utterance, les dio una aureola de culto que persiste hoy en dia. El nombre de Comus es idea de John Milton, y procede del dios griego Komus. David Bowie es uno de sus admiradores y mentor, y los utilizó como banda de apoyo para un concierto de 1969, en Londres.
Su primer álbum, este que comparto, fué publicado en 1970, y contiene las canciones del LP, mas tres bonus (que componían el EP "Diana" del mismo 1971). La música es en gran parte acústica que mezcla elementos de percusión oriental, con instrumentos propios del folk, guitarras acústicas, flautas, violin . Evoca muchos sentimientos, pero los más dominantes son el miedo, la confusión, la desesperación, con pasajes ocasionales de belleza tranquila, como se puede encontrar en "The Herald". Letras espectaculares, con descripciones de violencia, asesinatos y trastorno mental. El grupo se disolvió momentáneamente después de este album, pero se reunieron con nuevos miembros para su segundo álbum, en 1974, volviendo a separarse, pero hace unos pocos años se volvieron a reagrupar, participando en actuaciones en festivales.
(Refrescamos el envío original de Miguel Campoviejo, 320 Kbps, y añadimos dos ediciones japonesas de 2002 y 2005, la primera son los temas originales del LP, en FLAC; la otra con dos CDs, el primero el LP original con un bonus, y el segundo el single mencionado "Diana", con 3 temas, a 256 Kbps, de ChrisGoesRock)
Side 1
A1 Une infinie tendresse
A2 Prelude medieval
A3 Parle moi d'un hommer heureux
A4 Qui a parle de fin?
Side 2
B1 Poeme non epique nº III
a) Prelude nº 3
b) Poeme non epique
c) Tombe
Catherine Ribeiro nace en Lyon (Francia) el 22 de septiembre de 1941. Es hija de emigrantes portugueses, Jose Ribeiro y Alicina Yvo.
En 1958 se va a Paris y empieza su carrera artistica, cine, teatro, música y libros de poemas.
Su trayectoria musical empieza en 1964 con un EP en el sello portugues Estudio, seguido de cuatro EP's más con el sello Barclay, el último en 1966.
En 1967 conoce a Patrice Moullet, que le propone componer la musica para sus poemas. En 1968 Patrice Moullet funda el grupo 2 Bis, y prepara una maqueta. En 1969 sale el album "Catherine Ribeiro + 2 Bis" y dos singles.
En 1970 cambian el nombre de 2 Bis por Alpes y sale el primer single del grupo, y el primer LP llamado Nº2, con una canción de José Añfonso cantada en portugues. En el 71 el esplendido Ame Debout, de obligada escucha. En el 72 Paix. En el 74 Le rat débile et l'homme des champs. En el 75 este que os pongo (Libertès?). Y tres discos más 1977 Le temps de l'autre, 1979 Passions y 1980 La deboussole, último disco que saco con esta banda, Alpes tiene dos discos más en los 90 pero solo de Patrice Moullet.
A partir de aquí continua su carrera en solitario, con discos autoproducidos y participaciones en discos como el de Quilapayun.
Mas info en su página web (en francés) http://www.catherine-ribeiro.com/
Disco en FLAC, folk progresivo, gran música e impresionante voz. De los imprescindibles.
Barclay James Harvest publicó en 1975 este "Time Honoured Ghosts" (algo así como "fantasmas consagrados"), titulo sugerido por la mujer del manager de la banda en aquel entonces (Harvey Lisburg).
Les Holroyd: Vocal, coros, bajo, guitarra acústica.
John Lees: vocal, coros y guitarra acústica y eléctrica.
Mel Prichard: Batería, percusión.
Stuart Wolstenholme: Vocal, coros, teclados, mellotron, guitarra eléctrica.
Producido por Elliot Mazer.
Sin duda estamos ante el album más melódico de un grupo ya de por sí bastante "suave" en su concepción de rock sinfónico. Canciones cortas, melancólicas, con fondo sinfónico a lo Moody Blues, pero con armonías a lo CSNY o Beatles,donde quizá los tres compositores (Lees, Holroyd, Wolstenhlme) se mimetizan entre ellos para hacer un todo muy homogéneo. Destacan "Titles", gran tema formado por títulos de canciones de The Beatles e "In my life", ambas de Lees, "Jonathan", inspirada en la novela de Richard Bach "Jonathan Livingston Seagull" y "Song for you", maravillas de Holroyd y "Beyond the grave" de Wolstenholme.
Como curiosidad, en esta portada aparece por primera vez una mariposa, que es un motivo que se repite en sus portadas desde entonces.
Compositor, arreglista, virtuoso y figura clave del panorama del folk progresivo italiano, Angelo Branduardi no requiere de excesivas presentaciones. La práctica totalidad de su extensa discografía puede considerarse indispensable en la colección de cualquier melómano.
Entre los años 1978 y 1979 emprendió un extenso tour europeo del que este doble álbum, "Concerto", es magnífico testimonio. Arropado por una banda sencillamente formidable, ofreció en directo la práctica totalidad de su magistral "Highdown Fair" ("Alla Fiera dell´Est"), junto a una selección de piezas procedentes de discos como "Gulliver, la luna e altri disegni", cantadas en inglés e italiano.
El tercer enlace incluye todo el artwork de los cd´s, así como el libreto a color en muy buena resolución. Me he permitido sugerir una ecualización que creo idónea para este disco, que he escuchado docenas de veces, aunque sobre agudos y graves no hay nada escrito. Disfrutadlo. Es una joya difícil de encontrar. Hace quince años que no lo veo en ninguna tienda. La introducción del concierto, que desemboca en "L´uomo e la nuvola" es inenarrable. Un abrazo a todos los reposteros.
A finales de 1999 y seguramente a instancias de Mike Heron, la ISB vuelve a unirse. Robin Williamson quiere apoyar a su amigo que desde 1980 aproximadamente está un poco perdido. Cierto que hizo un discazo en 1996 pero no gran cosa más. Así que llaman a Clive Palmer, un viejo amigo de Robin y fundador del grupo con el que grabó el primer disco, añaden a la actual mujer de Robin (una rémora para decirlo rápidamente), y un multiinstrumentista y buen productor que había trabajado en los últimos discos del bardo: Lawson Dando. La cosa tenía su nostalgia y su emoción, a que negarlo. Se centran en los cinco primeros discos de la banda…Robin toca bien pero es Heron el que echa el resto. Dan dos conciertos memorables al año siguiente en el célebre Bloosmbury de Londres…recordando el que dieron cuando empezaban, en 1966. El lleno fue total y dignos hippies entrados en años abarrotaron el local. Heron hizo unas versiones antológicas de Maker of Islands y sobre todo de Air. Dan conciertos aquí y allí en la gran isla a la sombra del productor Mark Anstey. A mediados de 2002 se anucian conciertos en los Estados Unidos. A finales de ese año Robin lo deja, oficialmente porque tiene que trabajar en lo suyo. Y, para sorpresa de propios y extraños Heron busca a una multiinstrumentista que se hace llamar Fluff…y, ¡carajo¡ en los conciertos de 2003 la banda suena mejor que antes….Heron se emperra en grabar un disco a nombre de la ISB en los estudios de Peter Gabriel, llaman a dos músicos más y tocan un puñado de grandes canciones de Mike y Water Song de Robin de la que hacen una versión que algunos prefieren a la original…aunque Heron cuando la tocan en directo se va del escenario. La grabación se hizo en Noviembre de 2004, (Nebolous Nearnesses) un par de meses antes dan un gran concierto en Lowry y para no interferir lo sacan a la venta un par de años después…ese este que os traigo. Como novedad respecto al Nebolous se incluye una versión digna de This Moment; teniendo en cuenta que esa pieza es de las monumentales de la banda hacer una versión potable tiene mérito. Claro que el problema para los stringheads es, primero porqué Heron grabó bajo el nombre de la ISB sin Robin y después…porqué el bardo está tan lejos de la ISB…y Heron tan cerca. (Este disco va dedicado especialmente a Julio de Barcelona)
Antes de que me digais nada, ya se que es un CD (subproducto musical) y que es una recopilación, pero si lo pongo es por algo.
Este CD recoge, dentro de la mejor epoca de Caravan (1968-1975) lo mejorcito de su faceta más progresiva, una horita para disfrutar con los cascos. Cuando digo la parte más progresiva, es porque las canciones carecen de la parte Canterbury de los Caravan, que es tan interesante como esta. No deja de ser una curiosidad ver como este grupo que todos conocemos cambia de cara con esta selección, y que nos demuestra lo grandes que fueron en todo lo que hicieron.
OS TRAIGO AQUÍ, LA QUE FUE CONSIDERADA LA ISBDE PORTUGAL
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GRUPO QUE SE FORMÓ ALLÁ POR FINALES DEL 73, TIENE EN ESTE DISCO, SU PRIMERO TRABAJO.
EL OCTOBRE DEL 74, CUANDO PORTUGAL ESTABA EN UN ESTADO DE GRAN AGITACIÓN POLÍTICA, CON LA REVOLUCIÓN DE ABRIL TODAVÍA MUY PRESENTE Y CON UN ORDEN SOCIAL AÚN NO PLENAMENTE ESTABLECIDO, BANDA DO CASACO HA ENTRADO EN ESTUDIO PARA GRABAR DOS BENEFÍCIOS DUM VENDIDO NO REINO DOS BONIFÁCIOS, AUNQUE CON TODA PROBABILIDAD, HA COMENZADO A SER COMPUESTO, INCLUSO ANTES DE LA REVOLUCIÓN DE ABRIL.
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EL RESULTADO ESTE, ES UNA OBRA CONCEPTUAL DE FOLK-PROGPORTUGUÉS ABSOLUTAMENTE INIGUALABLE, QUE NADIE (NI SIQUIERA LA PROPIA BANDA) HA SUPERADO EN LOS POSTERIORES ESFUERZOS EN ESTE ESTILO MUSICAL.
POR LO TANTO, ES UN TRABAJO DE ALTA CALIDAD, TANTO AL NIVEL INSTRUMENTAL COMO DE COMPOSICIÓN, COMO AL NIVEL DE CONCEPTO Y DE LETRAS.
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NO VOY A AMPLIARME MÁS, CON LA ESPERANZA DE QUE ESTE DISCO, DE MI QUERIDO PORTUGAL, SEA DE VUESTRA SATISFACCIÓN.
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Nuno Rodrigues-vocals, guitars, sistrum
Judi Brennan-vocals
Celso de Carvalho-double bass, cello,vibraphone
Helena Afonso-vocals
António Pinho-vocals, tymbales,sistrum
Carlos Zíngaro-vocals,violin,electric guitar, cello,double bass,carillon,tymbales
Luís Linhares-pianos, flute
José CamposSousa-vocals,guitar
Nelson Portelinha-vocals,guitars,trumpet,trombone, vibraphone,flute.
Si "Thick as a Brick" y "Aqualung" son discos simbólicos de JETHRO TULL en lo que respecta a la grandeza y genialidad de sus primeros años de trayectoria, "Minstrel in the Gallery" es uno de los que suscita más polémica entre fans y conocedores, por no poseer la fastuosidad traviesa del primero de los discos antes mencionados ni un constante filo aguerrido que lo asemeje consistentemente con los pasajes más saltantes del segundo. Ni siquiera tiene el colorido de "War Child", el disco anterior, pero ello es perfectamente comprensible dado que este disco fue concebido por ANDERSON en una etapa en la cual estaba lidiando con la amargura de su recién padecido divorcio. En este disco, el grupo vuelve un poco a la aspereza de discos como "Benefit" y "Aqualung", pero el tenor predominante es intimista y fuertemente basado en la presencia de la guitarra acústica: el grupo opera en varios niveles como un complemento para las reflexiones desilusionadas de un ANDERSON que oculta su tristeza y enojo bajo un velo de calma irónica y cinismo. Las letras de la segunda mitad de ‘One white duck...’ , de ‘Requiem’ y de varias secciones de la suite ‘Baker St. Muse’ resultan emblemáticas en este sentido.
Curiosamente, la pieza más popular del disco es la más explosiva. Comenzando con un anuncio teatral y un pasaje acústico de guitarra y flauta completado con ingeniosas armonías vocales, el riff de guitarra que pone a BARRE en el lugar protagónico sirve para que el ensamble ponga toda la carne rockera en el asador. Un tema con un gancho frontal exhibido con tanta energía fue por varios años una de las piezas más excitantes de los repertorios en vivo. El segundo tema, ‘Cold wind to Valhalla’, tiene un cariz exótico pronunciado por los coloridos creados por el ensamble de cuerdas, el cual ocupará un lugar importante a partir de aquí. Pero también cabe destacar el empuje que mete la guitarra eléctrica, añadiendo un punche extra a los quiebres arabescos del motivo central. ‘Black satin dancer’ supone un giro desde la jovialidad medidamente coqueta del tema anterior hacia una emotividad claroscura, llena de misterio: yo siempre he estado convencido de que esta canción es una auténtica gema perdida dentro del copioso repertorio histórico del grupo, rock embriagadoramente sombrío en clave de vals, envuelto en una compleja armazón progresiva donde los contrastes sonoros y ambientales resultan simplemente magníficos. Las sólidas apariciones de la guitarra en plena confrontación frente a la flauta durante los momentos más aguerridos proporcionan una convincente densidad al asunto: algo tan inaudito como revelador dentro de los parámetros habituales de JT.
La aureola de tristeza que se mostró de manera tan sofisticada en ‘Black satin dancer’ se reitera en ‘Requiem’ y en ‘One white duck...’ sin mayores revestimientos que los arreglos de cuerdas: ANDERSON opera prácticamente como un trovador solitario que tiene que luchar con sus propios fantasmas del desamor. La suite de 16 ½ minutos ‘Baker St. Muse’ es una suerte de compendio unificador de las sonoridades acumuladas a lo largo del repertorio precedente. Se trata de una ambiciosa pieza muy reminiscente de la magia del "Aqualung": tal vez pudo articularse mejor en varios puntos de giro, pero en general, está muy bien lograda. La evolución del motivo principal, que va desde una espartana dupla de guitarra acústica y voz hasta un ensamble rockero elegantemente acompañado por las cuerdas, está bien hilada. Cabe mencionar también la magia juglaresca de la breve sección ‘Nice little tune’, así como la cándida belleza de ‘Crash barrier waltzer’ y el primer motivo de ‘Mother England reverie’. En fin, la minúscula balada ‘Grace’ cierra el disco con esas últimas líneas de violín, tan efímeras como conmovedoras. No son pocos los que han señalado que este disco no es muy fácil de apreciar en las primeras dos o tres escuchas, y a mí me ha pasado lo mismo: pero una vez que uno termina dejándose llevar por la oferta, descubre que "Minstrel in the Gallery" es una obra máxima de JETHRO TULL.(Textos extraidos del directorio musical Manticonio.com)
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