Cuarto y magnífico trabajo de The Moody Blues que al igual que sus dos trabajos precedentes, Days Of Future Passed (1967) e In Search Of The Lost Chord (1968), se puede considerar un álbum conceptual: explora los sueños, especialmente en su segunda cara que culmina con la suite "Voyage", inspirado en parte por el Also Sprach Zarathustra (Así Habló Zaratustra) de Richard Strauss. La pieza, de Mike Pinder, presenta mellotron y flauta. El LP fue -accidentalmente- programado para caer en manos de oyentes que estuvieran buscando una grabación orquestal/psicodélica como el Sgt. Peppers de los Beatles. El LP comienza con un poema acompañado de sonidos electrónicos, y estos sonidos también aparecen al final del álbum (las ediciones en vinilo del álbum continúan los sonidos en el surco del álbum, haciéndolos sonar continuamente hasta que el pick-up del tocadiscos esté levantado, como ocurría en "A Day In The Life", el final del Sgt. Peppers; las versiones de cassette y CD emplean un desvanecimiento lento).
The Threshold Of A Dream proporcionó a The Moody Blues su primer #1 en las listas UK, y también mejoró las posiciones en las americanas, ya que fue su primer álbum Top 20 en USA, disfrutando también de largas estancias en ambas listas. En marzo de 2006, el álbum fue completamente remasterizado en formato SACD y reempaquetado con nueve pistas adicionales. Un único single de este álbum: "Never Comes The Day" / "So Deep Within You", la primera cantada y compuesta por Justin Hayward y la cara B cantada y compuesta por Mike Pinder. La canción estrella fue editada desde la versión del álbum de 4:43 hasta los 2:42. La edición omite el segundo verso y simplemente entra en un coro más largo tras el primero. A pesar del éxito comentado del álbum, "Never Comes The Day" fue un fracaso comercial como single, y no entró en el chart británico.
El primero de The Enid, uno de los grandes grupos desconocidos...
Basado en las cartas del Tarot, con una fuerte influencia de clásicos (Rachmaninoff en “The Lovers”). Muy bonito de escuchar. Existe una versión regrabada del mismo del año 1984, con significativos cambios. Esto es debido a que EMI eliminó el álbum ese año de su catálogo, por lo que la banda lo editó dentro de su propio sello, introduciendo algunos cambios. Habían conseguido la cintas originales de la primera cara, por lo que ésta es prácticamente igual, excepto "The Fool", que se amplió introduciendo música nueva. La cara dos tuvo que ser regrabada completamente. En 2010, EMI permitió editar la versión original de 1976 al propio sello de The Enid para "evitar contrabando".
VERSIÓN ORIGINAL (1976)
Side one
"The Fool/The Falling Tower" (Godfrey/Lickerish) - (6:16)
"Death, The Reaper" (Godfrey/Lickerish) - (3:59)
"The Lovers" (Godfrey) - (5:17)
"The Devil" (Godfrey/Lickerish) - (4:14)
Side two
"The Sun" (Godfrey/Lickerish) - (4:39)
"The Last Judgement" (Godfrey/Lickerish) - (8:12)
"In The Region Of The Summer Stars" (Godfrey/Lickerish/Tollet) - (6:19)
REGRABACIÓN (1984)
Side one
"Fool" (Godfrey) – (2:43)
"The Tower Of Babel" (Godfrey/Lickerish/Stewart) – (5:05)
"The Reaper" (Godfrey/Lickerish/Stewart) – (4:03)
"The Loved Ones" (Godfrey) – (5:20)
"The Demon King" (Godfrey/Lickerish/Stewart) – (4:18)
Side two
"Pre-Dawn" (Godfrey) – (1:12)
"Sunrise" (Godfrey) – (3:27)
"The Last Day" (Godfrey/Lickerish/Stewart) – (7:59)
"The Flood" (Godfrey/Stewart) – (1:12)
"Under The Summer Stars" (Godfrey/Lickerish/Stewart/Tollet) – (5:42)
"Adieu" (Godfrey) – (3:03)
BONUS EN LA VERSIÓN 1987
"Reverberations" (Godfrey) – (18:34)
TEMAS AÑADIDOS EN LA VERSIÓN REMASTERIZADA DE 2001
"Judgement" (Godfrey/Lickerish) – (8:18)
"In the Region of the Summer Stars" (Godfrey/Lickerish/Tollet) – (6:19)
Rough mixes de las grabaciones originales, no editadas previamente
Robert John Godfrey - Teclados
Stephen Stewart - Guitarras, bajo
Francis Lickerish - Guitarra
Glen Tollet - Bajo
Dave Storey - Batería, percusión
Dave Hancock - Trompeta
Angus Boucher: Productor ejecutivo
John Sinclair: Productor
Gary Lyons: Ingeniero
Dean Pywell: Diseño de portada
Colin Dunbar: Concepto original
En la versión de 1984 la misma banda, excepto Dave Hancock, y con la adición de:
Chris North - Batería, percusión (2ª cara)
Neil Mitchell - Trompeta
Robert John Godfrey, Stephen Stewart: Producción y mezcla
John Southard: Asistencia Técnica
VERSIONES UNAS POCAS:
- Vinilo original 1976 mp3 320 Kbps (ENIDV)
- Regrabación 1984, reeditada 1987 con un bonus, mp3 320 Kbps (ENID84)
- Regrabación 1984, remaster 2001 con dos bonus, FLAC (ENIDF)
- Reedición 2010 (grabación original 1976, formato digital) (ENID)
En aquella época nos prestábamos discos, y así es como conocí a este grupo, Barclay James Harvest en 1978. Me dejaron el "Gone To Earth" del año anterior, gran maravilla del Soft-Rock Sinfónico, me lo grabé (en cassette, por supuesto), le hice una portada a mano y desgasté el cassette. Me encantaron canciones como "Poor Man's Moody Blues" (algo así como los hermanos pobres de los Moody Blues, que era una de las críticas que se hacían a su música), que es como otra versión de "Nights In White Satin". Nunca segundas partes fueron buenas, pero en este caso, si salvas la obviedad del cuasi-plagio, es una maravilla de canción. También hay otra canción que me encanta en el disco, "Hymn", una de sus canciones más emblemáticas, pero el resto tampoco desmerecen en absoluto, "Hard Hearted Woman", con un inicio muy a lo Eagles, "Sea Of Tranquility", sinfónica total, "Friend Of Mine", melodía y voces con ecos de America, "Life Is Like A Violin" que me recuerda en a algún pasaje de Odessa de los Bee Gees, "Taking Me Higher", Leper's Song... en fin, nueve muy buenas canciones de las que no voy a hablar más ya que no es el disco que traigo (lo tenéis en 1PocodMusica, si lo queréis, o decidme algo). Solo Hymn aparece en Berlin: A Concert For The People, el directo que os presento hoy.
Al año siguiente aparece XII, en la línea del anterior, pero sin llegar a su altura, con cuatro temas incluidos en este directo que os traigo: "Loving Is Easy", "Berlin", "Sip Of Wine" y "Nova Lepidoptera". Y en 1979 llega el álbum más conocido en España, Eyes Of The Universe (del que no aparece ninguna canción en Berlin), que incluía el single de éxito en nuestro país "Love On The Line". Quizá fue el éxito de este último lo que hizo que el grupo se conociera un poco más por aquí: recuerdo que pusieron el concierto entero en la TVE el año en que salió. De todos modos, en otros países, sobre todo Alemania, han sido un grupo de gran éxito: Gone To Earth es el 6º album que más tiempo ha permanecido en las listas de éxitos alemanas, 197 semanas, solo superado por la BSO de My Fair Lady, el grandes éxitos de S&G, el álbum rojo de The Beatles o Wish You Were Here de Pink Floyd, y el Best Of Andrea Berg (wikipedia). Os pongo las portadas y si veis cualquiera de ellos (cobre todo los dos primeros), compradlos. Merece la pena.
Voy a comentar un poco sobre las ediciones del disco. Veréis que esta portada y la de arriba cambian el título. La de arriba es A Concert For The People (Berlin) y esta Berlin. A Concert For The People. Esta última es la original que yo compré en su día (mejor dicho, mi hermano, ya que yo lo compré más tarde directamente en CD). Pero salieron a la vez en diferentes países con un título u otro. Incluso en Alemania salió una versión en cassette con 11 canciones en vez de con las 9 del resto de las ediciones del 82. Se añadieron la antes mencionada "Love On The Line", que además abría el disco, y "Rock 'N' Roll Lady", que pertenecía al mismo LP (Eyes Of The Universe, 1979).
El disco con 9 canciones se abre con "Berlin" y "Loving Is Easy· (ambas de XII) y sigue con una maravilla llamada "Mockingbird", de su segundo disco Once Again del 72 (allí "Mocking Bird"), canción obligatoria en sus directos y retocada para este concierto. Vaya diferencia entre esta versión y el resto!. Luego las otras dos del disco XII ("Sip Of Wine" y "Nova Lepidoptera"). "In Memory Of The Martirs" y "Life Is For Living" son las canciones del LP previo a la aparición de Berlín, Turn Of The Tide, de 1981. Vuelven a echar mano de otra canción "antigua" de Everyone Is Eberybody Else" de 1974, "Child Of The Universe" y terminan con el majestuoso "Hymn". De verdad que el disco no tiene desperdicio.
BJH se formó en 1967. John Lees y Wooly Wolstenholme venían de The Blues Keepers y Les Holroyd y Mel Pritchard de Heart And Soul And The Wickeds. En los primeros LPs del grupo, el mellotron de Wolstenholme tiene un importante papel, pero éste deja la banda después de "Gone To Earth". En 1998 se rompe el trío: John Lees sigue grabando y actuando como John Lees' Barcjay James Harvest y Les Holroyd y Mel Pritchard como Barclay James Harvest Featuring Les Holroyd, hasta la muerte repentina de Pritchard en 2004. Wolstenholme, que había colaborado en la última etapa en el grupo de Lees, también muere en 2010.
La versión que traigo es la remasterizada de 2006, en la que aparecen los temas extra de la edición alemana en cassette y el orden alterado con respecto a la edición original.
"Para Los Hijos De Los Hijos De Nuestros Hijos" es el álbum central del Core Seven (o Classic Seven), o sea, los siete álbumes que The Moody Blues publicaron entre 1967 (Day Of Passed Future) y 1972 (Seventh Sojourn) y el primero que publican con su nueva compañía, Threshold Records (que tomó el nombre de su anterior disco).
Este álbum supone una cima en el rock progresivo, pero alejándose claramente de lo que proponían grupos como Pink Floyd, King Crimson o Genesis. La diferencia fundamental estriba, para mi gusto, en que The Moody Blues cultivan el Rock Sinfónico, alejados de la experimentación e incluso de la psicodelia que aderezaba sus dos previos trabajos, aunque se pueden encontrar todavía algunas retales psicodélicos en alguna canción del disco ("Sun Is Still Shining"). O mejor dicho, Rock Sinfónico "Soft", ya que enseguida va a rasgarse la vestiduras alguien si digo que King Crimson no hace Rock Sinfónico. To Our Children's Children's Children podría definirse con una sola palabra, que no me gustaría que se entendiera como una cursilería, y ésta es Belleza.
Los Moodys hacen un álbum conceptual sobre la llegada del hombre a la luna y también con una extensa atención a la niñez, con canciones claves como "Eyes Of A Child" o "Watching And Waiting" y que consiguen convencer al público de la época llevando al #2 de ventas en UK y al #14 en USA.
Había pensado poner la versión de 1999 en CD, que es la que tengo yo, pero investigando he visto una edición de 2006 con un CD bonus con material no publicado previamente. La versión de 2008 en un solo CD también nos trae bonus pero están en la versión previa. He puesto tres carpetas distintas con las carátulas de las tres ediciones.
¿Qué podemos decir de David Bedford?
En primer lugar y para hacerse una idea de por dónde van sus intereses musicales, les cuento que desde los años 70 ha sido compositor con largas residencias de varios “colleges” británicos y que entre sus amigotes y colaboradores se cuentan a Kevin Ayers, Mike Oldfield, Roy Harper y Lol Coxhill…
Segundo: Ha colaborado con una incontable cantidad de músicos, bandas y orquestas de los más diversos estilos y géneros a lo largo de su carrera, por ejemplo A-ha, Billy Bragg, Camel, Elvis Costello, Frankie Goes to Hollywood, Madness, Andy Summers, Alan White (baterista de Yes), y Robert Wyatt. y es, por antonomasia, uno de los pioneros del actual movimiento avant garde, con el que comenzó un largo romance a inicios de los 70…
Tercero: Bedford es un maestro al momento de generar éxtasis armónicos en vez de acumular timbres y texturas. Su trabajo de décadas con niños (incluso menores con discapacidad auditiva) lo ha llevado a construir partituras en las que ha reemplazado la notación musical por gráficos.
Cuarto: Es un amante de la ciencia ficción, lo que ha dotado a su obra de un sello muy particular.
Si bien, la época de mayor producción musical publicada a nombre propio para Bedford fue entre los 70 y comienzos de los 80, sus contribuciones en la educación y la música clásica contemporánea han formado parte fundamental de sus últimos 30 años, con una nada despreciable cantidad de participaciones junto a orquestas sinfónicas de Inglaterra.
El álbum que nos ocupa hoy, es el sexto de su discografía como solista y en él, se acumula una serie de géneros que van desde lo más granado del clasicismo, pasando por el lado más sobrio del avant garde, el sinfonismo, la música coral, el minimalismo y el mismísimo y nunca bien ponderado rock. A estas alturas quizás sobre mencionar el que puede parecer un título pomposo, pero que calza perfectamente con los intereses de Bedford por la ciencia ficción.
“Estrellas, Nebulosas y Lugares en Devon” no hace sino mayor gala de otros títulos anteriores y posteriores del músico, incluyendo esa monumental obra llamada Rygel 9, basada en un cuento de Ursula K. LeGuin. Pero eso es harina de otro costal. En la cara A de este disco (qué antiguo se ve eso!), encontramos una monumental pieza de poco más de 25 minutos que, en base a voces y bronces, nos introduce en una serie de secciones superpuestas que van conformando una portentosa sinfonía de volátiles atmósferas que no dejan de recordar las bandas sonoras de 2001 y Close Encounters of the Third Kind, y si bien Bedford puede haber cogido algo de Richard Strauss y su inmortal Also Sprach Zarathustra, debemos recordar que la música de este disco fue compuesta a comienzos de los 70, por lo que me atrevo a suponer que John Williams algo debió tomar del talento de Bedford para la banda sonora de la película de Spielberg…
En fin, el asunto es que la primera parte de este disco, es un verdadero aunque complejo viaje dotado de contundentes secuencias sonoras que navegan entre improvisaciones, música de cámara, algo de barroco, avant garde y minimalismo, elementos que se mantienen en la segunda parte del álbum, titulada The Song of the White Horse, una pieza nuevamente intrincada, pero en donde las secciones que lucen improvisadas casi desaparecen para dar paso a segmentos sinfónicos, los que incluyen algunas breves apariciones de teclados en manos de otro “don” de la música llamado Mike Ratledge (Soft Machine) en una pieza brillante, llena de sonidos y arrolladoras secciones vocales que nos invitan a conocer las influencias de los grandes autores clásicos del siglo XX a los que Bedford debe ser tan aficionado y en donde incluso, podemos percibir cierto homenajeo para nada gratuito, a Los Planetas de Holst, mientras las armonías se unen en un crescendo que lleva a un final diáfano y devastador. En suma, un dis-ca-zo que deben escuchar antes de morir so pena de perderse una de las obras más arriesgadas, hermosas y refulgentes de las postrimerías del siglo pasado. Para poder llegar a las notas mas altas en lo vocal, la solista, la conocida soprano, Diane Coulson, inspiró gas helio utilizado en medicina, y eso que ya tenia un alto registro. En este caso, Mike Oldfield fué Productor y Ingeniero de sonido de la obra finalmente publicada, primero en vinilo, y posteriormente, en cd.
Nota: Precisamente, al recabar datos para esta reseña, me he podido enterar que, David Bedford falleció el 1 de Octubre de 2011, o sea, hace 4 meses, a los 74 años de edad, y debido a un cáncer de pulmón... Descanse en Paz, y nos queda su obra musical para disfrutarla.
MARIAN VARGA & COLLEGIUM MUSICUM "LIVE IN CONCERT"
OPUS - 1975 This CD OPUS-1995
Marian Varga : Organ & Piano Ivan Belak : Bass Guitar Josef Farkas : Lead Guitar Dusan Hajek : Drums
Live, released in 1975
Songs / Tracks Listing
1. Mikrokozmos (7:23) 2. Nech zije clovek ~ Long live man (16:29) 3. Preludium in C Dur (a cast z baletu Romeo a Julia) (8:40) 4. Hudba k vodometu C.1 ~ Music to the fountain no (10:38) 5. Nesmierny smutok hotelovej izby ~ An immense sadness of Ti (2:37)
Total Time: 45:47
Marian Varga & collegium musicum fueron desde principios de los años 70's un grupo de Rock Sinfonico de la entonces llamada Checoeslovaquia.Varga, considerado como un maestro de los teclados, equiparable sin duda a un Keith Emerson o un Rick Wakeman y en conjuncion con el resto de componentes de la banda, todos ellos de alto nivel musical dieron forma a este formidable grupo que supo fusionar de manera exquisita la musica "culta" con el rock mas vanguardista de la epoca. Nunca fueron valorados lo suficiente y en este disco demuestran de sobra lo que sabian hacer y su altisima calidad.
Iman, Califato Independiente (1978) CAmino del Águila (1980)
Edición de los dos álbumes en uno.
Imán, Califato Independiente, o simplemente Imán, fue una banda de Rock Andaluz, originaria de Sevilla, creada en 1976 y disuelta en 1980. El impulso de la banda se debió al guitarrista Manolo Rodríguez, que había estado en el grupo Goma; y a Marcos Mantero, teclista procedente de Gualberto. Ya con anterioridad, habían tenido una banda común, Chicle, Caramelos y Pipas. En un primer momento, la banda incluía también al polifacético músico Luis Delgado, aunque apenas permaneció unos meses en la formación. El grupo se completó con el bajista Iñaki Egaña, que había
estado en el grupo de funk Barrabás; y con el batería de Jerez, Kiko Guerrero.
Su primer disco, "Imán, Califato Independiente" (CBS, 1978) estuvo producido por Teddy Bautista y Ricardo Pachón, con un sonido etéreo, de gran clímax, quebrado por pulsaciones flamencas. Para muchos críticos, sobre todo su cara A de un solo tema, Tarantos del Califato Independiente, es una de las cumbres del rock sinfónico andaluz, con 20 minutos sin abandonar un tono flamenco-moruno, en un dechado de frescura, fluidez y elegancia. Del disco se extrajeron dos singles de buen recorrido comercial: Tarantos/Canción de la oruga y, sobre todo, Darshan (partes I y II). Éste último tema
se convirtió en su tema de referencia en los conciertos. Depués, el músico uruguayo Urbano Moraes, sustituye a Iñaki en el bajo, y acompañan a Lole y Manuel en su cuarto Lp. En 1980 editan su segundo álbum, "Camino del águila", con influencias de ritmos brasileños y arábigos, y mucha menor incidencia. La banda se disuelve ese mismo año.
Bajo el nombre de Mantero y Rodríguez S.L., publican un single tecno, Sobre ondas, ya en 1981. Después, ambos se van a Madrid para trabajar como músicos de estudio. Con el nombre de Manuel Imán, Manolo Rodríguez edita algunos discos antes de trasladarse a Malibú, donde sigue grabando.
Extraído de Wikipedia.
Estos son los otros dos álbumes que os quería haber dejado en el domingo 28 de Febrero,
Día de Andalucía, pero por las circusntancias ya narradas no pude hacerlo,
Barclay James Harvest
Once Again
1971 - Harvest
40th Anniversary Edition 2011 (7 temas extra)
Once Again fue el segundo álbum de Barclay James Harvest, publicado a principios de 1971. Incluye temas de carácter sinfónico y épico como "Song For the Dying", "She Said", and "Mocking Bird", junto con otros de carácter más melódico e intimista, como "Galadriel" y "Vanessa Simmons". "Mocking Bird" es uno de los temas favoritos del grupo de todos los tiempos, y fue incluido en la mayoría de conciertos del grupo desde entonces. Como el resto de álbumes de la época Harvest, fue grabado con orquesta. LA versión que traigo es la de 2011, que incluye CD con 7 extras y DVD. ESte último no está añadido en el archivo.
Añadimos la edición de 2002 con 5 bonus (distintos). Ambos mp3 (320 Kbps)
INFO : The Flower Kings es una banda de rock liderada por el compositor y guitarrista sueco Roine Stolt. Sus orígenes se remontan a 1994 cuando el mencionado artista graba el disco The Flower King junto a músicos invitados. Luego del mismo, estos últimos pasan a formar parte de una banda permanente denominada The Flower Kings. Desde entonces han editado casi una decena de discos en estudio y varios más en vivo. Han girado por Europa, Norteamérica, Sudamérica y Japón. Aún así mantienen un status de culto Su musica se caracteriza por largas composiciones y audaces interpretaciones, agregando en vivo una sana dosis de improvisación. Las influencias van desde la psicodelia de fines de los '60, pasando por Frank Zappa, Jimi Hendrix, Pink Floyd, King Crimson, Genesis y Yes. Párrafo aparte merecen sus letras, las cuales intentan reflejar la filosofía de vida de Stolt Musicos : Lo secundan en este viaje Tomas Bodin en teclados, Jonas Reingold en bajo, Hasse Fröberg en voz y Marcus Liliequist en batería. Son colaboradores habituales el vocalista y multinstrumentista Daniel Gildenlow y el percusionista Hasse Bruniusson.
Ex componentes de la Banda Los bateristas Zoltan Csorsz y Jaime Salazar. El saxofonista Ulf Wallander. El bajista Michael Stolt (hermano de Roine).
Una vez leido lo que entecede podemos concluir (antes de proceder a una escucha en profundidad) que estamos ante el "GRUPO" que todos deseamos, puede que tras una primera escucha pensemos que sea cierto, pero, en mi opinion (Muy Personal) cuanto mas avanzamos en sucesivas escuchas y sucesivos trabajos podremos concluir que, sin poner en duda la calidad como instrumentistas de sus componentes, no aportan nada nuevo, siempre suenan como otros (los mencionados Zappa, Hendrix, Crimson Etc.) llegando a ser predecibles, y por tanto aburridos. Quizas sea este grupo uno de los mas detestados por mi en estos momentos y desde hace ya varios años ya. Digamos que no han sabido cumplir con las espectativas que inicialmente de ellos esperaba.
Sin animo de generar discusiones, seguro que a mas de uno este grupo les parecera interesante, al menos
Nota :Este el el primer disco de la banda como tal, es decir, como The Flower Kings. Enjoy
La historia original...
La Guerra de los Mundos es una novela escrita en 1898 por, Herbert George Wells, más conocido como H. G. Wells. Nacido un 21 de Septiembre de 1866, en Inglaterra. Está considerado como uno de los padres de la "ciencia-ficción", junto a, por ejemplo, Julio Verne.
Otras de sus famosas novelas, serian, La Máquina del tiempo, El Hombre Invisible, Los Primeros Hombres en la Luna, etc, etc. Pero yo creo que estaremos de acuerdo, en que, la mas famosa es The War of the Worlds (La Guerra de los Mundos), publicada en todos los idiomas del mundo mundial...je, je, y ampliamante recreada de múltiples formas, por ejemplo..radionovelas, peliculas, música, etc.
Ni que decir tiene que es ampliamente conocido el relato radiofónico que en 1938, hizo un joven llamado Orson Welles, con el que logró que cundiera el pánico entre la población de Estados Unidos. Por suerte todo quedó en un enorme susto, y Orson y la CBS, solo tuvieron que pedir públicas disculpas, aunque lograron un "hit" social, haciendo destacar la influencia y poder oculto de la radio (en aquellos años), similar al que hoy goza la televisión. Y si en Estados Unidos, todo quedó en susto, no fué del todo asi en otro pais de América, mas al sur, concretamente Ecuador...donde en 1949, dramatizaron el relato de Orson Welles, pero ni lograron acabarlo, porque la gente, después de sentir el temor de lo escuchado por las ondas, y habiendose dado cuenta de la realidad, empezaron a reunirse delante del edificio de la radio emisora, Radio Quito, y los ánimos se fueron caldeando, hasta que acabaron, primero lanzando ladrillos y piedras, y por último, incendiando el edificio, cosa que acabó en varias muertes, y la destrucción de la emisora (2 años se tardó en volver a emitir). En menor medida, también hubo desórdenes en otros paises que se hicieron montajes similares, Portugal, Chile, etc, etc. Todo ello ha contribuido a mitificar la magnifica historia que cuenta la novela, la invasión del planeta Tierra por seres de Marte, desde entonces llamados, marcianos.
La historia de la obra músical...
Nacido en Estados Unidos, pero criado en Inglaterra, pais al que llegó la familia Wayne. El padre, Jerry, era compositor, productor teatral, y ocasionalmente, actor. Influyó mucho en la vocación del hijo Jeffrey (Jeff) Wayne, que en el futuro se convertiria en un prolifico autor musical en varias formas, desde música para anuncios publicitarios, hasta bandas sonoras de obras de teatro musicales, pasando por algún que otro éxito para cantantes, caso de "Rock On" para David Essex, y también experimentó con el rock sinfónico. Entre composición y tal, se le ocurrió que haria una dramatización musical de una gran obra. Con su padre, Jerry, barajaron varias opciones, Brave New World, de Aldous Huxley, ó The Day of the Triffids, de John Wyndham. Pero fué, su cuñada, Doreen, quien sugirió La Guerra de los Mundos.
Los Wayne llegaron a un acuerdo economico con los legales poseedores de los derechos de autor, y empezaron a repartirse el trabajo. Doreen Wayne haria la adaptación, Jerry haria de editor del libreto, y Jeff empezó a buscar apoyo económico en la CBS, cosa que logró, empezando un proyecto calculado para tres años, y con un costo que multiplicó por 8 el presupuesto inicial, ya que creció hasta hacerse un doble LP, pero que rapidamente fué amortizado, en solo 6 semanas se vendieron 1 millón de ejemplares. Permaneció en las listas de éxito durante 6 años, y se convirtió en la banda sonora mas vendida del Reino Unido, a pesar de no ser ni, ópera rock, ni soundtrack de ninguna pelicula. De la obra se hicieron versión en inglés, con la voz de Richard Burton, en alemán, con Curt Jurgens, y 2 en castellano, una para Sudamérica, con la voz de Anthony Quinn, y otra para España, con la voz de Teófilo Martinez, y ésta última es la que comparto aqui.
El planteamiento me parece excepcional, al ya conocido planteamiento de la invasión marciana, se usa como hilo conductor, a un periodista, a un cura y su esposa, a un militar, o sea los poderes fácticos de una sociedad, y con ellos se va desarrollando relato, y música.
El disco...
"Nadie hubiera creído, a finales del siglo XIX, que la vida humana estaba siendo observada desde los mundos infinitos del espacio. Nadie habría podido soñar, que estábamos siendo estudiados como se examinan bajo un microscopio los organismos en una gota de agua.
Pocos hombres admitían incluso la posibilidad de vida en otros planetas. Sin embargo a través del abismo espacial, mentes infinitamente superiores a las nuestras dirigían su codiciosa mirada hacia esta tierra y, lenta pero inexorablemente, dispusieron sus planes contra nosotros."
Esta es la enigmática frase que oimos al empezar a escuchar el disco, y seguidamente empiezan unas notas musicales que se repiten alguna otra vez a lo largo de la obra, y que se vá silenciando en los momentos en que el personaje conductor, un periodista, nos va relatando la trama. La música se vá adaptando, en estilo, al escenario de la acción, y de esta forma, tenemos, enérgicos solos de guitarra, el bajo que mas que marcar ritmo, es instrumento protagonista de la música, teclados varios, violines, percusiones, pasando por rock sinfónico, progresivo, pop electrónico, y efectos varios, como por ejemplo, el sonido de distintas explosiones, rayos de fuego, el grito de guerra de los marcianos (algo asi como "uuullaaa"),etc, etc.
Para la grabación, Jeff contó con buenos músicos, casi amigos todos, y la voz estrella de un actor famoso. También contó con otra gente en la composición, Gary Osborne, y Paul Vigrass. Pero lo mejor es el elenco de cantantes.
Ni que decir tiene que, la música te absorbe la atención, te hace emocionar, te aterroriza y casi te hace creer en que está pasando realmente. Los personajes involucrados, por cierto, muy acertados, son magnificamente interpretados, en carácterización, y en voces. Asi tenemos, a Teófilo Martinez, como El Periodista, Manuel Dicenta en el papel del cura Nathaniel, Marisa Marco como Beth, su esposa, y Luis Varela, como El Artillero. Estos hacen los dialogos en español, y el resto de la obra es la misma en todas las versiones. En mi opinión, también los cantantes son acertadisimos, asi canta Justin Hayward (Moody Blues), las partes mas melódicas y románticas. Phil Lynott (Thin Lyzzy) pone su voz al cura Nathaniel, de una forma desgarrada y muy sentida. Julie Covington, pone voz a su esposa Beth, y también están, David Essex, Chris Thompson y Jo Partridge. Quiero destacar también a los músicos, poniendo primero al compositor, Jeff Wayne en teclados, Chris Spedding en guitarra, Jo Partridge, también guitarra, Herbie Flowers en bajo (magnifico), Barry Morgan en bateria, Ray Cooper, Barry Da Souza, Roy Jones en percusiones, y Ken "Prof" Freeman en sintetizadores. Del LP, se publicaron, y con bastente éxito, varios fragmentos de la obra, en formato single, caso de "The Eve of the War", "Forever Autumn", "The Spirit of Man", y "Thunder Child".
Nota: Este ripeo es de vinilo, estaba en perfecto estado, y no he necesitado pasarlo por ningún filtro. Me ha sido bastante dificil el marcar las pistas individuales (no se bien porqué, pero los tiempos al reproducirlos no son los indicados en los créditos). Aún asi, está dividido en los titulos de la obra. Mi consejo es que si lo copiais a cd, pongais a cero el espacio entre pista y pista, asi oireis toda la música seguida al reproducirlo en un equipo de sonido.
Archivo en MP3 a 320 + Fotos Vinilo, Estuche Cassette de Chuan (Gracias) y alguna carátula de cd
En espera de conseguir el gran ripeo original del gran Miguel Campoviejo, os dejo esta reedición Deluxe de 2009 de la obra en inglés, mp3 (320 Kbps). Conseguido el original (Miguel, eres un monstruo!) = JEWAGUE
Marshall Erskine : Bass, Flute Ricky Gardiner : Acoustic & Electric Guitar, Vocals Martin Griffiths : Percussion, Vocals Alan Park : Organ Vitginia Scott : Mellotron Gordon Sellar : Guitar, Bass, Vocals
Para este, su segundo disco, la banda alcanza su máxima expresión, tras algunos cambios en su formación, la inclusión del organo Hammond (Park) en conjunción con el mellotrón (Scott) crean unas atmósferas de "sinfónico-progresivo" del más alto nivel.
Marshall Erskine : Bass, Flute Ricky Gardiner : Vocals, Guitar Martin Griffiths : Percuission, vocals Bill Martin : Keyboards Raymond Wilson : Drums
La banda escocesa "Beggar's Opera" a la que podemos clasificar como grupo de Rock sinfónico-progresivo, en esta su primera grabación, exponen su tendencia por el "reciclaje" de la música de cámara a través de un filtro progresivo, con la inclusión de temas del autor austriaco Von Suppe y la adición de fragmentos de Mozart y Bach. Quizás fueran los Nice los precursores de este tipo de adaptaciones musicales, pero la coincidencia en el tiempo es muy similar y desde luego este disco fue editado años antes que Pictures At An Exibition (E,L&P).
En suma, se trata de un buen disco, que agradece su escucha y aunque aquí el grupo no alcance su madurez absoluta, merece la pena incluir en vuestra colección.
LE ORME "Smogmagica" Philips - 1975 Polygram - 1990
Toni Pagliuca : Keyboards Aldo Tagliapietra : Bass Guitar, Acustic Guitar & Vocals Michi Dei Rossi : Drums & Percussion Tolo Marton : Electric Guitar, Armoniva & Vocals
Septimo disco de esta banda italiana de Rock Sinfonico-Progresivo (pero menos) que para la ocasion abandona el formato de trio con la inclusion de Tolo Marton a la Guitarra, instrumento, que hasta este disco no habian usado con profusion. Se trata, por tanto, de un disco que se aparta un poco de la senda seguidahasta entonces, y aunque sea un poco disperso en su concepcion presenta momentos de indudable belleza, que seguro sabreis disfrutar.
Para dar forma a sus inquietudes musicales, Joop Van Ninwegen dio forma al grupo "FINCH" que en su corta vida editaron tres discos , este es el segundo de ellos, y quizas el que mas repercusion obtuvo. Se trata de una banda holandesa y su musica es una mezcla de Rock-Jazz Progresivo y totalmente instrumental.
Discografia :
Glory Oh The Inner Force (1975) Beyond Expression (1976) Galleons Of Passion (1977)
Stage'76 The Making Of... Galleons Of Passion (1999) CD Doble contiene temas ineditos anteriormente mas un "Live"
Desaparecieron de la escena musical en 1977 y aunque se ofrecio a Joop Van Ninwegen un buen contrato para rehacer la banda,ya en los años 90's, este declino la oferta, manifestando que la musica que habian hecho era una "Porqueria" (diriamos mejor Mierda) y que la grabacion de sus discos habia sido un "pecado de juventud" Discrepo de su opinion, aunque es del todo respetable? y a la escucha de su musica me remito.
E.L.O - Roll Over Beethoven (1973) Gonna write a little letter gonna mail it to me local D.J.
Well it's a jumpin little record I want my jockey to play
A Roll Over Beethoven, gotta hear it again today
Ya know my temperature's risin, need a shot of rhythm and blues
Well my heart's beatin a rhythm, i'm singin out rhythm and blues
Roll Over Beethoven, rockin in two by two
Well if you feel you like it, a get your lover and reel n rock in
roll it over and a move on up now, go for cover and reel and rock it
roll it over, Roll Over Beethoven, tell Tchaikovsky the news
Early in the mornin I'm a givin you the warnin,
Don't you step on my blue suede shoes
Oh hey diddle diddle gonna play my fiddle,
I ain't got nothing to lose
Roll Over Beethoven, tell Tchaikovsky the news
Well she wiggles like a glow-worm, dance like a spinning top
Yeah she got a crazy partner, you should have seen her reel n rock
Long as she got a dime, the music will never stop
Roll Over Beethoven, Roll Over Beethoven,
Roll Over Beethoven, Roll Over Beethoven,
Roll Over Beethoven, dig these a rhythm and blues (repeat twice)
Roll Over Beethoven (repeat 7 times)
Multireconocida banda de sinfónico que se atrevió introducir elementos propios de la música clásica y que les otorgo un sonido indiscutiblemente E.L.O.
Tuvieron gran repercusión en los USA, mas que en su propia casa y vendieron infinidad de copias, poco a poco se hicieron un hueco en la escena sinfónica hasta llegar a los imprescindibles.
La RIAA les concede numerosos reconocimientos por ventas y sus discos se venden como churros entre el personal.
La canción "Roll Over Beethoven" es original del genial Chuck Berry, publicada en mayo de 1956, y se cuenta que la compuso como respuesta a su hermana, que tenia acaparado el piano de casa centrada en la música clásica.
Junto a los cover he incluido un poco de info sacada de la red, donde los neófitos podrán leer un poco de su historia y cambios de formación, que fueron muchos.
Es un disco recopilatorio de 1996, que incluye 7 de las 9 canciones del primer LP del grupo (The Electric Light Orchestra, 1971), 4 de las 5 del segundo (ELO 2, 1973), entre las que está la que da título a la recopilación, y un último tema, "Baby I Apologise", descartado para este último ELO 2 y que aparecía como bonus en la reedición de 2006. Un buen disco de los que pueden llamarse históricos.
TRIUMVIRAT "Illusions On A Double Dimple" EMI-Electrola 1974 2º Disco de la Banda
Banda alemana de Rock Sinfonico Progresivo formada en Colonia en 1969 pot Jurgen Fritz, Hans Bathelt y Werner Frangenber, con unamarcada influencia de The Nice y mas tarde Emerson, Lake & Palmer (de la que podriamos decir que para su segundo disco, parecen sus clones)
Hans Bathelt - Drums Jurgen Fritz - Keyboards, Vocals Helmut Kollen - Bass, Guitar Vocals Hans Pape - Bass Guitar Vocals
STRING DRIVEN THING "The Machine That Cried" August 1973 By Julio
Tercer disco de esta magnifica banda de origen escocés, formada en 1970 por John F. Mannion (12 String Guitar), Pauline Adams (Tambourine And Congas), y Chris Adams ( String Guitar). Su primer disco (Selftitled) presenta una orientacion claramente Folk. muy a pesar de la incorporacion del mellotron que da un caracter sinfonica a una parte de sus temas. Para " The Machine That Cried" el grupo ha tomado un cariz sinfonico-experimental-progresivo, muy en la onda lde la epoca, siendo destacable la incorporacion de Grahan Smith (Violin) Más tarde en Van der Graaf (The Quiet Zone... y Vital) LOOK FOR: CRIED
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