Rich DelGrosso - Get Your Nose Out of My Bizness! (2005 US)

 

Nacido en Detroit en junio de 1949, Rich DelGrosso es un cantante y compositor de blues, que destaca como intérprete de la mandolina, aunque también toca la concertina, el dobro, la guitarra, la armónica... Como el principal mandolinista de blues de la escena actual, Rich DelGrosso actúa en clubes y festivales de todo el mundo. Sus grabaciones le han valido cinco nominaciones a los premios Blues Music Award. El historiador del blues Mark Hoffman lo llama "el mejor mandoman de blues vivo". Los numerosos talleres de mandolina de DelGrosso le han valido el premio Keeping the Blues Alive de la Memphis Blues Foundation. Rich cubre todos los aspectos del blues, desde tocar slides hasta adaptar trapos de guitarra para mandolina. El blues es un sentimiento; quizás por eso las improvisaciones de blues de Rich en el Simposio han sido tan populares todos los años. Es un tesoro escondido de la tradición del blues. Puedes escuchar su voz ronca en varios clásicos y originales del blues (y algunos temas propios) combinados con su típico aullido de mandolina. Rich toca una vieja Gibson ovalada y una National Resophonic más nueva.

01 - Get Your Nose Outta My Bizness!

02 - Big Fat Mama Jam

03 - Can't Be Satisfied (M. Waters)

04 - Can't Save A Dollar (J. Turmes)

05 - Divin' Duck Blues (J. Estes)

06 - I Smell Trouble (D. Robey)

07 - Early In The Morning (L. Hickman, L. Jordan, D. Bartley)

08 - Lucy Mae Blues (F.L. Sims)

09 - Smokin' And Jokin' With Pinetop

10 - Outskirts Of Town (W. Weldon, R. Jordan)

11 - Walkin' Blues (R. Johnson)

12 - Too Many Dirty Dishes (J. Newton)

13 - That's Alright (J.A. Lane)

14 - When Things Go Wrong (H. Whittaker)

15 - You Done Told Everybody (M.F. McDowell)

16 - How Long Blues (L. Carr)

(R. DelGrosso, excepto indicadas)

Rich DelGrosso: Mandolina, reso-phonic mandolin, guitarra, hi hat, voz
Jeff Turmes: bajo (1,2,5,6,9,12,14)
Ernie Scarbrough: bajo (3,4,7,8,10,13,15)
David Kida: batería (excepto 8,11,16), percusión (15)
Pinetop Perkins: piano (2,6,9,14,16)
James Harman: armónica (2,3,5,6,10,13), saxo barítono y tenor (7)
Gary Allegretto: armónica (9,12)
Doug McLeod: guitarra (11)

CD en mp3 (320 Kbps)

LOOK FOR: RICH

Robbie Robertson - Sinematic (2019 CAN)

 

Pues otra gran pérdida. Robbie Robertson, que nos dejó el pasado 9 de agosto, siempre ha sido una de mis debilidades. Tanto es así, que en las Galletas estaba toda su discografía (realmente, falta la Banda Sonora de Carny, de 1980, en la que Robertson interpreta la primera cara del disco)... hasta que apareció este buen álbum. Sinematic es el sexto y último lanzamiento en solitario del cantante y músico canadiense Robbie Robertson. Fue lanzado el 20 de septiembre de 2019 y es su último álbum de estudio. Presenta a Van Morrison uniéndose a Robertson como sicarios en duelo en la canción "I Hear You Paint Houses", así como otras alusiones al mundo de las películas de Scorsese. Citizen Cope, Derek Trucks y Frédéric Yonnet hacen apariciones especiales en el álbum. La portada así como todas las imagenes del libreto son obra de Robertson. Los temas "I Hear You Paint Houses" y "Remembrance" aparecen en los créditos de la película The Irishman. Sinemo es un vocablo obsoleto, es el nombre dado por los botánicos a una parte del gimnóstemo de la mayoría de las plantas correspondientes taxonómicamente a la familia de las orquidáceas y orden de los asparagales que representa el filamento de los estambres. No sé si Robbie se refería a esto o es un juego de palabras con cinemático.

De The Rodeo Magazine (https://therodeomag.com/2019/09/24/robbie-robertson-sinematic/)

Los “grandes” de larga data a menudo recurren a la sobreproducción como una forma de salvarse, hasta donde yo sé, de la falta de confianza en su antiguo talento. Encuentran un nicho, su rincón y se quedan allí. Ahora bien, esto generalmente resulta en un registro tras otro de tonterías. Cosas que no traspasan los límites, no te atraen de ninguna manera ni crean un efecto duradero. Pero esto me ha sorprendido. No me malinterpretes, hay momentos en esto que son tan clásicos que no solo se me doblan los dedos de los pies, sino también las rodillas. Pero hay algunos ritmos realmente buenos. Robbie Robertson interpreta a un personaje (siempre lo ha hecho), pero no es el hombre de la cocaína de los setenta, ni su estrella de rock de los sesenta, sino su marca de chico cool de los ochenta. Acepta la vergüenza, pero realmente lo logra... la mayor parte del tiempo. Las canciones tratan sobre el amor, los héroes y los villanos, los jefes criminales de Shanghai y la paz. Están bien juntos, no demasiado producidos, pero suenan un poco como una mezcla de Chris Isaak. Se nota que es Bob-desde-el-sótano en la guitarra, pero es un esfuerzo de toda la banda. En un mundo posterior a los hechos y muy irónico, Robertson aparece como una figura altamente conceptualizada, consciente de su propia pretensión. La cuestión es que dudo mucho que lo sea con toda honestidad. Y ese es el problema con todo el disco: puede derivar hacia áreas que son demasiado vergonzosas para soportarlas. La mayoría, si no todos, los oyentes que lean esto probablemente experimentarán esa secuela de cuerpo entero cuando se canten algunas de sus líneas. Es un cuidadoso equilibrio entre actuar "cool" y ser irónicamente cool en el proceso, y actuar cool y parecer un imbécil. Alex Turner y Alex Cameron son los dos ejemplos en los que te sugiero que pienses antes de intentar escuchar esto. Por supuesto, si entras en esto sin resentimiento, es divertido y estilizado, sexy y maravilloso. Si puedes soportarlo durante los 58 minutos completos, te recompensará.

1. "I Hear You Paint Houses" (feat. Van Morrison)-5:03

2. "Once Were Brothers"-4:24

3. "Dead End Kid"-3:58

4. "Hardwired"- 3:58

5. "Walk in Beauty Way"-5:37

6. "Let Love Reign"-5:11

7. "Shanghai Blues"-3:51

8. "Wandering Souls"-2:33

9. "Street Serenade"-5:06

10. "The Shadow"-4:26

11. "Beautiful Madness"-4:30

12. "Praying for Rain"-4:11

13. "Remembrance"-5:28

(R. Robertson)

Robbie Robertson - voz (excepto 8,13), teclados (1,2,6,7,12,13), guitarra (excepto 2)

Jim Keltner - batería (2,13)

Chris Dave - batería (resto)

Reggie Hamilton - bajo (2,13)

Pino Palladino – bajo (resto)

Frédéric Yonnet – armónica (1,2,13)

Afie Jurvanen – guitarra (9,12), coros (1,4,9,12)

Jim Wilson - teclados & programación (5)

Derek Trucks - guitarra slide (13)

Terry And The Octo Pirates - guitarra & órgano Hammond & Wurlitzer (9)

Howie B. – teclados & programación (3,4,10,11)

Joe Hirst - teclados & programación (4)

Randy Kerber – teclados (13), órgano Hammond (1,2)

George Doering - guitarra (2,13)

Doyle Bramhall II - guitarra (13)

Martin Pradler – teclados (1,3,7,11,12), percusión (12), programación cuerda (13)

J.S. Ondara – coros (2,11)

Felicity Williams - coros (1,4,6,7,9,12)

Citizen Cope - coros (2)

Van Morrison - voz (1)

Laura Satterfield - voz (5)

Glen Hansard - voz (3,6)

Disponible en Nuestra Fábrica:

1994 - Music For The Native Americans

1998 - Contact From The Underworld Of Redboy

2011 - How To Become Clairvoyant

2006 - Robbie Robertson (1987) + Storyville (1991)

CD en mp3 (320 Kbps) y FLAC

LOOK FOR: SINEMO y SINEMOF

Eagles - On The Border (1974 US)

 

Me desperté hace un par de días con la noticia del fallecimiento de Randy Meisner. He pensado en este disco como homenaje. On the Border es el tercer álbum de estudio de la banda de rock estadounidense (The) Eagles, lanzado en 1974. Es el primer álbum de Eagles que presenta al guitarrista Don Felder. On the Border alcanzó el #17 en la lista de álbumes de Billboard y ha vendido dos millones de copias. Se lanzaron tres sencillos del álbum: "Already Gone (canción de Eagles)", "James Dean" y "Best of My Love", que alcanzaron los números 32, 77 y 1 respectivamente, siendo este último su primer #1 en ventas. El álbum fue producido inicialmente por Glyn Johns y grabado en Olympic Studios en Londres, pero durante la realización del álbum, surgió un desacuerdo entre Eagles y Johns. La banda trató de inclinarse hacia un sonido de rock más duro y creían que Johns estaba enfatizando demasiado el sonido de country/rock. Por su parte, Johns creía que los Eagles no eran capaces de dar de lo que ellos mismos querían y dijo a la banda: "No sois una banda de rock and roll: The Who es una banda de rock and roll, y vosotros no sois eso". La banda, Glenn Frey en particular, también estaban descontentos con la política no-drogas de Johns durante la grabación y no se sentían cómodos grabando en Londres. Estaban preocupados por la falta de éxito del álbum anterior, Desperado, y querían dar más aportes al álbum, lo que Johns no estaba dispuesto a permitir. Pasaron seis semanas grabando en Londres y tanto la banda como el productor se sintieron frustrados el uno con el otro, con frecuentes discusiones entre Johns y Frey. Luego, la banda se tomó un descanso, decidió buscar un nuevo productor y descartó todas las grabaciones excepto dos pistas utilizables, "Best of My Love" y "You Never Cry Like a Lover". La banda regresó a California y contrató a Bill Szymczyk, que había producido The Smoker You Drink, The Player You Get de Joe Walsh. La banda grabó el resto del álbum en Record Plant Studios en Los Ángeles y disfrutaron de más libertad con Szymczyk en la creación del álbum. Szymczyk sugirió que trajeran a un guitarrista más duro para agregar una guitarra slide a la canción "Good Day in Hell". Bernie Leadon sugirió a su viejo amigo Don Felder, a quien habían conocido y tocado en algunas ocasiones. La banda quedó tan impresionada que invitaron a Felder a convertirse en el quinto Eagle. La única otra pista de este álbum en la que apareció fue "Already Gone" y se acreditó como una llegada tardía en las notas del álbum.  Sobre la diferencia de sonido entre las producciones de Johns y Szymczyk, Henley dijo: "Hay mucho menos eco con Bill, por un lado y una presencia más cruda y funky. Glyn tenía un sello en sus discos que es un profundo eco realmente suave como un helado". Pensó que la producción de las dos canciones de Johns era buena y necesaria. Frey, sin embargo, dijo que los discos de country/rock de Los Ángeles eran "demasiado suaves y vidriosos", y ellos querían un "sonido más duro". Su amigo y colaborador, J. D. Souther, atribuyó el cambio de productor al "deseo de Eagles de obtener un sonido más vivo y simple en los álbumes". Los primeros dos sencillos lanzados estaban más orientados al rock; Frey se mostró reacio a lanzar "Best of My Love", producido por Johns, como sencillo, y retrasó su lanzamiento durante algunos meses. Cuando finalmente se lanzó, el sello había recortado la canción, sin el conocimiento de la banda, para que fuera más amigable con la radio (de 4:34 a 3:25). "Best of My Love" se convertiría en su mayor éxito hasta el momento y su primer #1 en las listas.

"Best of My Love" es una canción escrita por Don Henley, Glenn Frey y J. D. Souther. En 2009, J.D. Souther dijo sobre la composición de "Best of My Love": "Glenn encontró la melodía; creo que la melodía proviene de un disco de Fred Neil. Estábamos trabajando en ese álbum (On the Border) y llegamos a Londres. Los tres lo estábamos escribiendo y teníamos fecha límite para terminarlo. No sé de dónde sacamos la inspiración". Glenn Frey recordó: "Estaba tocando la guitarra acústica una tarde en Laurel Canyon y tratando de descifrar una afinación que Joni Mitchell me había mostrado un par de días antes. Me perdí y terminé con la afinación de guitarra para lo que más tarde resultaría ser "The Best of My Love"". Según Henley, la mayoría de las letras fueron escritas en una cabina en el restaurante de Dan Tana cerca del Trobadour. Se agradeció al maître del restaurante, Guido, en las notas del álbum. La letra se inspiró en parte en la ruptura de Henley con su entonces novia Suzannah Martin. "Best of My Love" se grabó en Olympic Studios en Londres. Eagles habían comenzado a trabajar en On the Border con Glyn Johns, que había producido su álbum debut (Eagles) y el siguiente (Desperado). A pesar del éxito de su álbum debut, los Eagles (Frey específicamente) estaban descontentos con la preferencia de Johns por el country/rock y sus aspiraciones de rock, y su insatisfacción con Johns se vio reforzada por el álbum Desperado, hecho de manera similar y que fue un fracaso comparativo con el primero. Después de seis semanas en Londres, que produjeron "Best of My Love" y otra pista utilizable, "You Never Cry Like a Lover", los Eagles dejaron de trabajar con Johns, luego pasaron ocho semanas de gira por Europa y Estados Unidos y completaron la grabación de On the Border en Record Plant en su ciudad natal de Los Ángeles con la producción de Bill Szymczyk. "Best of My Love" fue remezclado por Szymczyk. El tema había tenido una aceptable repercusión radiofónica gracias al DJ Jim Higgs, de la emisora WKMI-AM en Kalamazoo, Michigan, también director de programas y música de la estación, favoreciendo a "Best of My Love" sobre los lanzamientos oficiales de sencillos "Already Gone" y "James Dean". Aconsejado por Higgs sobre la fuerte respuesta positiva de los oyentes de WKMI a "Best of My Love", Asylum Records le dio a la pista un lanzamiento limitado de 1000 copias disponibles solo en el área de Kalamazoo, y la reacción a este lanzamiento de prueba aseguró el lanzamiento completo de "Best of My Love" como sencillo el 5 de noviembre de 1974. Cuando finalmente se lanzó el sencillo, Asylum Records había truncado la canción para que fuera más radiofónica, pero lo había hecho sin el conocimiento o la aprobación de la banda. Causó una ira considerable en la banda, y Henley exigió que el sencillo fuera retirado de las tiendas. Sin embargo, la canción se convertiría en el más exitoso de sus sencillos lanzados hasta el momento, dando a la banda su primer sencillo número 1. Cuando se consideró que la canción había vendido un millón de copias, el manager de los Eagles, Irving Azoff, envió a Asylum Records un disco de oro con una pieza recortada, montada en una placa con una leyenda que decía "El premio Golden Hacksaw".

"Already Gone", fue escrita por Robb Strandlund y Jack Tempchin.En las notas de The Very Best Of, Glenn Frey dijo que Tempchin le envió una cinta de la canción por correo. Tempchin ya había escrito uno de los sencillos anteriores de los Eagles, "Peaceful Easy Feeling". "Already Gone" fue una de las primeras canciones que los Eagles grabaron para el álbum después de que dejaron de grabar en Londres y regresaron a Los Ángeles. Frey fue el vocalista principal. El nuevo guitarrista Don Felder tocó una Les Paul Special y proporcionó el solo de la canción. "James Dean" es una canción escrita por Don Henley, Glenn Frey, Jackson Browne y J. D. Souther. La canción trata sobre el actor estadounidense James Dean (1931–1955), quien protagonizó películas como Rebelde sin causa, Gigante y Al este del Edén. La letra, "demasiado rápido para vivir, demasiado joven para morir" se refiere a la vida y muerte abrupta de Dean en un accidente automovilístico en 1955. Bernie Leadon tocó el solo de guitarra. "James Dean" se escribió para un álbum planificado dedicado a los antihéroes. Según Glenn Frey, él, junto con Don Henley, Jackson Browne y J. D. Souther, estaban tocando juntos después de asistir a un espectáculo de Tim Hardin en el Troubadour en 1972, y se les ocurrió la idea de hacer un álbum sobre antihéroes. De ahí surgieron las canciones "Doolin-Dalton" y "James Dean". Sin embargo, el álbum se convirtió en un álbum con temática del salvaje oeste, Desperado, que se lanzó en 1973, y "James Dean" se archivó. Cuando comenzó la grabación de On the Border, la canción se sacó inmediatamente de la estantería y se completó. La canción fue escrita principalmente por Jackson Browne según Henley. El álbum también incluye "My Man", tributo de Bernie Leadon a su difunto amigo Gram Parsons, que había muerto por sobredosis en septiembre de 1973. Leadon y Parsons habían tocado juntos en Flying Burrito Brothers, antes de que Leadon se uniera a los Eagles. Leadon hace referencia a la canción de Parsons "Hickory Wind" ("como una flor, floreció hasta que el viejo viento de nogal americano lo llamó a casa") que apareció en el innovador álbum de country/rock de los Byrds, Sweetheart of the Rodeo, de 1968, único álbum de Byrds en el que apareció Parsons. "On The Border" es una canción de rock duro, inspirada en el escándalo de Watergate manifestando los temores de que el gobierno se extralimite e infrinja la privacidad de las personas. Apenas audible al final de la canción, se puede escuchar a Glenn Frey susurrando "Say Goodnight, Dick", una frase que Dan Rowan (del dúo humorístico Rowan and Martin) hizo famosa refiriéndose a la renuncia de Richard Nixon, que de hecho dimitiría cinco meses después del lanzamiento del álbum. Henley, coautor del tema, consideró que la canción que escribieron fue un "intento torpe e incoherente", ya que todavía estaban aprendiendo a escribir. Según Henley, se suponía que la canción era "una canción de tipo R&B, pero no dio en el blanco". En las notas del álbum, T.n.t.s. fue acreditado al "coach". Se refiere a Tanqueray 'n' tonic, la bebida preferida por Szymczyk, que según Henley, "ayudó" en la superposición de aplausos y las voces de fondo similares a Temptations al agregar un elemento de espontaneidad a la canción. Las palmas en el tema se acreditan a The Clappettes... ellos mismos. David Geffen le puso a Glenn Frey una demo de tres canciones de Tom Waits. A Frey le encantó "Ol' '55" y se la llevó a Henley sugiriendo que dividieran las voces de la canción. Frey dijo: "Es como un coche. Tu primer auto es como tu primera casa. ¡Tenías una casa móvil! "Ol' '55" era tan del sur de California y, sin embargo, también tenía algo de Detroit... como un coche, y me encantaba la idea de conducir a casa al amanecer, pensando en lo que había pasado la noche anterior". "Good Day In Hell" fue escrita por Frey como tributo a Danny Whitten y Gram Parsons. También describió la canción como otro de sus "comentarios continuos sobre los peligros del negocio de la música y el estilo de vida que a menudo lo acompaña". Randy Meisner compone "Is It True?" y es la voz solista en este tema y en "Midnight Flyer".

1. "Already Gone" (J. Tempchin, R. Strandlund)-4:15

2. "You Never Cry Like a Lover" (D. Henley, J.D. Souther)-4:00

3. "Midnight Flyer" (P. Craft)-3:55

4. "My Man" (B. Leadon)-3:29

5. "On the Border" (D. Henley, B. Leadon, G. Frey)-4:23

6. "James Dean" (D. Henley, G. Frey, J.D. Souther, J. Browne)-3:38

7. "Ol' '55" (T. Waits)-4:21

8. "Is It True?" (R. Meisner)-3:14

9. "Good Day in Hell" (D. Henley, G. Frey)-4:25

10. "Best of My Love" (D. Henley, G. Frey, J.D. Souther)-4:34

Glenn Frey: voz, guitarra rítmica acústica, guitarra rítmica eléctrica, guitarra solista, piano, guitarra slide (3,8)

Don Henley: voz, batería

Bernie Leadon: voz, guitarra principal y rítmica eléctrica y acústica, banjo, pedal steel

Randy Meisner: voz, bajo

Don Felder: guitarra principal (1) y guitarra slide (9) (acreditado como "llegada tardía")

Disponible en Nuestra Fábrica:

1972 - Eagles

1973 - Desperado

1975 - One Of These Nights

1976 - The Kingdome, Seattle, WA, 8/6/76

1980 - Eagles Live

2007 - Long Road Out Of Eden

Y disponible en 1PocodMusica:

1994 - Acoustic Live

1994 - Hell Freezes Over

Vinilo en FLAC, CD en mp3 (320 Kbps) y FLAC

LOOK FOR: FRONTERA, FRONTERAF y FRONTERAV1-4

Joni Mitchell - For The Roses (1972 CAN)

For The Roses es el quinto álbum de estudio de la cantautora canadiense Joni Mitchell. Fue lanzado en noviembre de 1972, entre sus dos álbumes con mayor éxito comercial y de crítica: Blue y Court And Spark. En 2007 fue una de las 25 grabaciones elegidas ese año por la Biblioteca del Congreso para ser añadidas al Registro Nacional de Grabaciones. For the Roses es quizás mejor conocido por el exitoso sencillo "You Turn Me On, I'm a Radio", que Mitchell escribió sarcásticamente a partir de una solicitud de una compañía discográfica de una canción amigable para la radio. El sencillo fue un éxito, alcanzando el #25 en la lista Billboard Hot 100, convirtiéndose en el primer éxito entre los 40 primeros de Mitchell (como compositora, varios otros artistas habían tenido éxitos con canciones que ella había escrito). "Cold Blue Steel and Sweet Fire", un retrato amenazador y jazzístico de la adicción a la heroína de su entonces amante James Taylor, que también se lanzó como sencillo, respaldado por "Blonde in the Bleachers" y "Judgement of the Moon and Stars (Ludwig's Tune)" también fueron populares. Algunas de las canciones se inspiraron en la relación previa de Mitchell con James Taylor y, según se dice, quedó devastada cuando él rompió la relación en marzo del 71. En noviembre de ese año, Taylor se había unido a Carly Simon, con quien se casó un año después.

En For the Roses, Joni Mitchell comenzó a explorar el jazz y otras influencias en serio. Como cabría esperar de un álbum de transición, se explora mucho terreno estilístico, incluidas selecciones folk directas con guitarra ("For the Roses") y piano ("Banquet", "See You Sometime", "Lesson in Survival"), números abiertamente jazzísticos ("Barangrill", "Cold Blue Steel and Sweet Fire") e híbridos que cruzan los dos ("Let the Wind Carry Me", "Electricity", "Woman of Heart and Mind", "Judgment of the Moon and Stars"). "Blonde in the Bleachers" injerta una coda de banda de rock & roll en un cuerpo principal de cantante y compositor basado en el piano. El exitoso sencillo "You Turn Me on I'm a Radio" es un ensayo inusual en el pop teñido de country, luciendo un solo de armónica estilo Dylan interpretado por Graham Nash y exuberantes coros. Los arreglos aquí se basan sólidamente en la expansión tentativa de la música que se vio por primera vez en Ladies Of The Canyon. "Judgement of the Moon and Stars (Ludwig's Tune)" y "Let the Wind Carry Me" presentan largos interludios instrumentales. Las letras aquí se encuentran entre las mejores de Mitchell, y continúan en la línea de honestidad apasionante y profundidad sincera exhibida en Blue. Como siempre, hay selecciones sobre problemas de pareja, como "Lesson in Survival", "See You Sometime" y quizás la mejor de todas sus canciones en este género, "Woman of Heart and Mind". "Cold Blue Steel and Sweet Fire" presenta una áspera escena de supervivencia en el centro de la ciudad, mientras que "Barangrill" ensalza las virtudes sin complicaciones de una parada de camiones al borde de la carretera. Más que un puente entre grandes álbumes, este excelente disco es una escucha de primer nivel por derecho propio.

Cara 1

1. "Banquet"-3:01

2. "Cold Blue Steel and Sweet Fire"-4:17

3. "Barangrill"-2:52

4. "Lesson in Survival"-3:11

5. "Let the Wind Carry Me"-3:56

6. "For the Roses"-3:48

Cara 2

1. "See You Sometime"-2:56

2. "Electricity"-3:01

3. "You Turn Me On, I'm a Radio"-2:39

4. "Blonde in the Bleachers"-2:42

5. "Woman of Heart and Mind"-2:38

6. "Judgement of the Moon and Stars (Ludwig's Tune)"-5:19

(J. Mitchell)

Joni Mitchell - voz, guitarra, piano

Tom Scott - instrumentos de viento de madera, cañas

Wilton Felder - bajo

Russ Kunkel - batería

Bobbye Hall - percusión

Bobby Notkoff  - cuerdas

James Burton - guitarra eléctrica en "Cold Blue Steel" y "Sweet Fire"

Graham Nash - armónica en "You Turn Me On I'm a Radio"

Stephen Stills - banda de rock and roll en "Blonde in the Bleachers"

Disponible en Nuestra Fábrica:

1968 - Song To A Seagull (aka Joni Mitchell)

1969 - Clouds

1970 - Ladies Of The Canyon

Disponible en 1PocodMusica:

1971 - Blue

1974 - Miles Of Aisles‎

Vinilo en FLAC, CD en mp3 (320 Kbps) y FLAC

LOOK FOR: ROSAS, ROSASF y ROSASV1-2

Titanic- Titanic (Rock, Noruega, 1970)

Este grupo se formó en 1969 en Oslo , Noruega. En ese momento, el grupo incluía al guitarrista Janne Løseth, el bajista Kenny Aas, el baterista John Lorck y el percusionista Kjell Asperud. Titanic decide entonces contratar al letrista y cantante británico Roy Robinson para darse a conocer internacionalmente.

Su primer álbum, homónimo, fue lanzado en 1970 en el sello Columbia Records

De este disco se publicaron en single los temas I See no reason, inspiración Procul Harum, y Searchin', sonido tipo The Spencer Davis Group. El disco que comparto es una Edición del sello Repertoire, que incluye como bonus track los temas, "Half Breed", y "Santa Fé", publicados en single al,año siguiente

Después publicaron varios singles, que buscaban el tener mas éxito y ventas, y que eran con una música algo mas "facilona". Estos fueron, "Sultana", claramente inspirado en la música del grupo Santana, Santa Fé. En España triunfaron con el tema llamado "Macumba".

Video I See No Reason

Video Searchin'

Archivo de CD en FLAC

LOOK FOR: TITANICUNO

Molly Hatchet- Molly Hatchet (1978, Southern Rock, U.S.A.)

A principios/ mediados de los setenta estaban emergiendo nuevas formas musicales en el sur de EE. UU. Una mezcla de blues, country y gospel junto con la invasión británica de rock n´roll sería lo que confluiría en la definición de «Rock sureño». La música se combinaba con un cierto estilo, imagen y emoción especial, y de ahí surgieron grupos imprescindibles como The Allman Brothers, Lynyrd Skynyrd… y este grupo de Jacksonville (Florida) llamado Molly Hatchet.

Como muchos saben, el nombre proviene del nombre de una famosa asesina del siglo XVII, llamada, Molly, que degollaba a sus amantes con un hacha a la que llamaba Lizzy Borden. Por ello era conocida por el sobrenombre de Hatchet Molly… que a la postre le daría la idea perfecta para el nombre a esta Banda. El disco debut, homónimo, incluía en la formación a Danny Joe Brown, Dave Hlubek, Duane Roland, Steve Holland, Banner Thomas y Bruce Crump. El disco lo editó Epic Records en 1978 y consiguió pronto cifras de multiplatino. Con ello la banda rápidamente consiguió la reputación de trabajar duro, tocar más duro aún y vivir deprisa, a través de una intensa actividad de gira que les emparentaba con las bandas más grandes de aquel momento en el continente norteamericano.

Molly Hatchet sale de la tolva pataleando y gritando en su debut. Molly Hatchet no tardó en hacerse popular, con legiones de fans. Canciones como "Bounty Hunter", y el cover de la Allman Brothers Band, "Dreams I'll Never See" ayudaron a construir una sólida base de fans que todavía se mantienen firmes. En definitiva, un espléndido disco de debut de una banda que, al más puro estilo del sur, ha tenido su cuota de altibajos.

LOOK FOR:  HACHAZO

Betsy Legg- Betsy (Folk, U.S.A., 1971)

Nunca antes había oído hablar de Betsy Legg y apuesto a que tú tampoco. Este álbum homónimo, “Betsy”, es, hasta donde yo sé, su único disco. Y, seguramente, solo en poder de coleccionistas.

Es una colección de versiones folk grabadas en Atlanta, Georgia, y lanzadas en 1971 por BCG Records. Betsy, a quien supongo por su voz y su apariencia inspirada en Joan Baez, toca la guitarra acústica y canta. Sus acompañantes son, Pam Rose en la guitarra principal, y el bajista, Laymon Jackson. El álbum contiene canciones escritas por Bob Dylan, Leonard Cohen, John Denver, Kris Kristofferson, Tim Hardin, Judy Collins, Gordon Lightfoot.

Texto pillado de Internet, y traducido automático, o sea, con algunas palabras mal ordenadas....

"Bueno, esto es definitivamente genial. Y la portada del álbum tiene buena pinta, y representa muy bien cómo suena la música. Pero. ¿Me gusta lo aburrido? No. El cantante parece muy triste y tranquilo. Bonito folk tranquilo de guitarra + voz, si te gusta. Pero no muy intenso, incluso la tristeza. Tal vez funcionaría si estás verdaderamente triste. ¿Pero cómo se puede estar tan tranquilo todo el rato? Alza la voz, rasga algo. Amantes de la melancolía apática, esto es para vosotros. Es como el jangle pop del folk de buena calidad. Al menos deberías escuchar esto con el volumen alto, para que puedas encontrar placer en los matices de su voz y no suene insoportablemente poco dinámica y apática. Disco de folk muy promedio de una cantante comprensiblemente desconocida. Probablemente, muy agradable de escuchar para una noche en Greenwich Village, pero nada más."

RIPEO DE VINILO LP EN FLAC

LOOK FOR : PIERNA

Glen Campbell- Wichita Lineman (U.S.A, Country, 1968)

La primera vez que yo escuché este tema, fué en un disco recopilatorio instrumental...y ya me gustó.

Cada año, la Biblioteca del Congreso de EE. UU. elige 25 grabaciones para preservarlas para las generaciones futuras. Las grabaciones se eligen porque son partes importantes de la cultura, la historia o el arte estadounidense. En 2020, se eligió para su conservación la grabación de Glen Campbell de la canción, "Wichita Lineman".

"Wichita Lineman" es una canción escrita por el compositor estadounidense Jimmy Webb en 1968. Fue publicada por primera vez, el 26 de Octubre de 1968, por el artista de música country estadounidense Glen Campbell, con el respaldo de parte de los miembros de The Wrecking Crew, un colectivo de músicos de sesión, del que Glen formó parte en sus inicios, afincados en Los Ángeles, California, Estados Unidos, cuyos servicios se emplearon para miles de grabaciones de estudio en la década de 1960 y comienzos de la década de 1970, incluidos varios cientos de éxitos Top 40. Y desde entonces, este tema, ha sido ampliamente versionada por otros artistas. Se la ha denominado "la primera canción country existencial".

El tema se incluyó en el undécimo álbum del cantante y guitarrista estadounidense Glen Campbell , también llamado Wichita Lineman, lanzado el 4 de Noviembre de1968. También hubo espacio para las interpretaciones, entre otras, de los temas, de Otis Redding, "(Sittin' On) The Dock Of The Bay", de Bee Gees, "Words", de Tim Hardin, "Reason To Believe”, y hasta una versión del tema de Jacques Brel, "Ne me quitte pas", con el titulo de "If You Go Away".

Músicos....según tema..

Glen Campbell – voz, guitarra acústica, guitarra eléctrica

Carol Kaye – bajo

Hal Blaine – bateria

Bob Felts – bateria

Al Casey – guitarra acústica

Dennis McCarthy – piano

Joe Osborn – bajo

Jim Gordon – bateria

Ray Pohlman – bajo

Jimmy Webb – órgano en "Wichita Lineman"

Archivo en FLAC

LOOK FOR :  LINIERO

Ringo Starr - Beaucoups Of Blues (1970 UK)

Una ironía divertida tras la separación de los Beatles en 1970 fue que el que no escribió prácticamente ningún tema (dos en ocho años más un par de colaboraciones) y fue el cuarto mejor cantante de la banda tuvo, por un tiempo, el mayor éxito comercial e incluso crítico. La serie de sencillos de Ringo Starr a principios de los años setenta: "It Don't Come Easy", "Back Off Boogaloo", "Photograph" o "You're Sixteen", llegaron al top 10 en Gran Bretaña y los dos últimos llegaron al #1 US y Nueva Zelanda. Ninguno de sus antiguos compañeros de banda tuvo un éxito tan constante con los sencillos en ese período. Sin embargo, fue una ironía más que el álbum más interesante de la carrera de Ringo, Beaucoups of Blues lanzado en septiembre de 1970, fuera el menos exitoso en ese mismo período. ¿Quién quería o esperaba un álbum de música country de un chico nacido en Dingle, Liverpool? El debut en solitario de Ringo, Sentimental Journey, de principios de año, apareció antes del Let It Be póstumo de los Beatles y era una colección de canciones del tipo que amaba su madre. Era modesto y sincero, pero Ringo apenas tenía la voz para sostener el material de Cole Porter, Johnny Mercer y otros, aunque comandaba el tipo de arreglistas solo disponibles para un Beatle: Ron Goodwin, Elmer Bernstein, Quincy Jones, George Martin, Oliver Nelson, John Dankworth, Paul McCartney. Además de ser un regalo para su madre, fue un escaparate de grandes arreglistas. Vendió muy poco. Pero la excelente continuación de Ringo, posiblemente el mejor álbum de su carrera por lo atractivo que es y lo conectado que estaba con la música, vendió aún menos. Beaucoups of Blues, un álbum de música country grabado en Nashville contó con un elenco de músicos excelentes y fue producido por Pete Drake, legendario pedal-steel guitarrista. Para las 12 canciones estaban los Jordanaires y el baterista DJ Fontana (que habían respaldado a Elvis), Charlie McCoy, Ben Keith (que luego tocaría con Neil Young), Charlie Daniels, Jerry Reed...

El segundo álbum de Ringo Starr tras su salida de The Beatles aparece el 25 de septiembre de 1970 (5 meses después de su debut). Ringo grabó el álbum durante tres días en junio de ese año en Nashville con el productor Pete Drake y no llegó a las listas de Gran Bretaña, aunque logró un éxito comercial moderado en los Estados Unidos, donde alcanzó el #35 en la lista country del Billboard y el #65 en el Billboard US. Durante su participación en las sesiones de grabación del álbum de George Harrison All Things Must Pass, que comenzaron el 26 de mayo, Ringo conoció al mencionado Peter Drake, a quien Harrison había llamado para que tocase el pedal steel guitar en su álbum.  Starr tuvo que recoger a Drake en el aeropuerto para que pudiera grabar con Harrison y este notó la cantidad de álbumes de música country que Ringo tenía en su coche. Al darse cuenta de la profunda conexión de Drake con el country, Starr le preguntó si podían colaborar en un álbum juntos a lo que Drake contestó que sus amigos músicos podían componer más material que el de un álbum en una semana, lo que Starr pensó que era "imposible". Aunque la idea de Ringo era grabar en Inglaterra, Drake lo convenció y voló a Nashville el 22 de junio.

Todas las pistas se grabaron en tres días, los días 25, 26 y 27 de junio, en Music City Recorders. Las sesiones fueron diseñadas por Scotty Moore. Todo el material del álbum fue escrito a propósito para Ringo: " Aquí están las canciones, aquí están los acordes, hagámoslo. No fue una sesión tranquila al estilo de los Beatles. Fue trabajo. Hicimos el disco en dos noches. Solo estuve allí tres días grabando. Me aprendía cinco canciones por la mañana e iba y grababa cinco canciones esa noche. Fue realmente bueno". Ringo cantó a dúo con Jeannie Kendall en la canción "I Wouldn't Have You Any Other Way". También se grabó durante las sesiones la cara B de la canción principal, "Coochy Coochy", que originalmente duraba 28 minutos.[5] Las sesiones fueron extremadamente bien, según Starr, que dijo que grabaron "algunas otras pistas que no sacamos" y terminaron las sesiones con dos largas jam sessions, una de 18 minutos y la otra de 20. minutos. El baterista de sesión DJ Fontana recordó que Starr "nunca varió de ese tempo. Tenía la mejor concepción del tempo que he escuchado en mi vida. Nunca escuché a nadie tocar de manera tan constante en mi vida, y eso es mucho tiempo". Los discos de acetato del álbum, que se titularon Ringo in Nashville, se vendieron en una subasta en agosto de 1992, presentaban un orden de pistas diferente e incluían canciones que no aparecen en la versión lanzada del álbum. Estaba claro para todos que la voz de Starr era mucho más adecuada para el género country que los viejos estándares que caracterizaban a Sentimental Journey. Y para Ringo, hacer Beaucoups of Blues era cumplir una ambición de toda la vida.

Cara A

1. "Beaucoups of Blues" (B. Rabin)-2:33

2. "Love Don't Last Long" (C. Howard)-2:45

3. "Fastest Growing Heartache in the West" (L. Kingston, F. Dycus)-2:34

4. "Without Her" (S. Pickard)-2:35

5. "Woman of the Night" (S. Pickard)-2:21

6. "I'd Be Talking All the Time" (C. Howard, L. Kingston)-2:10

Cara B

1. "$15 Draw" (S. Pickard)-3:29

2. "Wine, Women and Loud Happy Songs" (L. Kingston)-2:18

3. "I Wouldn't Have You Any Other Way" (C. Howard)-2:57

4. "Loser's Lounge" (B. Pierce)-2:23

5. "Waiting" (C. Howard)-2:54

6. "Silent Homecoming" (S. Pickard)-3:55

1995 bonus tracks

13. "Coochy Coochy" (R. Starkey)-4:48

14. "Nashville Jam" (J. Buchanan, C. Daniels, P. Drake, D.J. Fontana, B. Harman, C. Howard, J. Huskey, B. Keith, J. Kennedy, D. Kirby, G. Lavender, C. McCoy, S. Pickard, J. Reed, G. Richey, J. Shook, R. Starkey)-6:39

Ringo Starr: voz, batería, guitarra acústica

Pete Drake, Ben Keith: pedal steel guitar

D.J. Fontana: batería

George Richey, Jim Buchanan, Grover Lavender: violín

Roy Huskey Jr., Buddy Harman: bajo

Dave Kirby, Charlie Daniels, Chuck Howard, Jerry Shook, Jerry Kennedy, Sorrells Pickard, Jerry Reed: guitarra

Charlie McCoy: armónica

The Jordanaires: coros

Jeannie Kendal: voz adicional

Disponible en Nuestra Fábrica:

1970 - Sentimental Journey

1973 - Ringo

2002 - Ringo Starr And His New All-Starr Band

Vinilo en FLAC, CD (bonus) en mp3 (320 Kbps) y FLAC

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